Le passeur critique

Monsieur Lazhar ***

2012-03-10T18:39:00.001+01:00

Un film de Philippe Falardeau

C’est sous la neige, dans la cour d’une petite école québécoise, que débute Monsieur Lazhar. Un gamin arrive en courant, ivre de joie, il rejoint ses camarades et se rappelle qu’il doit, comme tous les lundis, amener les berlingots de lait en classe. Il se dépêche donc d’accomplir son devoir avec la ferveur inégalable d’un enfant de 11 ans. Arrivé devant sa classe, il est arrêté par une porte close. Cet évènement inhabituel le pousse à regarder par la fenêtre l’intérieur de sa classe et découvre avec horreur Madame Martine, le corps inanimé, suspendu quelques centimètres au dessus d’un tabouret renversé, son foulard noué au cou.

Alors, je m’enfonce dans mon siège en me questionnant, mais où veut en venir le cinéaste ? Est ce un film froid et cruel qu’il va nous servir ? Pourquoi montrer la mort de l’enseignante ? Est ce par pur voyeurisme ou pour attendrir le spectateur ? Mais une autre petite fille va faire face au corps sans vie de sa professeure. Ces deux jeunes gens seront liés par cette mort plus encore que les autres élèves de cette classe endeuillée.

Bachir Lazhar (Mohamed Fellag), un Algérien d’une cinquantaine d’années, va se proposer comme remplaçant de Madame Martine à la directrice de l’école. Il dit avoir été enseignant de nombreuses années à Alger et entame rapidement son contrat. Il va faire face à une communauté scolaire où les réformes pédagogiques prennent le pas sur l’humanité et interdisent tout contacts - ne serait-ce que moraux - avec les élèves. Contre, l’avis de tous, Monsieur Lazhar, aidera ces enfants ébranlés par la mort qu’il a lui même – on s’en rendra compte - récemment côtoyée.

Le formidable Fellag (écrivain, acteur et humoriste algérien) tient fermement le rôle du bout des doigts et incarne son personnage à fleur de peau avec beaucoup d’humanité. Le film tient surtout par se personnage attachant comme il en est peu. Et déplace ainsi le sujet du deuil enfantin vers une ode à la profession d’enseignant. Et c’est là, au milieu de pas mal de défauts, que se situe la force du film. Le réalisateur ne montre jamais les intentions de Lazhar. Seuls ses actes, et ses paroles nous attachent à cet homme charismatique. Il jouera le rôle de passeur entre le monde froid des adultes, faussement désincarné et procédurier, et celui, des enfants, incapables de mettre une quelconque distance face à de tels évènements.

Le film est simplement mis en scène, rien de tapageur. Parfois la technique s’efface complètement pour laisser place aux personnages. Hélas pas toujours les bons, c’est le principal problème du film. Lorsque celui-ci s’attarde sur des personnages ou des situations inintéressantes le film délaisse sa force pour se reposer sur l’évidence de son propos. La scène d’intimité entre Bachir Lazhar et sa collègue est peut-être le seul moment drôle du long métrage mais c’est aussi le moins utile. Le réalisateur rajoute un personnage dans une équation à plusieurs données. Il essaie d’assiéger le spectateur par tous les côtés alors que celui-ci est déjà en prise avec des personnages bien plus captivants.

En filigrane, le film ajoute une réflexion sur le mélange des cultures à travers l’arrivée de cet algérien dans une communauté québécoise régie par des femmes. Ni trop envahissante, ni trop absente, cette dimension sociale prend toute sa logique en fin de métrage et amène quelques rares touches d’humour.
Le résultat final ressemble autant une fable sociale qu’à un récit réaliste. Les différentes visions du même sujet paraissent fort intéressantes mais le film se perd un peu quand il ne sait plus s’il est une œuvre éducative pour adolescents ou un film social pour adultes avertis. A force de vouloir trop étreindre, le film s’étouffe un peu et délaisse sa dimension sociale pour gagner en émotion. Il perd de sa tête pour gagner du cœur. Cela dépendra des attentes que chacun a face au cinéma ?

Mais le film mettra tout le monde d’accord lorsqu’il s’attèle au magnifique traitement de son personnage principal et des deux jeunes enfants brusqués par la mort. Une relation s’installe entre eux trois et toujours sous jacente, elle amènera les protagonistes à avancer dans leurs luttes face à la mort et à la douleur qu’elle laisse derrière elle, comme un sillon de fumée noire.

Avec un final touchant de justesse et de simplicité, le film se clôture – sans jamais donner de leçon - par une scène empreinte de lyrisme et de réalisme. Ce Au revoir les enfants Quebeco-algérien, ne jouit pas de la force du film de Louis Malle et pour cause, ses ambitions sont très différentes mais tout à fait réussies.

Date de sortie en France : 05/09/2012

Un film de Philippe Falardeau avec Mohamed Fallag, Sophie Nélisse, Emilien Néron (Canada, 1h34, 2011)

Lucien Halflants

Oslo, 31 août ****

2012-03-10T12:04:00.001+01:00

Un film de Joachim Trier

Dès la première scène d'Oslo, 31 août (Oslo, 31 August), nous faisons connaissance avec Anders (Anders Danielsen Lie), il est assis au bord d'un lit. Le jour se lève, c'est la fin de l'été. Il regarde une jeune femme se réveiller dans des draps fatigués, contemplant en quelque sorte un passé qui ne lui appartient déjà plus. Dans la deuxième scène, il marche seul dans la nature, traverse un champ, pénètre une forêt. Le point de vue de la caméra est multiple mais toujours unique, il n'y a qu'un regard sur lui mais disposé à chaque fois de manière différente. C'est déjà toute la beauté de la mise en scène de Joachim Trier, sous une lumière d'aube merveilleuse, elle cerne le personnage, comme s'il était condamné à vivre selon les attentes, comme s'il était prisonnier en quelque sorte. Quand il s'avance au bord d'un précipice puis qu'il descend vers la rivière et remplit ses poches de pierre, entre dans l'eau froide, s'accroupit et soulève une énorme pierre du fond puis s'y enfonce dans la volonté de se noyer, on comprend qu'Anders est un homme condamné.

Sa tentative de suicide échoue... il refait surface. A partir de ce moment-là et c'est aussi toute l'intelligence du film, on partage un secret avec le personnage. On sait qu'il a voulu se tuer ce matin du 31 août. Cet avantage sur les autres personnages du film qu'il va croiser dans la temporalité du film réduite à une journée nous donnera toujours une longueur d'avance, mais nous permettra surtout de comprendre et deviner ses mouvements, ses actions et fera flotter sur nous comme sur lui une douloureuse mélancolie. Anders est en souffrance. On comprend dans la troisième scène qu'il est en cure de désintoxication et clean depuis dix mois. La drogue comme expression boulimique de la souffrance. Dans cette réunion matinale avec un psy, Anders ne confie rien de sa tentative de suicide matinale. Il n'échange qu'à propos de son entretien d'embauche pour lequel il doit se rendre en ville. L'occasion pour lui de rendre visite à ses proches et de faire le bilan de sa vie.

La première étape de ce périple métaphysique lui fait rencontrer son meilleur ami Thomas (Hans Olav Brenner). Une petite fille lui ouvre la porte. Thomas a l'air surpris de le voir. Son épouse a un enfant dans les bras. Depuis le palier, on comprend que Thomas a cette image d'homme qui a réussi. Il renvoie à Anders l'échec d'une vie consacrée à la destruction quasi narcissique de soi. Le temps de la gêne rythmé par des rires forcés fait place au dialogue. Anders s'assied à leur table. On découvre qu'il a en lui un sourire magnifique dont il gratifie ses hôtes. Les banalités s'échangent autour de la table. On apprend que Thomas lui aussi a pris des drogues mais qu'il s'en est sorti, c'est lui-même qui le dit avec peu de délicatesse. C'est le premier de la journée à renvoyer à Anders cette image de toxicomane qui lui est attachée. Les deux hommes se retrouvent ensuite seuls dans la ville, se promenant dans un parc, devisant de leurs vies, les comparant... c'est une des plus belles séquences du film. Anders à coeur ouvert, toujours au bord des larmes, la souffrance comme un sanglot dans la voix. Anders Danielsen Lie joue ce passage à la perfection, c'est d'une telle sincérité. Deux amis qui peuvent tout se dire, critiquer leurs choix de vie. Anders est d'ailleurs assez virulent pour parler de la vie rangée de son ami mais c'est qu'il a au fond de lui cette certitude quasi radicale de ce que peut être l'existence. Quand il parvient à lui confesser son désir de mort, l'amitié bascule... Thomas est pris entre deux forces, celle de sa famille rassurante et confortable et celle tumultueuse de son souvenir avec Anders, il le laisse pourtant partir à son entretien d'embauche sans l'accompagner. C'est une scène magnifique !

Lors de l'entretien, classique champ - contrechamp, un nouveau trait de la personnalité d'Anders se dévoile. C'est un garçon intelligent. Ce n'est pas lui qui le dit, on le devine au terme de l'échange avec le patron du journal. Il offre un point de vue sur le journal, n'hésite pas à critiquer, à interpeller, toujours avec une voix douce et comme absente rappelant qu'il n'est qu'un être en sursis, étouffé par ce monde qui étiquette. Deuxième personne à pousser Anders à se définir comme toxicomane, le rédacteur en chef. C'est en quelque sorte le climax du film. Là, Anders accuse le coup, baisse les bras, abandonne une première fois. Il quitte le bureau et une fois dehors balance son CV dans une poubelle.

La scène suivante est dans un restaurant. Il attend assis seul à une table. Alors qu'il pensait déjeuner avec sa soeur, c'est finalement la petite amie de cette dernière qui arrive. Situation surréaliste, sa soeur n'a pas désiré venir, sans doute lassée de la toxicomanie et des rechutes de son frère pour assumer un tête à tête toujours culpabilisant. C'est l'ultime déception pour lui. Encore une proche qui lui rappelle ce qu'il est. Il réajuste sa veste et quitte les lieux, convaincu qu'il n'a aucune chance d'être un jour défini autrement. Tous le lui rappellent en permanence.

La voix-off d'Anders s'enclenche sur une visite de la ville. Il parle de ses parents, son enfance, il pèse le pour et le contre, évoque des pistes de fuite. Entre deux réflexions introspectives, il essaie de joindre la seule petite amie qu'il a aimé, il tombe à chaque fois sur son répondeur. Encore une qui ne peut l'aider, les abandons sont successifs, le rapprochant chaque fois un peu plus de la mort. Assis à la terrasse d'un café, il s'abandonne à écouter les conversations. Car s'il a le sentiment de vivre dans une prison réelle, Anders a acquis un sens de l'observation, comme tous les gens enfermés, il concentre son attention avec plus de fermeté que les autres. La mise en scène de cette séquence est splendide. Je n'ai pas le souvenir d'avoir déjà vu cela. Comme ça imperceptiblement Joachim Trier nous promène dans le café d'une conversation à l'autre, avec légèreté, la caméra devient l'ouïe d'Anders... se mêler à la vie sans en faire partie comme s'il était déjà un ange parmi les hommes.

Tout au long du film, nous avons cette sensation de penser comme Anders, d'être en lui, de porter un poids de son mal-être, parce qu'il a comme tous les dépressifs une nature exacerbée, une conscience affinée du monde et de ce qui l'entoure, une forme de lucidité extra-sensorielle. Après une sieste dans un parc d'où il se réveille groggy... il s'enfonce dans la nuit norvégienne. C'est dans une soirée qu'il échoue, celle où l'avait invité Thomas plus tôt dans la journée. Il connaît visiblement la maîtresse des lieux et échange des banalités avec des convives, un autre cherche encore une fois à l'humilier. Il commence à boire, à se saouler alors qu'il était à jeun, la destruction redémarre lentement. Il flashe sur une fille, embrasse l'hôte sur la terrasse et quitte les lieux imbibé. Anders retourne alors chez son dealer et achète un gramme d'héroïne. Son choix est fait, tout ce qui a précédé l'a conforté dans cette décision d'en finir. Mais pourtant il ne se fixe pas directement, il range le paquet dans la poche de sa veste et rejoint des gens de la soirée dans une after, embrasse quelques nanas sous les stroboscopes, enroule la petite sur qui il avait flashé, s'enfonce encore et encore.

Une scène hors du temps... Anders assis sur le porte bagage d'un vélo conduit par la fille qu'on voit ici de dos, devant eux un autre couple. L'homme déclenche par intermittence un extincteur, lâchant dans la nuit des nuages de fumée qui magnifient l'image, c'est d'une beauté renversante parce que tout le film l'est évidemment. Au petit matin du deuxième jour, Anders et ses trois compagnons de beuverie se retrouvent au bord d'une piscine municipale déserte, tous s'y baignent sauf lui. Il les regarde avec une tendresse infinie... ses yeux comme au bord du monde. Le suspense distillé tout au long du film va prendre fin... Anders quitte ces trois ombres et rejoint les collines de la ville, pénètre dans la maison familiale désertée elle aussi, ses parents ultimes absents de ce combat quotidien... Anders frôle des doigts un piano... et se met à jouer. C'est splendide... la musique classique après une nuit blanche exhalant toute la peine d'Anders. Il s'arrête en plein milieu d'un morceau, va se remplir un verre d'eau, puis un deuxième, pénètre sa chambre et accomplit son rituel sous le regard craintif de la caméra qui avance à reculons, témoin discret d'un drame annoncé.

Adapté du roman Le Feu Follet de Pierre Drieu La Rochelle, Oslo, 31 août est vous l'avez compris un film qui m'a bouleversé, non pas par sa thématique sur la solitude et sur la toxicomanie mais bien par sa forme, son témoignage sans jugement du choix d'Anders. La caméra l'accompagne sans jamais le condamner. C'est une oeuvre existentialiste, un film merveilleux de simplicité mais découpant le temporalité en autant de séquences qui définissent progressivement la finalité de ses actes, parce que rien n'est figé au départ et c'est cela aussi qui permet de ranger le film dans le genre du drame mais aussi dans celui du suspense. Il y a de par le ton, une forte influence de la nouvelle vague mais aussi une spécificité toute singulière que je ne pourrais vraiment définir mais qui fait d'Oslo, 31 août le plus beau film de ce début d'année. C'est un film qui m'est allé droit au coeur.

Un film de Joachim Trier avec Anders Danielsen Lie, Hans Olav Brenner, Ingrid Olava (Norvège, 1h36, 2011)

Cyrille Falisse

Hasta la vista **

2012-03-09T16:52:00.001+01:00

Un film de Geoffrey Enthoven

A première vue Hasta la vista pourrait s’imposer à nous comme une prise d’otages émotionnelle, un de ces films qu’il serait inhumain de ne pas adorer. D’abord c’est un projet monté sans aucun nom connu, avec peu de moyens et qui a eu le Saint Graal critique et public en Belgique, l’année dernière. Ensuite, le sujet est fort : le handicap, la maladie, la dépendance. On voit d’ici les accroches : « Poignant et désopilant, une vraie leçon de vie ! », « Un road-movie en fauteuil roulant, incroyable ! » ou encore celui qui aurait le plus plu aux héros du film : « courez le voir ! ». Et nous de faire passer le sujet devant le film, la corde sensible encore ébranlée. Seulement on a envie de l’aimer ce petit film.

Ce qui est d’abord frappant dans le long-métrage de Geoffrey Henthoven, c’est l’évidence de ses images, de ses personnages, à peine apercevons-nous Lars, Philip et Jozef, que l’intimité s’installe. Rarement le plaisir ne se laisse distraire par les faiblesses du scénario ou certaines facilités dans les dialogues. Pourtant le film nous donne certaines occasions de pester contre les situations attendues et les pertes de rythme souvent pénibles. Hasta la vista a cependant assez de ressources pour que l’on reste les yeux rivés sur les trois amis et leur accompagnatrice, la surprenante Claude.

Lars, Philip et Jozef, respectivement cancéreux, tétraplégique et aveugle, partagent une inconditionnelle amitié, l’amour du vin et une virginité pesante. L’existence d’un bordel pour les « gens comme eux » en Espagne fait germer dans la tête de Philip, grande gueule et obsédé, l’idée d’une virée à trois sur la route des vins avec une escale prolongée chez les espagnoles. Malheureusement, l’état de santé préoccupant de Lars force ses parents à annuler le voyage. Leur obstination les fera prendre la route sans permission, avec Claude, chauffeuse bourrue pleine de surprises.

Une des bonnes idées de Hentoven et son scénariste, Pierre De Clercq, est d’avoir voulu faire un film de potes qui évoque le handicap sans que ce dernier n'en soit la base : il les filmera comme des valides. La perspective d’un triple dépucelage, triste accroche marketing, ne pourrait en aucun cas résumer le film et cela devient vite une évidence, la finalité, on s’en fout, seul compte le chemin. Car il est tout compte fait assez peu question de sexe. Au-delà de la formalité, de l’officialisation du statut d’homme, il y a le besoin d’oublier la dépendance, de connecter avec autre chose que ses géniteurs ou le personnel médical. D’ailleurs une scène illustrera maladroitement une brève mise en veille des handicaps, seule prise de risque visuelle et symbolique. Ce n’est pas le seul élément qui ne convint pas vraiment avec le recul, les larmes de la projection et le talent des comédiens brouillant momentanément le jugement.

La réalisation tient la route, mais à trop vouloir se faire oublier, les intentions s’effacent devant le sujet. Cela a une incidence directe sur le traitement de fond, l’empathie et l’émotion que suscitent les difficultés des trois amis gagneraient à être étoffées. La première séquence ne fait d’ailleurs pas corps avec le reste : l’opposition des regards d’une jolie joggeuse et de Philip, dégout contre fascination, raconte beaucoup de choses et ce, avec une efficacité désarmante. Une des rares fois où la puissance de l’image, du montage seront utilisés pour servir le propos. En un champ / contrechamp tout est dit. Seulement le gouffre entre les deux points de vue ne fera l’objet d’aucun développement par la suite, voire ne sera même jamais utilisé. D’autant plus rageant de reprocher à un film son manque de cohérence ou de densité alors que Hentoven a réussit à distiller un charme unique et une urgence grisante tout au long du récit.

La question de la dépendance reste la plus aboutie et ce, simplement, par la mise en évidence subtile de détails inconsidérés de ceux qui peuvent marcher et voir. La détresse des parents de Lars complique ce rapport, il leur faudra un effort surhumain pour se résoudre à le laisser libre. Qu’il vive ses derniers jours sans le poids de la tutelle.

Le film ne laissera pas de marque en tant qu’objet de cinéma, mais finalement, établir une connexion si forte entre nous et ses personnages est une prouesse assez rare. Que l’on s’accorde à mettre ça sur le dos du thème ou pas.

Pour ma part, un personnage aura du mal à me quitter. Jozef a déchainé tant d’émotion en moi que j’ai eu besoin de me dire que sa merveilleuse déclaration d’amour, assis sur les marches, n’était pas une scène jouée par un acteur. Plaisir assez inattendu et forcément exceptionnel. Les trois interprétations sont d’ailleurs si justes que Hasta la vista vous accompagnera un bon moment, ce dont beaucoup de films ne peuvent se vanter.

Un film de Goeffrey Henthoven avec Robrecht Vanden Thoren, Gilles de Schrijver, Tom Audenaert (Belgique, 1h53, 2012)

Jérôme Sivien

Projet X **

2012-03-09T07:55:00.000+01:00

Un film de Nima Nouziradeh

Avertissement au lecteur : Cette critique sera rythmée par quelques morceaux musicaux qui introduiront mieux que de longues paroles les idées que je vais essayer de faire passer… (Donc à vos I-Pod ou autre You tube)

Démarrons avec Popular de Nada Surf, hymne à cette recherche de chaque instant quand on est un ado américain au College ou à l’High School de sa région. Le but de chaque élève US : être cool et surtout POPULAIRE !!! Et quand on a la carrure d’un cure-dent et qu’on est blanc comme un cul (Thomas), un embonpoint certain et des lunettes double foyer (J.B.) ou qu’on ressemble à un Christian Clavier en moche avec un pull jacquard (Costa), on n’est pas vraiment au summum de la notoriété au bahut… Or, nos joyeux losers veulent inverser la tendance et sortir d’une façon ou d’une autre de l’anonymat. Comment ? En profitant du départ des parents de Thomas pendant un week-end pour organiser une soirée. Mais pas une simple petite soirée, THE soirée de l’année où ils espèrent paraître hyper cool et surtout concrètement, s’envoyer en l’air.

CHANGEMENT de DISQUE : On passe à Heads Will Roll des Yeah Yeah Yeahs dans sa version A trak remix (un truc qui claque parce que le rythme s’accélère…)

Le marketing viral et les réseaux sociaux de Pasadena fonctionnent à plein et la petite sauterie prend en quelques heures des proportions énormes. Tout qui sait et veut faire la teuf dans ce petit coin d’habitude paisible de Californie débarque dans le jardin de Thomas. Et c’est là que le film prend toute sa puissance. On reçoit une énorme claque dans la tronche tant, une fois la fête commencée, le rythme reste soutenu jusqu’à la fin. L’orgie bat son plein, avec tout ce que nos doux fantasmes sur les parties (au sens anglais du terme) attendent comme clichés : de l’alcool à foison, des filles qui (vu l’alcool à foison) sautent dans la piscine en petite tenue, des mecs qui (vu l’alcool à foison) deviennent inventifs dans les conneries à réaliser et des couples qui (vu l’alcool à foison) investissent des coins reculés de la maison pour des jeux de scrabble endiablées… Ça paraît banal et « déjà vu » quand je vous l’évoque comme ça, et pourtant, le soufflé prend et ne retombe pas pendant quasi une heure.

La faute aux images et surtout à la cadence endiablée du montage. Le réalisateur, Nima Nourizadeh (qui vient du monde de la pub et des clips et dont c’est le premier long métrage) a ainsi, en plus des dizaines de caméras classiques, distribué à des figurants des caméras FLIP, des caméscopes HD et des portables haute résolution. Ce qui donne du coup une impression de réalisme des plans et une alternance très réussie entre les points de vue que le spectateur peut prendre. Autre particularité très intéressante dans la prise de vue, la présence continue d’un 4ème acolyte : Dax, un ado geek et gothique, qui suit les 3 héros à la manière d’un documentaire. On ne l’entraperçoit que 2 fois, mais son rôle est central tant il nous emmène là où notre voyeurisme cherche à être comblé.

Terminons par un Anarchy in the UK (à remplacer par USA) des Sex Pistols non seulement pour le plaisir mais aussi pour dire que malheureusement (et sans trop révéler quoique ce soit) ça part quand même bien bien en sucette à un certain moment et que forcément les voisins finissent par appeler la maréchaussée… Un petit côté too much qui amoindrit quelque peu l’enthousiasme mais qui ne fait pas oublier que les éclats de rire ont été nombreux (notamment l’explication illustrée du « finger banging » par J.B.). Certains personnages sont également truculents : les 2 gamins censés assurer la sécurité sont géniaux, le dealer psychopathe est vraiment surprenant et les filles ne manquent pas d’arguments ancestraux ( notamment la plus que chouquinette Kirby). Le scénario a été créé à partir d’anecdotes réelles de College Fest qui ont dérapé et les producteurs de Very Bad Trip I et II ont expressément choisi des inconnus pour que tout le monde se reconnaisse.

Alors je ne sais pas dans lequel de ces geeks je me suis reconnu, mais Damned, qu’est-ce que j’aurais voulu y être à cette soirée !!! Ce film ne sert concrètement à rien, mais très étrangement, j’ai passé un très chouette moment…

Date de sortie en France et en Belgique : 14/03/2012

Un film de Nima Nouziradeh avec Thomas Mann II, Olivier Cooper, Jonathan Daniel Brown (Etats-Unis, 1h27, 2012)

Alexandre Janvier

My Week With Marilyn ***

2012-03-08T15:42:00.000+01:00

Un film de Simon Curtis

Une fois n’est pas coutume, c’est d’une expérience personnelle dont je vais vous parler. C’est après une longue nuit d’insomnie que je me décide à aller voir My week with Marilyn, dès la première séance, en prenant, au pire, le risque de somnoler pendant la projection. Après une dure bataille contre les rayons du soleil que filtrait la chape de nuage embrumant mon cerveau, telle ne fut pas ma surprise de découvrir un film convenu mais réussi.

En 1956, Marilyn Monroe (Michelle Williams) rejoint l’Angleterre et son ambassadeur de charme Laurence Olivier (parfait Kenneth Branagh) pour y tourner un film : Le prince et la danseuse. Elle est alors accompagnée de son nouveau mari Arthur Miller. De son côté le jeune et ambitieux Colin Clark (peu connu et étonnant Eddie Redmayne) fait ses premiers pas comme troisième assistant dans le monde du cinéma. Il y rencontrera Marilyn Monroe, elle l’aimera, lui aussi, cela durera… une semaine, qu’il n’oubliera jamais et couchera quarante ans plus tard ses mémoires sur papier. My Week With Marilyn raconte cette semaine avec pudeur, tendresse et intimité.

Comment ne pas tomber sous le charme de toutes les femmes qui peuplent ce monde réel et fantasmé qu’est celui du cinéma ? Pendant cette semaine avec Marilyn, Simon Curtis nous fait passer de bras en bras, de corps en corps, de regards en regards et de sourires. Quels sourires. Celui de Marilyn bien sûr, comme celui de son interprète la sublissime Michelle Williams, celui de la magnifique Emma Watson (une des rares actrices convenables révélées par Harry Potter) ou encore celui de la grande Judi Dench.

En plus d’être magnifique, - et à l’image de l’héroïne – Michelle Williams donne à voir une facette de son jeu alors inconnue. Les tourments de l’actrice perdue entre plusieurs réalités, l’une artistique, la deuxième publique et la troisième personnelle. Si Monroe poussait jusqu’à la schizophrénie les incarnations de ses différents personnages, Williams, les joue avec finesse et n’a pas à rougir de la comparaison avec la star disparue. De l’actrice qui – contre l’avis du monde entier – ne croyait pas en ses talents de comédienne, à la star qui y croyait peut être trop, en passant par la jeune femme meurtrie perdue depuis toujours dans une vie nomade au sens premier du terme qui la poussait à croquer les hommes comme on croquerait une pomme. Tout y est. Jusque dans les moindres mouvements de cils, Michelle exulte la profondeur, la légèreté et la grâce de Marilyn, sans pour autant tomber dans le mimétisme forcené trop souvent associé au biopic en vogue aujourd’hui.

Mais avant d’être un biopic tantôt pataud, tantôt rigoureux, le film est une histoire d’amour tremblante et impossible. Celle d’un jeune « rien » du cinéma et de la plus grande star que le 7ème art ait connu. Le film est baigné d’un romantisme Shakespearien flirtant entre les plateaux de Sir Laurence Olivier (tiens donc) et la villa qu’occupait Monroe. Les quelques scènes en intimité avec les deux protagonistes sont gorgées de désirs sexuels inassouvis, comme celles sur les plateaux, d’un comique inavoué. C’est surtout dans les instants d’intimité vénéneuse, que le charme du film comme de l’actrice opèrent et déversent sur nous un sentiment magnifique de beauté et de tristesse, d’amour et de désespoir.

On regrettera cependant un réalisateur un peu plus conséquent à la barre. La forme sans être dérangeante est très conventionnelle. Les plans les plus intéressants sont tout droit venus du Casino de Martin Scorsese. Dans lequel le cinéaste américano-italien mettait en avant la gloire éphémère et aveuglante de son héros en filmant - en très gros plans - l’explosion des flashs photographiques. On pourra aussi reprocher à la musique d’Alexandre « the man who's everywhere » Desplat d’appuyer un peu trop le lyrisme déjà présent dans certaines scènes d’une telle love story. Mais n’est-ce pas un parti pris artistique que de reprendre les violons de l’époque ? Elle reste tout de même relativement discrète dans les scènes moins passionnées.

Certains l’auraient aimée plus chaude, d’autres gentlemen's l’auraient préférée plus blonde encore. Moi, je l’attendais plus psychologique, plus désaxée. Cette semaine avec Marilyn ne mérite peut-être pas sept ans de réflexion mais il reste le souvenir de toutes ces magnifiques actrices et 1h45 d’un amour splendide et touchant. Un petit coup de projecteur sur une femme qui était, est et restera un mystère absolu. Un court moment passé avec une déesse figée dans l’émeraude de l’éternité.

Date de sortie en France : 04/04/2012

Un film de Simon Curtis avec Michelle Williams, Eddie Redmayne, Kenneth Branagh (Etats-Unis, 1h42, 2012)

Lucien Halflants

Comme un Chef

2012-03-08T09:41:00.000+01:00

Un film de Daniel Cohen

Un duo improbable. C’est le point de départ de cette comédie française. En effet, Michaël Youn et Jean Reno se donnent la réplique dans Comme un Chef. Le premier joue Jacky Bonnot, un jeune virtuose de la gastronomie contraint d’accepter et d’enchainer les petits boulots dans des petits restaurants où l’on ne sert que les petits plats. (Eh oui, c’est la crise pour tout le monde). Le second joue Alexandre Lagarde, un grand chef étoilé de situation aisée (ah non, la crise c’est pas pour tout le monde) qui refuse de se soustraire à la « nouvelle cuisine » (moléculaire). Dès lors, sa qualité de vie va être mise à mal par des financiers quelque peu exigeants (la crise c’est bien pour tout le monde, autant pour moi, mais c’est qu’il y aurait moyen de s’y perdre). Par un concours de circonstance quelconque, ils vont associer leurs talents (de cuisiniers, pas d’acteurs) pour une ultime bataille contre la vie trop dure.

Daniel Cohen - ex acteur de son état - réalise ce menu et nous sert un duo d’acteur comme unique collation. Mais un tas de bidoche pour seul ingrédient n’émoustille pas les papilles. Le film manque cruellement d’inspiration et calle dès les premières minutes qui suivent la rencontre des deux hommes. En grattant la croute de ce pâté, on pourrait y voir une comédie générationnelle dans laquelle le jeune plein de vigueur apporte aux vieux aigri, la force et l’inventivité qui manquait à sa passion. Dommage que Cohen n’ait pas eu l’intelligence d’amener du neuf dans cette recette mille fois adaptée et reste donc comme le personnage de Reno sans souffle exaltant. Le film nous laisse dès lors sur notre faim et même plus affamés encore qu’à l’entrée.

En plus de la vigueur, Jacky apportera à son mentor esseulé, les clefs qui permettront au grand chef de reprendre gout à la vie et confiance en ses capacités culinaires. C’est bien sûr de l’amour que nous parlent les auteurs, l’amour de son travail mais aussi et surtout de sa famille et de ses proches. Car oui, c’est l’amour et l’entraide qui paye dans ces moments là !

Le film, il n’est pas inutile de le rappeler, est bel et bien une comédie qui ne fait (sait ?) ni rire, ni sourire. Le scénario se laisse manger par l’une ou l’autre réplique pouvant esquisser un vague mouvement de lèvres sur les plus jeunes d’entre nous. Les gags, eux, ont dû être sucrés au montage, en tout cas ils ne nous sont pas servis. Et quand bien même ils le seraient, nous ne mangeons pas de ce pain là, n’est-ce pas ?

C’est donc d’un fast-food self service dont on doit se contenter ou, au mieux, d’un mauvais De Funès vaguement réchauffé. Côté mise en scène le manque d’étoiles se fait sentir. Si Les deux mondes, le précédent film du réalisateur, se perdait un peu dans le cheap des décors, on pouvait tout de même compter sur l’une ou l’autre illustration plutôt rigolote des passages d’un monde à l’autre, ici, rien ne rattrape l’insipidité de la réalisation.

A l’époque du four à micro-onde, les grands mets ne sont guère rois.
Que dire de plus sur ce navet à peine cuisiné. Sur cette daube même pas saucée. Pas grand chose si ce n’est un conseil : rester chez vous, il existe des émissions culinaires bien plus drôles et savoureuses.

Un film de Daniel Cohen avec Michaël Youn, Jean Reno, Raphaëlle Agoqué (France, 1h25, 2012)

Lucien Halflants

John Carter *

2012-03-07T19:39:00.000+01:00

Un film d'Andrew Stanton

John Carter directement issu de l’imaginaire fou du romancier Edgar Rice Burroughs (Tarzan) est enfin adapté au cinéma après 80 longues années de tergiversation. Beaucoup de grands réalisateurs ont tenté en vain de se frotter au mythe qui inspira par le passé de nombreux univers au nombre desquels notamment Star Wars et Avatar, rien que ça… Mais l’univers de Science-Fantasy aussi riche soit-il ne garantit nullement la qualité d’une adaptation cinématographique. Le pauvre Andrew Stanton (Le Monde de Némo, Wall-E), qui après Brad Bird (autre transfuge de Pixar) délaisse l’animation pour s’abandonner à la direction d’acteurs, a été victime du sursaut d’ambition des studios Disney (budget colossal de 250 millions $. Le scénario qu’on lui a mis entre les mains est d’une vacuité narrative abyssale et en extirper autre chose qu’une tempête de sable eut été surnaturel.

Nous sommes au XIXe Siècle dans les déserts hostiles des USA, John Carter (Taylor Kitsch) soldat confédéré déserteur a préféré l’or à la guerre. Dans cette quête symbolisant le rêve de réussite américain, John Carter cherche à oublier sa femme et son fils mort dans un incendie accidentel et c’est alors qu’il découvre enfin le Graal (à savoir l'or qui le rendra riche) qu’il tombe nez à nez avec un extra-terrestre à l’apparence humaine, sorte de prêtre mystique tout droit sorti de Matrix, en moins de temps qu’il n’en faut pour respirer, Carter se retrouve sur Mars (Barsoom en langage local), fait des bonds de bottes de sept lieues en raison de la gravité différente et découvre des êtres entre les tortues ninja et le phacochère du Roi Lion, les Tharks.

Les Tharks verts comme de bons martiens, perchés sur des échasses et doublement membrés ont des comportements barbares, ils organisent par exemple des mises à mort dans des arènes où de gros singes blancs dévorent leurs prisonniers. John Carter tel Tom Cruise dans Le Dernier Samouraï va évangéliser ces rustres et les mener au combat final contre les méchants rouges d'apparence humaines qui veulent dominer Mars (les rouges étant opposés aux gentils bleus, seuls leurs tenues les distinguent). (L'originalité du scénario, du livre en fait, c'est que les rouges (métaphore d'humains écervelés) sont en fait manipulés par des semi-dieux qui attende que la planète Mars ne meurt à cause d'une exploitation tous azimuts... pointe donc ici l'esprit écologiste de Rice Burroughs). John Carter troquant son look de chercheur d’or pour celui de Prince de Perse, cheveux longs et muscles saillants (les confédérés faisaient de la gonflette ?), va évidemment tomber amoureux d'une princesse, l’imposante Dejah Thoris (Lynn Collins) dont l’allure ressemble davantage à Xena la guerrière qu’à la princesse Leia. John Carter incarnation de l'américain va-t-en guerre prêt à s'engager dans des conflits qui ne le regardent pas. Je vous épargne la suite, succession infinie de séquences bavardes où les deux héros devisent sur le monde, la guerre et l’amour au terme d’échanges aussi stériles qu’imbéciles.

Parce que finalement la démonstration visuelle, la richesse créatrice foisonnante, la construction du mythe à l’écran s’évanouissent aussi rapidement qu’ils sont apparus, faisant place à ce scénario poussif et à ces acteurs insipides aussi peu convaincants dans leur déclamation que dans leur placement face au fond vert. Taylor Kitsch regarde par exemple une bestiole le dépassant de deux mètres mais son regard se perd dans le néant, on comprend qu’il regarde tout autre chose dans le studio, une poire ou une pomme par exemple. On ne peut évidemment nier qu’il y a un effort de crédibilité mais on est tellement loin de la puissance des autres sagas du genre, de leur force d’évocation. Il y a en plus cette petite morale pénible derrière le propos du film. Carter dit à son neveu ‘bats-toi pour une cause, écris un livre, tombe amoureux’… fais, bats-toi, agis… deviens un guerrier mon fils. C’est toujours la même salade volontariste qu’on nous rabâche à l’écran.

Malheureusement pour lui, John Carter est arrivé après les autres, même s’ils se sont inspirés de son univers, l'absent a eu tort d'attendre si longtemps dans les greniers des Studios. On a dès lors cette impression de terrain familier qui perle dans tous les plans, surtout dans les récents westerns de science-fiction du style Cowboy et Envahisseurs. Les acteurs ne sont qui plus est pas du tout convaincants, mais avec de tels dialogues entre les lèvres accompagnés de cette sirupeuse musique on aurait tous eu l’air à côté de la plaque. On leur pardonnera donc. On nous promettait de découvrir un nouveau monde, ça a pourtant un furieux air de déjà vu.

Un film d'Andrew Stanton avec Taylor Kitsch, Lynn Collins, Samantha Morton (Etats-Unis, 2h20, 2012)

Cyrille Falisse

Portrait de personnage : Humbert Humbert dans Lolita

2012-03-07T10:08:00.001+01:00

Cinquante ans après sa sortie, Lolita garde son pouvoir sulfureux. Caractère scandaleux que suscite moins, je dois honteusement l’avouer, la lecture du roman d’origine de Nabokov. Magnifiquement écrit mais plus explicite, il ne laisse planer aucun doute sur l’orientation pédophilique du héros : « J’entretenais au grand jour ce qu’on appelle des rapports normaux avec un certain nombre de femmes terrestres ayant des citrouilles ou des poires en guise de seins ; secrètement, j’étais consumé par la fournaise infernale d’une concupiscence restreinte à l’égard des nymphettes qui passaient mais, poltron respectueux des lois, je ne me permettais jamais de les approcher ».

En 1962, il était inconvenant, et par ailleurs interdit, d’exposer à l’écran des penchants sexuels déviants. Impossible donc de mettre en image les pensées et actes lubriques et pervers du Professeur Humbert Humbert (James Mason) « veuf névrosé d’âge mûr et de fortune modeste, mais indépendante ».

Pour éviter de nous dépeindre un personnage distinctement pédophile et pour contourner la censure, Kubrick utilise quelques artifices. Sa Lolita, incarnée par Sue Lyon, a 14 ans et non 12 comme dans le roman. Elle a des caractéristiques physiques féminines déjà bien affirmées (en bref, elle a des seins !), ce que Humbert Humbert, dans le texte de Nabokov, exècre. On a également raconté que Kubrick songeait à conclure sa bobine par un mariage heureux, célébrant ainsi un amour pur et tendre entre un vieux beau et une jeune et jolie jeune femme…

L’ambiguïté du comportement sexuel de Humbert Humbert qu’on nous expose va au-delà de ces quelques ruses. On doit au talent du jeune Kubrick d’avoir monté un film dans lequel il fait de son héros non pas un personnage pervers et infect mais une personne sensible, sadique certes, mais drôle et capable d’introspection. L’humour est le fil conducteur de Lolita et accentue le doute chez le spectateur. Rappelons le personnage de Charlotte Haze, la mère de Lolita, que Shelley Winters, cabotine, excessive et pathétique, interprète génialement. La fameuse scène de danse entre la veuve lubrique et le professeur concupiscent est un numéro réjouissant de music-hall… Même la tension dramatique de la mort de Charlotte, sous les roues d’une voiture, est désamorcée par une scène de bain drolatique…

Le summum de l’ambivalence et du doute construits par le réalisateur est représenté par la première nuit que Humbert et Lolita passent ensemble à l’hôtel. Alors que la belle dort langoureusement dans son grand lit, son admirateur s’approche, tente une caresse puis se ravise et se retrouve à démonter un lit pliant dans une scène longue, jubilatoire et tendre que Laurel et Hardy n’auraient pas reniée…

Le scénario nous ménage donc des moments d’humour que James Mason amplifie sournoisement d’une culpabilité humaine (peu présente chez Nabokov), s’assurant l’adhésion du spectateur. Kubrick et Mason, petits filous, utilisent la technique de la triangulation, consolidant la connivence entre Humbert et le spectateur, face à Clare Quilty (Peter Sellers), esthète libertin inhumain ouvertement amateur de chair juvénile et prépubère. Son exécution, à l’issue d’un procès dont nous sommes le procureur et le bourreau, rétablit dans son honneur notre Humbert, finalement pas si exécrable que ça…

Lolita est un exemple supplémentaire du pouvoir suggestif du cinématographe. Quand un génie comme Kubrick investit cette tâche, cela donne un film fascinant, drôle et dérangeant.

Un film de Stanley Kubrick avec James Mason, Sue Lyon, Peter Sellers (Etats-Unis, 2h33, 1962)

Pierre Oswald

Cloclo ***

2012-03-06T14:53:00.001+01:00

Un film de Florent Emilio Siri

Cloclo, le biopic de Florent Emilio Siri est une réussite indéniable. D'abord parce qu'il nous emmène sur les talons de Claude François à un rythme endiablé, la mise en scène ne souffrant d'aucun temps mort. Rythme d'ailleurs justifié par le réalisateur et le scénariste Julien Rappeneau dans leur volonté de coller à l'énergie déplacée par le chanteur tout au long de sa vie. Ensuite et surtout parce qu'on assiste à une interprétation hallucinante de Jérémie Renier qui grandit sous nos yeux à l'instar de la star avec son public jusqu'au point de devenir, saisissant de ressemblance, inouïe figure des midinettes, ce Cloclo dont on ne savait finalement pas grand-chose. Le film d'ailleurs ne lève que peu d'ombres sur sa personnalité, restant centré sur la carrière contrôlée maladivement par l'artiste, préférant exprimer l'homme à travers ses chansons qu'au détour de fêlures sans doute impossible à illustrer.

Les premières minutes de Cloclo ne laissent rien augurer de bon. Photographie vieillie, interprétations bancales pour illustrer la petite enfance en Egypte de la famille auxquelles s'ajoute la célèbre thématique de la reconnaissance paternelle qui est à l'origine de tant de carrières artistiques. C'est dans les cinq premières minutes du film qu'on comprend d'où viennent le sens du rythme de Claude et son insatiable besoin d'amour. Le petit Claude voulait séduire son papa Aimé décédé alors qu'il n'avait qu'une vingtaine d'années, un père autoritaire et exigeant qui a terminé sa vie misérablement après avoir été bouté hors d'Egypte lors de la nationalisation du Canal de Suez. Son exigence maladive Claude François la tire de cette image paternelle tutélaire que Florent Emilio Siri illustrera d'ailleurs plus tardivement lors d'une scène fantasmée assez réussie où les panneaux du présent rejoignent ceux du passé et où le père décochera ce sourire posthume dont il n'avait jamais gratifié son fils vivant.

La famille est au centre du film, tournant autour de Claude François comme une constellation de paillettes. Ce sont ses piliers, la mère et la soeur Jo, mais surtout les femmes de sa vie, Janet l'anglaise qu'il épouse à 22 ans, France Gall dont le public ignore la relation pour ne pas briser le mythe du sex-symbole, Isabelle la mère des ses deux enfants Claude et Marc. Le chanteur toujours soucieux de ne pas briser le mythe de sex symbole taira d'ailleurs l'existence de ce dernier pendant quelques années. Le scénario du film s'attache à représenter la jalousie de Claude François, son narcissisme, sa frénésie de rencontres passagères facilitées évidemment par le succès. A la différence de nombreux biopics sur des chanteurs, ici pas de défonce, pas de drogue ou d'alcool, juste un magma de tocs, une obsession grandissante, un contrôle absolu de tout et de tous.

On imagine évidemment que les fils de Claude François qui gèrent l'image de leur père n'ont pas dû voir d'un bon oeil la volonté de révéler certains détails compromettants mais la pertinence du film en dépendait alors tout ce qui est dévoilé reste très soft, le mythe n'est nullement égratigné et là où certains verront de l'autoritarisme, les fans y trouveront un sens de la perfection, la contradiction du personnage toujours arrondie. Ce qui est saisissant c'est de voir, implacablement rendu à l'écran, comment Claude François a construit seul son mythe. S'inspirant de Sinatra et d'Otis Redding (c'est d'ailleurs la version de comme d'habitude de Sinatra 'My Way' qui colle la chair de poule prouvant que Claude François n'a jamais vraiment rattrapé son idole qui s'était pourtant approprié sa chanson), s'entourant de femmes sublimes, cherchant constamment à ne pas devenir ringard, démarrant dans l'ombre de Johnny, voyant Bécaud lui piquer sa première épouse, mais rebondissant à chaque fois, allant jusqu'à mettre sa propre mère à la porte de chez lui parce qu'elle accumulait des dettes de jeux, sacrifiant tout à son rêve de gloire. C'est aux portes des Etats-Unis qu'il s'éteindra, poussant la maniaquerie jusqu'à replacer une lampe pas assez droite alors qu'il avait encore les pieds dans la baignoire mouillée. La mise en scène illustrant la fin du mythe par un flash violent s'achevant dans un écran blanc cristallin.

Pour incarner ce businessman (patron d'un magazine vantant sa carrière, photographe de charme, patron d'une agence de mannequin, propriétaire de sa propre maison de disque), Jérémie Renier a fait un travail titanesque. C'est ce qu'on présume parce qu'il parle, bouge et chante comme Claude François. Le mimétisme physique est proche de la perfection et l'énergie dépensée herculéenne. Qu'on lui donne déjà son César ! Egalement énorme dans Possessions, Jérémie Renier est en train de prendre une dimension internationale, bien au-delà de l'univers des Dardenne, on a l'impression à présent qu'il peut tout jouer. C'est son plaisir d'interprétation qui est communicatif, son sens du rythme aussi dans le phrasé, sa façon d'être toujours dans le bon tempo, frappant ses répliques, les abattant en souriant. Tout simplement parfait.

Formellement Cloclo est un tourbillon. Tourbillon d'images sans tape à l'oeil avec tout de même un background clipesque salutaire. Un montage d'une efficacité prodigieuse qui transforme 2h28 en un mouvement de cil. On voit le grain de l'image évoluer avec les années qui passent, les reconstitutions d'époque sont aussi subtiles que précises, tout s'enchaîne au gré des musiques qui décrivent le monde désenchanté d'un homme courant après l'amour d'un père grand absent de sa réussite. On peut regretter qu'il n'y ait pas de pauses, de moments de doute et d'introspection, de respirations mais cette frénésie est justifiée, elle est à l'unisson du fond. La mise en scène a épousé la vie de Claude François dans tout ce qu'elle avait de plus doré. Seul bémol, ces cinq premières minutes avec leur fond vert grossier et cette curieuse approximation dans la direction d'acteurs, un détail au regard de la densité de l'oeuvre proposée ici et portée avec maestria par Renier, le nouveau prince belge du cinéma français.

Date de sortie en France et en Belgique : 14/03/2012

Un film de Florent Emilio Siri avec Jérémie Renier, Benoît Magimel, Monica Scattini (France, 2h28, 2012)

Cyrille Falisse

Interview vidéo : Tony Gatlif pour Indignados

2012-03-05T22:35:00.000+01:00

A l'occasion de la sortie du film Indignados ce mercredi 7 mars, nous avons eu le plaisir de discuter avec son réalisateur Tony Gatlif (Gadjo Dilo, Exils, Liberté). Il nous explique ce qui a motivé son film quand son sens du combat et la découverte du livre Indignez-vous de Stéphane Hessel ont coïncidé avec la montée partout dans le monde d'une expression de la révolte populaire.

Pitch : Indignados est le témoignage de ce qui se passe aujourd’hui, et nous plonge dans la réalité dense et palpable d’une Europe révoltée. Au cœur de l’actualité, au sein même des mouvements des Indignés, nous découvrons, à travers le regard et le voyage de Betty, jeune clandestine africaine, des hommes et femmes qui se dressent face à un système, pour juste pouvoir vivre.

Si la vidéo n'apparaissait pas directement sur la page, merci de bien vouloir réactualiser cette dernière.

Entretien réalisé le vendredi 2 mars à Paris, vidéo réalisée par l'agence de communication et de production midiaquatorzeheures

Cyrille Falisse

Portrait de personnage : Bertrand Saint-Jean dans l'Exercice de l'Etat

2012-03-05T11:40:00.003+01:00

« Ne pas tournerpour illustrer une thèse, ou pour montrer des hommes et des femmes arrêtés àleur aspect extérieur, mais pour découvrir la matière dont ils sont faits.Atteindre ce « cœur du cœur » qui ne se laisse prendre ni par lapoésie, ni par la philosophie, ni par la dramaturgie ».

Ce propos de Robert Bresson, issu de ses célèbres« Notes sur le cinématographe », s’applique magistralement aupersonnage de Bertrand Saint-Jean (Olivier Gourmet) dans le film de Pierre Schoeller, L'Exercice de l'Etat, dont lepasseur a déjà dit beaucoup de bien.

Ministre des Transports, Saint-Jean est sommé de gérer lespetites et grandes crises liées à son secteur. On le retrouve ainsi en pleinenuit sur les lieux d’un accident de car dans les Ardennes. Il pilote le projetgouvernemental de privatisation des gares, s’y opposant d’abord puis acceptantvaillamment la tâche sur ordre du P.R, à la fois Président de la République etpère autoritaire mais bienveillant.

On ne sait finalement pas grand-chose de ce personnage. Sonpassé n’est pas évoqué. Sa femme (Arly Jover) est belle, conciliante ettransparente. Ses enfants sont grands et ne font plus partie de sa vie. On nefait ici que rencontrer les caractéristiques de Saint-Jean : tout est doitêtre dans le présent et dans l’action. Son passé ne l’intéresse pas, et sonavenir à peine plus… Le seul dialogue qu’il amorce avec sa femme vise à laconvaincre qu’il arrêtera bientôt ce rythme infernal. Personne n’y croit. Seulle présent, ou plutôt son présent, lecaptive.

Saint-Jean déteste le vide, abhorre l’ennui et la solitude.Son téléphone est son véritable compagnon (les SMS apparaissent à l’écran,comme pour en faire de vrais personnages). Sa réplique « J’ai 400 contactset pas un seul ami » n’est qu’un cliché pathétique visant à s’assurer lasympathie du spectateur-électeur. Il recherche l’admiration de tous ceux qu’ilcroise. Cette quête narcissique se heurte à deux personnages. Tout d’abord, sondirecteur de cabinet, Gilles, dont Michel Blanc propose une compositionformidable. L’ambition de Gilles est uniquement intellectuelle. Les autres nel’intéressent pas et sa propre personne non plus… Pas question de servir lasoupe à son ministre de patron. Quel intérêt ?

Exactement comme Martin Kuypers (Sylvain Deblé), chauffeurintérimaire, que Saint-Jean découvre et ne comprend pas. Kuypers sort d’unelongue période de chômage et se retrouve, un peu à contrecœur, dans un mondequi ne lui correspond pas. Comme à son habitude, Saint-Jean tente de rentrer encontact avec lui, tente de le séduire. Mais Kuypers n’en a rien à faire. Lascène-clé du film est cette soirée qu’impose le ministre à son chauffeur et àla femme de ce dernier (franche et magnifique Anne Azoulay), dans la maisonqu’ils essaient vainement de rénover. Usant de sa fonction, Saint-Jean fait sonnuméro de charme, enfile des platitudes comme des perles. On se croirait dansun meeting électoral de conseil général… Le ministre échoue dans son entrepriseet picole pour oublier. Et il faut que le destin touche Kuypers pour queSaint-Jean murmure enfin un éloge sincère.

Les rêves érotiques et les angoisses de notre ministredénotent d’un fonctionnement paradoxal difficilement assumé…

Le film de Schoeller est ainsi le portrait d’untype que l’ambition et le désir d’être aimé annihilent une honnêteté foncière.Magnifiquement écrit et mis en scène, L’exercice de l’Etat nousfait rentrer dans la psyché d’un personnage complexe, touchant et dangereux,dont l’empressement à agir trahit son impossibilitéd’être.

Pierre Oswald

Le passeur critique invité à l'émission Kaboom

2012-03-04T18:59:00.002+01:00

J'ai une nouvelle fois eu la joie de participer à la table ronde critique KABOOM et débattu avec Vincent Quénault et Nicolas Kunc en l'absence exceptionnelle de Frédéric Mercier des dernières sorties ciné.

Au programme de cette émission :

- Cheval de Guerre
- Chronicle
- Extrêmement loin et incroyablement proche
- Bullhead
- Martha Marcy May Marlene
- Les Infidèles
- Albert Nobbs

Je vous souhaite une agréable écoute, vous verrez qu'il n'y a toujours eu consensus et c'est tant mieux. Vincent et Nicolas ont vainement tenté de me convaincre que Cheval de Guerre était un grand film. Autant vous dire qu'ils ont échoué même s'ils ont parfois avancé des arguments pertinents.

Pour écouter l'émission : KABOOM

Possessions *

2012-03-04T10:06:00.002+01:00

Un film d'Eric Guirado

A voir l'affiche de Possessions (seule élément d'information sur le film que j'avais avant de pénétrer dans la salle), je suis intimement persuadé d'assister à la projection d'un film d'horreur. Le visage de Jérémie Renier, tiré, fermé, colérique, main ensanglantée, ne laisse présager d'aucune fin heureuse. En plus la signature renvoie aux dix commandements : Tu ne convoiteras point ! Le doute n'est plus permis. Et c'est cette intuition qui m'a permis de tenir, comme nanti d'une certitude que je voulais confronter à la vérité du film. Parce que des clichés, des dichotomies on m'en a vendus sur la pellicule et il en fallu de l'obstination pour se les prendre en plein visage avec la violence du rabâchage. Eric Guirado (Le fils de l'épicier) a la fâcheuse manie de tenir le spectateur par la main et de lui imposer tout ce qu'il devrait deviner par des gros plans pour être certain qu'il comprend bien le message.

Pour situer le contexte, même sans savoir qu'il s'agit là d'un film librement adapté d'un fait divers qui défraya la chronique en 2003, à savoir l'affaire Flactif, Possessions passe 1h30 à opposer deux familles un peu à l'instar de La vie est un long fleuve tranquille mais sans volonté comique, aucune. D'un côté, il y a les prols, les ploucs, les ronnies, les beaufs. Bruno Caron (Jérémie Renier) le chef de famille, garagiste de son état et amateur de tunning le week-end quand ce n'est pas de jeu vidéo. Il est gros, mal rasé, parle avec un accent de paysan et boit du coca parce qu'il ne supporte pas l'alcool. Son épouse c'est Maryline (Julie Depardieu), les paupières toujours maquillées de turquoise, femme de ménage à ses heures perdues, ambitionnant une vie meilleure derrière son masque frigide. Parce qu'au début du film, le couple quitte le nord de la France pour partir tenter sa chance dans un village de montagne en compagnie de leur petite fille. Ca me rappelle un truc... mais oui c'est le début de Shining ! On est bien dans un film d'horreur. La tension monte.

C'est au volant de leur golf pneus lisses qui s'embourbent dans la neige à l'entrée du village. Patrick Castang, le riche propriétaire qui devrait normalement leur louer un chalet vient leur prêter main forte. C'est le moment de présenter la seconde famille. Patrick le père (Lucien Jean-Baptiste), promoteur immobilier qui a réussi, très classe, avenant et blindé. Son épouse Gladys (Alexandra Lamy), légèrement snob, un peu superficielle et creuse. Enfin leurs deux enfants métisses plantés devant leurs écrans virtuels, gavés de biens matériels, expression faciale constamment boudeuse et déjà lassée d'une vie trop facile.

Pendant 1h30, Guirado nous décline sa théorie. Pour le réalisateur, toujours inspiré par son fait divers, les pauvres envient les riches, les pauvres sont vulgaires, grossiers, ils ne peuvent vivre au contact de ceux qui ont tout qu'en rêvant secrètement de leur prendre. Evidemment cette conception manichéenne des choses dépasse l'entendement. Je me demande évidemment comment ça va finir, donc je tiens... j'accepte la stupidité du propos, sa simplicité, sa facilité. Je me dis que c'est ce genre de film qui fait mal à notre société, qui continue de la diviser en la scindant ainsi sans aucune nuance.

Jérémie Renier et Julie Depardieu sont pourtant parfaits dans leurs rôles. Surtout lui qui crève l'écran quelques jours avant de revêtir la tenue de Claude François. Il a pris 18 kilos pour incarner Bruno Caron. Elle joue juste comme à l'habitude, fragile et forte à la fois comme à son habitude avec ce timbre de voix délicieux. L'autre couple est plus anecdotique, que ce soit au niveau de l'écriture ou du jeu, si je peux me permettre de les associer. L'ensemble pourtant ne fonctionne guère, c'est dépeint à la truelle, avec ce souci quasi constant d'illustration du propos, comme si le réalisateur devait se défendre de cette idée d'opposition. Oh, il pourra bien se réfugier derrière la véracité du fait divers mais par derrière son interprétation, elle lui appartient dans tout ce qu'elle a de plus triste.

Dans le final, une dizaine de minutes où tout s'emballe enfin après avoir défini longuement les arcanes de la convoitise. C'est à cet instant que la fiction rencontre la réalité et que je me souviens en effet de cet épisode morbide qui passionna les médias français. Là, tout à coup, je me sens déprimé. Je ne sais pas si c'est dû au traitement imposé à l'image (la photographie parfois s'autorise des flous artistiques non justifiés qui mettent momentanément à mal le rendu presque télévisuel du film) ou la force peut-être de la mise en scène qui m'a imposé une vérité une et unique à laquelle je ne puis me soustraire. Je repense alors au personnage de l'enfant de ce couple de bidochons en me demandant ce qu'elle a pu devenir...

Le film a cette vertu malsaine de nous balancer à la manière d'un reportage sensationnaliste de TF1 une réalité certes déformée par la mise en scène mais rendue crédible par le sous-titre (inspiré de faits réels). On sait pourtant qu'il n'y a rien de plus manipulateur qu'une réalisation qui tend à prouver un postulat de départ. Que celui-ci soit médiocre et minable dans le texte et les intentions n'enlève rien à l'impression générale qui est, elle, bien plus nuancée que le propos. Je parviens à me dire qu'à force d'avoir été dans l'excès, Eric Guirado est parvenu à provoquer quelque chose en moi qui n'est pas de l'ordre du rejet viscéral, quelque chose qui reste en tête avec obstination comme si son travail de sape quelque part avait fonctionné et que j'étais moi-aussi victime d'une certaine forme de manipulation par le pouvoir des images. Cette impression est évidemment aussi renforcée par la qualité d'interprétation de Depardieu et Renier. Ce dernier à la limite de l'excellence !

Date de sortie en France et en Belgique : 07/03/2012

Un film d'Eric Guirado avec Jérémie Renier, Julie Depardieu, Alexandra Lamy (France, 1h38, 2012)

Cyrille Falisse

La Fureur de vivre *****

2012-03-03T19:31:00.000+01:00

Un film de Nicholas Ray

La Fureur de vivre (Rebel without a cause) est porté par un James Dean, aujourd’hui emblématique d’une époque, de toute une génération de « rebelles sans cause ». Dans ce film, se retrouveront les jeunes gens nés à la fin des années 30, grâce à l’ambiance, la carrosserie des cylindrées, les blue jeans et les cuirs délavés. Mais comme tout chef d’œuvre, La Fureur de vivre fait preuve d’universalité et d’intemporalité. Principalement par son sujet : la perdition de jeunes gens en proie aux doutes qu’inflige le passage à l’âge adulte. Les questions affluent, les réponses manquent. Comment devenir un homme, comment devenir quelqu’un ? Quand les points d’accroche sont glissants voir inexistants.

Ce film de Nicholas Ray fait preuve d’une attention rarement attribuée à la jeunesse dans le cinéma de cette époque. Il s’ouvre sur un personnage interprété par l’éternellement jeune James Dean, ivre sur la voie publique, tiraillé entre une poupée (représentante de sa part d’enfance et de lumière) - qu’il essaie de protéger du monde qui les entoure - et les sirènes de police que l’on entend arriver au loin. L’œuvre ne souffre jamais du « tout montré ». Le fil conducteur ainsi que l’esprit tourmenté des personnages sont représentés en hors champs ou construits directement dans l’esprit du spectateur grâce à une maestria de cadrages, de positions d’acteurs... Bref, grâce au génie du très grand metteur en scène qu’est Nicholas Ray.

Au commissariat, les trois personnages se croisent. Ils se refusent à l’ordre établi. Alors qu'ils ont déjà une psychologie bien construite, ils diffèrent en de nombreux points mais sont d’ores et déjà liés par un mal de vivre, par des relations tumultueuses avec les adultes et les lois restrictives.

Le réalisateur, certainement moins renommé dans le western que ses compères John Ford ou Howard Hawks, reste cependant un grand nom du genre puisqu’il signait deux films plutôt, un chef d’œuvre absolu : Johnny Guitar. On retrouve dans La Fureur de vivre, ce talent pour filmer les duels, ici aux couteaux, parfois moins tranchants que les regards qu’il filme avec autant de dextérité.

Jim Stark (James Dean) n’a qu’un but dans la vie, se différencier le plus possible de son père, soumis par une femme froide et dominatrice. C’est d’ailleurs pour prouver aux autres, mais surtout à lui-même qu’il est un homme, un vrai, un dur, un tatoué, que Jim se livrera aux petits jeux dangereux que lui imposent ses rivaux. Ces copies conformes qui, alors que Jim revêt une veste rouge vif, portent tous le même blouson de cuir noir.

Mais le monde entier, son ignorance et ses questions restées sans réponses, marginalisent notre héros. Lors de son premier jour de classe, il piétinera le blason de l’école par inculture, ne sachant pas, que se trouvait là, l’emblème chérie de l’établissement. Par là même, le film est d’une actualité confondante. Car à l’époque comme aujourd’hui, les jeunes sont laissés dans l’ignorance et c’est à force de les réduire à des gosses, de les laisser sans explications, sans repères, qu’ils s’égarent. Le film critique une société terriblement contemporaine dont l’ignorance dévore peu à peu les petits.

Lors d’une dispute entre Jim et ses parents qui tentent de le persuader de ne pas se rendre à la police suite à un accident qui servira d’élément déclencheur au film. La mise en scène est purement théâtrale. Les acteurs, parfaits, essaient toujours d’avoir le dessus physiquement et moralement l'un sur l’autre. Le réalisateur filme une montée des escaliers marche par marche donnant alors le dessus à la mère sur son fils et son mari. Ce sont ce genre de petites scènes qui construisent la psychologie des personnages et font de La Fureur de vivre une œuvre magistrale.

Le film raconte la difficulté de devenir un adulte à part entière quand nos seules références sont : une mère inhumaine et un père moralement inexistant, une famille très, trop rangée et protectrice, perdue dans un no man’s land sentimental ou tout simplement une famille inexistante à laquelle on ne peut que chercher un substitut.

C’est en Jim que John (Sal Mineo) trouvera ce référent qui lui manque. Le début de romance entre Jim et Judy (Natalie Wood), lui donnera un semblant de famille pour un court instant seulement. Instant qui s’écroulera - ainsi que tous les idéaux de jeunesse des protagonistes - dans une scène bouleversante de lyrisme où la veste refusée plutôt dans le long métrage servira de linceul à l’innocence enfantine que représente ce personnage.

La Fureur de vivre est une œuvre bouleversante à la fois noire et idéaliste sur l’amour, l’amitié, la fin de l’adolescence et les familles construites ou absentes mais toujours dysfonctionnelles. Nicholas Ray à travers un coup d’œil dans le rétroviseur de sa vie, signe une œuvre mature sur le passage à l’âge adulte et la fin de l’innocence, thématique qui inspire les plus grands.

Une parenthèse sur le casting exceptionnel de jeunes gens morts trop tôt dans des circonstances toujours tragiques. Puisque James Dean, on le sait, mourra quelques années plus tard à l’âge de 24 ans au volant de sa fameuse Porsche. Sal Mineo sera tué par un toxico en manque devant son domicile à l’âge de 37 ans. Quant au dossier Natalie Wood, il fût classé sans suite après un décès par noyade. Aujourd’hui, l’enquête est réouverte. Des cris dans la nuit, un yacht, une bouteille cassée, une éventuelle histoire d’adultère et un corps à la mer sont jusqu’à présent nos seules pistes de vérités.

Un film de Nicholas Ray avec James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo (Etats-Unis, 1h51, 1956)

Lucien Halflants

Le Territoire des Loups *

2012-03-03T09:03:00.003+01:00

Un film de Joe Carnahan

Il y a quelque chose de vertigineux si l’on pense à ce qu’a dû endurer Liam Neeson pour ce film. Se lancer, à 58 ans, dans un tournage qui impose des conditions pareilles, jouer un veuf alors que lui-même a perdu sa femme, deux ans plus tôt. Le film sera forcément baigné d’une atmosphère singulière. Le réalisateur, Joe Carnahan, ne tarde pas à prévenir les amateurs du « survival » brut dès la première séquence, son héros, John Ottway, est terrassé par le deuil et décide de retourner contre lui le fusil censé le protéger, lui et les siens. Il avait d’abord espéré altérer sa peine en se détournant du souvenir de sa femme, ici, dans cette station de forage d’Alaska, concentré à abattre les bêtes sauvages qui rôdent trop près des hommes.

Les derniers instants partagés avec sa compagne le hantent, il ne se pense pas homme à surmonter un tel choc. Alors qu'il a le doigt sur la gâchette, il renonce à la dernière seconde, une bête hurle, il lui reste des choses à régler. Il rentre à la ville pour le week-end avec les autres. Sauf que l’avion s’écrase et seule une poignée d’hommes se réveille avec pour compagnons de jeu, un désert glacé et des loups. Je me crashe, perdu dans le désert, des loups me poursuivent, message reçu.

Chaque film est un mélange de genres. Touiller l’intime, le psychologique, le catastrophique et la survie, rien de bien surprenant. Rajouter onirisme, métaphysique, philo et loups mutants (Croc blanc est un fennec à côté) : quelle ambition ! Devant de telles prétendues performances on est d’abord circonspect puis forcément déçu. On accepte alors tout ce qui nous arrive sans frémir. Le spectacle est faible, incohérent, la caravane passe, le loup soupire. Permettez.

Personnellement, lorsque je cauchemarde le grand froid, mes pieds sont mouillés, je manque de perdre un doigt, le vent me rend fou, la température est une obsession, en un mot, l’enfer. Evidemment, à l’annonce dudit enfer sur toile, je salive de remuer mes orteils par réflexe, de perdre mes repères aux vapeurs de permafrost. Pas cette fois. Carnahan délaisse climat, ne s’intéressant qu’à ses loups. Une métaphore géante donc, les canidés en guise de vieux démons, catalyseurs d’accomplissement personnel et de conscience écolo. Les hommes se dépasseront alors dans le carnage, les loups se vengeront avec superbe. C’est l’intention mais le schéma trop répétitif sabote l’élan, les affrontements sans saveur balayent le propos. Les considérations spirituelles du héros finissent d’achever tout espoir de voir le potentiel du film se diffuser en nous, lentement, sans prévenir, comme on aime.

Et puis il y a les loups, animaux de synthèse étrangement massifs et effrayants, alors se pose la question : serions-nous dans un énième film de monstres qui se voudrait intello ? Un film où la prétention des instigateurs se serait arrêtée là où les préoccupations dues au climat ont commencées. Le courageux script aurait souffert du froid, toute l’énergie aboutissant vers la prouesse physique. Et on pourrait prendre plaisir à cette course perdue d’avance si un minimum d’efforts avait été fourni pour des choses simples, les personnages, les dialogues, l’histoire. Au lieu de ça, l’auteur empile les couches, les genres, chaque approche plus fade que la précédente.

Le film démarre sur une voix off d’Ottway expliquant que dans le trou où il travaille, les hommes sont des renégats à l’instar des personnages d’encounters at the end of the world d’Herzog qui présente une galerie d’inadaptés singuliers, eux aussi venus faire le vide dans le grand froid. Carnahan cite d’ailleurs Herzog pour de vrai lors d’une boutade : Grizzly man est une tapette. Hommage pudique ou démarcation condescendante ? Aveu d’impuissance : les survivants de The grey (titre original du Territoire des loups) pourraient être issus de n’importe quel groupe d’individus : un belliqueux, un peureux, un merdeux, etc. N’importe quelle mèche de cheveux de Timothy Treadwell nous réserverait plus de surprises. Nous n’avons donc qu’un bout de pain sec pour tenir deux heures : John Ottway.

Liam Neeson interprète cet homme avec un charisme indéniable, sincèrement j’aurais suivi chacune de ses directives sans broncher encore eut-il fallu que les situations et les dialogues aient une quelconque crédibilité.

Des flash back téléphonés, un parallèle homme/loup à la fois trop mince et trop appuyé : l’ambition et la vacuité du film se matérialisent presque en didascalies. Qu’a donc voulu faire Joe Carnahan ? Persuadé de la force de son pitch, de sa mise en scène et de sa narration, il s’est senti poussé des ailes ? Au contraire a-t-il voulu sauver un film de commande déprimant ? La belle dernière séquence brouille un peu plus les intentions de l’auteur: Ottway a suivi son instinct : se jeter dans la gueule du loup, littéralement. Il cherchait à fuir la tanière, croyait-il. Mais les souvenirs d’un père incapable d’amour le parasitent. On ne sait plus ce qui le ronge le plus, mais il comprend qu’il est venu faire le ménage dans son passé. La silhouette avalant son fusil, impuissante, laisse place à un condamné finalement maître de son destin. Prêt à affronter le mâle alpha tant redouté, à tuer le père, prêt à vivre et mourir en ce jour.

Un film de Joe Carnahan avec Liam Neeson, Dallas Roberts, Frank Grillo (Etats-Unis, 1h57, 2012)

Jérôme Sivien

Bel Ami **

2012-03-02T10:25:00.000+01:00

Un film de Declan Donnellan et Nick Ormerod

Je n’ai jamais vu Twilight. Et pourtant…

Hormis si on a vécu sans télé ni ordi dans le fin fond de la pampa dans la zone la plus reculée du Sri Lanka ou de Papouasie Nouvelle Guinée, c’est quasiment impossible d’avoir échappé à Robert Pattinson en vampire. Donc même si on n’a pas, comme c’est mon cas, vu les films, l’imagerie du playboy de ses demoiselles, on connaît… Ce qui fait que, en me rendant à la projection de ce Bel Ami dans lequel il tient le rôle principal, je partais avec quelques a priori ou autres préjugés pas forcément favorables. Autre curiosité : voir comment 2 hommes de théâtre, le metteur en scène Declan Donnellan et le designer Nick Ormerod allaient se débrouiller pour cette première expérience au ciné.

Or, le garçon, à ma donc bonne surprise, tient plutôt pas mal la route. Et ce rôle d’ancien soldat qui s’introduit dans le milieu feutré de l’intelligentsia parisienne de la Belle Epoque lui colle assez bien aux basques. Il faut dire que l’ami Robert en serial lover, c’est un peu comme Barcelone qui joue à domicile. L’adversaire voit le ballon tous les quarts d’heure et en général c’est pour aller le rechercher au fond des filets (Mazette ça c’est de la métaphore…). Une des scènes inaugurales annonce ainsi la couleur. Pattinson entre dans une pièce et tour à tour le regard intrigué puis gourmand de 3 femmes se relève. La délicate Kristin Scott Thomas, une Uma Thurman emplie de classe naturelle et Christina Ricci dégoulinante de sensualité en maîtresse amoureuse. Le roman de Maupassant est assez fidèlement rendu et on assiste donc aux multiples péripéties de l’ascension sociale de Georges Duroy, homme de peu de lettres qui gravit ainsi les échelons pas tant pour ses compétences intellectuelles, mais bien par le biais de ses nombreuses cascades avec des dames influentes.

Pour ce qui est du duo de réals, le bilan est par contre un rien plus mitigé. Le film est rythmé, plaisant et même assez joli de par ses costumes et ses décors léchés, mais ce sont vraiment les 3 actrices qui éclaboussent de leur talent un film qui sans cela serait une ode au nouveau fiancé d’Hollywood. Car, en reconnaissant le talent du gamin, je ne peux néanmoins m’empêcher (et là, lui n’est sans doute pas foncièrement responsable…) d’avoir la désagréable impression que les réalisateurs (les producteurs ???) passent leur temps à faire de ce personnage de Bel ami un vampire qui s’ignore. Le bellâtre a un regard bleu perçant qui fait tomber les femmes comme des mouches, mais surtout un sourire carnassier (il se lime les dents ???). L’acteur capte très bien la lumière, mais encore plus la pénombre ou un espèce de clair obscur, a le teint blafard légèrement poudré et est sans cesse filmé en contre plongée… Ça vous rappelle quelque chose ??? J’avais parfois juste l’impression d’être dans un crossover entre Twilight (que je n’ai donc pas vu et pourtant…) et Entretien avec un vampire que j’avais à l’époque adoré.

Dommage pour cette impression aux fumets mercantiles, mais néanmoins un bon moment, un acteur à revoir dans un autre contexte et 2 réalisateurs à suivre eux aussi. A retenir une phrase :
« Bel Ami je ne serai jamais votre maîtresse » s’exclame Uma Thurman en début de film… Petit conseil, ma belle : Faut jamais motiver un barcelonais avant un match… Jamais…

Date de sortie en France : 27/06/2012

Un fim de Declan Donnellan et Nicrk Ormerod avec Robert Pattinson, Kristin Scott Thomas, Uma Thurman (Grande-Bretagne, 1h45, 2012)

Alexandre Janvier

Jeu Concours : Indignados

2012-03-02T08:24:00.001+01:00

A l'occasion de la sortie du film Indignados de Tony Gatliff ce mercredi 7 mars, Le passeur critique est heureux de vous offrir des places à gagner pour aller voir le film en salles.

A gagner : 5 X 2 places

Pour avoir une chance de remporter l'un de ses prix, rien de plus simple. Il vous suffit de nous envoyer un email à l'adresse suivante : passeurcritique (il vous faut cliquer sur le mot passeurcritique pour être redirigé vers l'adresse) mentionnant dans l'objet Concours Indignados ainsi que votre NOM, PRENOM et ADRESSE POSTALE. Vous avez jusqu'au vendredi 9 mars 2012 minuit pour participer. Les gagnants seront tirés au sort par une main pure et recevront leurs places par voie postale.

Pitch du film : Indignados est le témoignage de ce qui se passe aujourd’hui, et nous plonge dans la réalité dense et palpable d’une Europe révoltée. Au cœur de l’actualité, au sein même des mouvements des Indignés, nous découvrons, à travers le regard et le voyage de Betty, jeune clandestine africaine, des hommes et femmes qui se dressent face à un système, pour juste pouvoir vivre.

Bande annonce :

Le concours n'est ouvert qu'aux personnes vivant en France métropolitaine.

Bonne chance à tous.

Apart Together ***

2012-03-01T15:13:00.001+01:00

Un film de Wang Quan'an

Petite merveille de scénario que celui d'Apart Together qui a d'ailleurs obtenu l'Ours d'Argent du meilleur scénario au Festival de Berlin 2010. Trois ans après son Ours d'Or pour Le Mariage de Tuya, Wang Quan'an se penche sur l'histoire de son pays et plus particulièrement sur l'épisode qui vu l'armée nationaliste fuir à Taiwan devant l'avancée des troupes de Mao en 1949. Taiwan devient florissante mais ses habitants sont toujours coupés de la Chine et des familles qu'ils ont abandonnées au passage. 50 ans plus tard, les frontières sont rouvertes et certains militaires reviennent sur leurs terres. C'est le cas de Liu (Cai Gen-xu), doux vieillard qui à la mort de sa seconde épouse décide de retrouver la première qu'il avait laissée à quai quelques décennies plus tôt enceinte de son fils. Evidemment cette jeune femme délaissée, Qiao Yu'e (Lisa Lu), s'est remariée et les projets de Liu s'en voient contrariés. Il envisage en effet de la ramener à Taiwan avec lui.

On est évidemment conquis par l'intelligence du scénario qui voit à chaque séquence des châteaux de cartes s'effondrer. La première tourne autour de Liu, sans qu'il ne soit présent. C'est un débat de famille. Les filles du seconde mariage de Qioa Yu'e voient d'un mauvais oeil l'arrivée de cet ancien mari. Le fils du premier mariage reste muet tout comme Qiao Yu'e dont le visage ne suggère qu'une douce inquiétude. Deuxième séquence, préparation du repas. Une majeure partie du film se déroule d'ailleurs à table ou au marché, plaçant la nourriture au centre des débats, signifiant que la cuisine ou le partage de la nourriture est propice à l'expression des sentiments ou du moins à l'ouverture du dialogue. Enfin quand Liu arrive, à l'instar d'un cheveu dans la soupe, ce sont les liens de la famille recomposée qui se dénouent un à un et permettent aux uns et aux autres d'enfin dire ce qu'ils ont toujours tu.

Si les personnages parlent beaucoup dans ces scènes théâtrales de banquet, leurs silences évoquent bien plus que leurs mots comme c'est souvent le cas au cinéma. Les filles du second mariage sont plus agressives, résolues à défendre leur territoire maternel, le gendre est plus prosaïque, il estime qu'un bon montant devrait être versé au second mari qui verra son épouse partir et le laissera dans la difficulté. Parce que c'est là la beauté du film, Qiao Yu'e s'est remariée par commodité, on apprend qu'elle n'a jamais aimé son second mari mais c'est avec lui qu'elle a passé toute sa vie alors qu'elle n'a connu Liu que pendant une année, encore jeune et remplie d'idéaux et c'est sur ce souvenir qu'elle veut enfin se construire une vie choisie.

Le réalisateur aborde ces thématiques familiales avec un recul vraiment fascinant. C'est fin, léger, doux et beau. Le second mari qui accepte l'inacceptable allant jusqu'à surprendre sa propre famille mais qui dans l'alcool avoue qu'il n'a jamais été aimé et qu'il en a souffert. L'ancien mari qui est tout le temps gêné d'être là mais pourtant accueilli avec respect et convivialité. L'épouse enfin, ballottée entre des attentes opposées, figure maternelle silencieuse, vieille femme qui a encore envie d'aimer alors qu'elle a sacrifié sa vie à sa famille. Mais le bonheur tardif est difficile à offrir, il en va ainsi de certaines vies condamnées toujours à passer à côté des opportunités. Le personnage de la petite fille (Monica Mok) est aussi touchant, elle est celle qui relie les deux familles parce qu'elle ne prend jamais parti et accompagne sa grand-mère ou l'ancien mari de sa grand-mère avec la même bienveillance.

Les acteurs sont formidables, on les regarde avec une tendresse inouïe et on assiste à leurs repas comme si on était assis à leur table. On découvre aussi Shangai avec les yeux d'un homme qui y a vécu mais qui aujourd'hui est redevenu un touriste chez lui. Apart Together est un film qui fait du bien à l'âme même s'il accouche d'une conclusion cruelle. La bonté des personnages n'a rien de niais, l'absence de pathos dans le regard du réalisateur, l'économie de sa mise en scène convient à l'essentiel... On pourra toujours pester contre les plans fixes et l'absence d'esthétique visuelle mais tout est contenu entre le verbe et l'image dans ces silences qui résument merveilleusement une amnésie de cinquante ans.

Date de sortie en France : 07/03/2012

Un film de Wang Quan'an avec Cai Gen-xu, Lisa Lu, Monica Mok (Chine, 1h36, 2010)

Cyrille Falisse

Les Infidèles *

2012-02-29T20:59:00.002+01:00

Un film de Gilles Lellouche et Jean Dujardin

On ne voit plus que lui, au point qu'il dise lui-même qu'il en marre de se voir partout, le comble du narcissisme ? Non, il est de bonne foi, personne ne peut le suspecter d'avoir le melon ! Mais alors pourquoi sortir un film deux jours après la remise des Oscars, marketing my dear ! Surfer sur la vague, coup de fouet gigantesque pour le démarrage du film qui n'a presque besoin d'aucune promo (le buzz autour des affiches censurées s'en est chargé). On sait que ce sont les premiers jours et le bouche à oreille qui déterminent le succès d'un film en salles, et je pense que ça va bien se passer pour eux. Pas pure curiosité, on peut se demander ce que valent ces sketchs polissons qui déballent sous l'oeil de différents réalisateurs (Michel Hazanavicius, Fred Cavayé, Emmanuelle Bercot, Alexandre Courtès, Eric Lartigau) le refrain de la fidélité, notion faut-il le rappeler très judéo-chrétienne et éminemment inscrite sous la bannière de la culpabilité.

Parce qu'autant le dire d'emblée, la question de l'infidélité n'a déjà aucun sens dans un monde réfléchi, soit on ne trompe pas (une infime partie de la population fera ce choix), soit on trompe et on ne le dit pas (ce qui exige d'assumer). Gilles Lellouche et Jean Dujardin, les deux vieux copains y ont pourtant trouvé matière à quelques sketchs censés représenter les différentes formes de la tromperie masculine mais qui au bout du compte finissent tous par dire la même chose, tromper c'est mal ! Diantre, c'est vrai ? Le sketch qui le signifie avec le plus d'à propos parle d'un homme cadre dans une société qui produit de l'engrais et qui est en week-end en séminaire. Ce coureur de jupons archi-lourd n'aura de cesse de mettre à profit cette mise au vert pour essayer de planter sa carotte. Tout au long de la soirée et entre deux afters organisées dans des chambres de l'hôtel par des collègues, le cadre agricole s'astique le service trois pièces ulcéré de ne rien déflorer. Au petit matin d'une nuit presque blanche où il frôla l'adultère sans le commettre, il repart chez lui serein d'avoir résisté bien malgré lui. Le bonheur pour l'infidèle tient en ce sourire esquissé sur le visage de Dujardin, pour l'infidèle le bonheur nait du non passage à l'acte.

Si la morale et les conséquences des actes sont toujours plus ou moins les mêmes, l'infidèle chronique finit par se faire larguer par sa femme. Les sketchs délivrent des atmosphères assez différentes mettant en scène une palette d'acteurs français dans des rôles assez savoureux. On pense évidemment à Guillaume Canet en petit aristo à l'appétit sexuel débordant ou Sandrine Kiberlain en coach qui doit faire taire les démons de midi chez ces pauvres quadra obsédés. Lellouche joue comme il est ou comme on pense qu'il doit être, Dujardin fait le grand écart entre le Brice de Nice et le personnage mis en valeur par Nicole Garcia dans Un balcon sur la mer. Il est plutôt bon dans le face à face avec Alexandra Lamy où le couple à la ville célèbre le déballage du passé à la fin d'une soirée entre potes. Mais à les voir s'interroger avec mesquinerie sur les détails de leurs aventures on ne peut s'empêcher de penser au formidable Closer de Mike Nichols où Julia Roberts finissait par répondre à toutes les questions de Clive Owen, même aux plus basses, aux plus viles, avec force de détails à en retourner l'interrogateur. Et là, Les infidèles ne peuvent tenir la comparaison.

La volonté comique du duo est prégnante, on la décèle parfois entre les soubresauts qui animent la salle, souvent quand le visage de Dujardin apparaît à l'écran ou lors du final énorme dans la démesure, on rit de ce qui est trop, pas de ce qui est plausible. Parce que finalement rien de neuf n'apparaît sous le soleil du deuxième bureau (comme on l'appelle dans certains pays africains), la tromperie reste un apparat de surface, un style que les deux amis qui se savent séducteurs envisagent comme une excuse à la réalisation de petites performances. On les voit s'amuser, mais nous pas vraiment... parce qu'il ne s'agit que de constater à l'écran ce qu'on sait déjà et de l'exagérer démesurément pour transformer une gêne complice en un élan de rire.

Visuellement le film souffre de ce manque d'harmonie, on peut s'interroger sur l'intérêt d'un découpage en sketchs alors que la première histoire est également la dernière et qu'entre les deux, des moments plus ou moins longs ne font qu'illustrer le propos de cette histoire centrale. Lellouche et Dujardin croient-ils que l'infidélité rend malheureux mais qu'elle est un besoin irrépressible... ou bien font-ils semblant d'y croire pour justifier leur film, rien n'est moins sûr. Ce qui l'est par contre c'est que Les Infidèles ne traduisent que la pensée masculine et qu'on envisagerait de donner la parole aux femmes pour voir si vraiment elles doivent aimer pour tromper, ce qui nous a encore été soufflé à l'écran. Un regret aussi, que les sketchs ne soient pas signés par leurs réalisateurs (ça nous aurait permis de démasquer celui qui fait des gros zooms grossiers sur le visage des acteurs), c'eut donné un peu plus de cohérence dans ce magma bouillonnant de testostérone.

Un film de Jean Dujardin, Gilles Lellouche avec Alexandra Lamy, Géraldine Nakache, Jean Dujardin, Gilles Lellouche (France, 1h49, 2012)

Cyrille Falisse

Le Policier ***

2012-02-28T16:35:00.002+01:00

Un film de Navad Lapid

La révolte gronde. Elle est dans les rues d'Europe, d'Afrique et même au Proche Orient. Fidèles à leur devoir de transmission du réel, les réalisateurs la font également grandir au cinéma. Cette fois c'est Navad Lapid, jeune réalisateur israélien qui prend pour sujet de son premier long métrage le mouvement contestataire qui s'exprime de plus en plus dans son pays et stigmatise la situation sociale précaire de la grande majorité de la population, comme ailleurs l'écart entre les riches et les pauvres se creuse inexorablement et crée un certain nombre de revendications.

Cette réalité a inspiré à Navad Lapid un film, Le Policier (Hashoter), à la mise en scène théâtrale où deux récits parallèles finissent par se rencontrer dans une séquence à l'obscurité furtive. Toute la première partie du film accompagne un policier anti-terroriste (Yiftach Klein) dans son quotidien. Sa femme enceinte alitée, ses collègues de boulot, sa famille et ses sales besognes nocturnes où il abat froidement des cibles, une forme de télé-réalité sans la voix-off. Navad Lapid ne crée aucune identification à son personnage mais la description de ses actes est assez fine que pour autoriser une multitude d'interprétations quand à la personnalité du policier d'élite: narcissique et manipulateur mais aussi attentif aux autres comme lors de ces longues scènes de massage de son épouse ou quand il accompagne son collègue à l'hôpital.

Comme pour signifier la fragilité des hommes derrière les armes, le réalisateur introduit un personnage secondaire, lui aussi policier mais atteint d'un cancer au cerveau. Son rôle assez flou rendu émouvant par sa finitude annoncée densifie le propos et l'étoffe d'une dimension humaniste mais ce n'est pourtant qu'un leurre. Parce qu'au moment de tuer, les policiers ne se posent jamais de questions.

Dans la seconde partie du film, on suit la préparation d'un coup terroriste et là surprise heureuse, ce ne sont pas les palestiniens qui en sont les instruments mais bien un groupe de jeunes israéliens menés par un chef charismatique décidé à rendre la voix au peuple qu'il estime instrumentalisé par les puissants. On voit ces quatre jeunes se préparer comme les policiers en se ressourçant sur les hauteurs des collines de Tel Aviv. La caméra s'attache à suivre plus en détails le parcours de Shira (Yaara Pelzig), jeune bourgeoise poétesse qui voit dans la lutte des classes l'expression d'un cri de désespoir.

Ces deux groupes sont amenés à se rencontrer dans un final dramatique où la résolution ne soulève aucun doute dans l'esprit du spectateur. Une fois encore ce sont les indignés qui paient de leurs vies l'expression d'une révolte et ce sont les policiers, eux aussi instrumentalisés par le gouvernement, qui signent de coups de feu retentissant dans le noir une pathétique chant de cygne.

L'intelligence du scénario et son efficacité tiennent dans ce découpage binaire qui s'achève en union de regard, celui de la jeune fille aux yeux grands ouverts plongés dans ceux du policier, effrayé d'avoir arraché une vie qu'il ne connait pas et dont il espère comprendre les motivations dans les mots restés enfouis dans une gorge qui se noie dans son propre sang. Comme si la compréhension de son frère, de sa soeur israélienne devait finalement être tue en vertu d'un impératif national défini par une opposition viscérale à l'ennemi palestinien, au point de nier la fracture sociale interne au pays et de voir ton autre mais aussi celui que tu es (un militaire en puissance puisque le service militaire est obligatoire) t'abattre d'une balle en pleine tête. Les jeunes révolutionnaires sont conscients, à chaque seconde, de la manière dont ils vont achever leur route et c'est cette certitude qui rend ce film intéressant.

La mise en scène de Lapid et le découpage de son film sont brillants parce qu'ils s'attachent à percer la personnalité des protagonistes et en ce sens c'est une très belle réussite, on a l'impression d'avoir pénétrer leurs sensibilités. Cette proximité avec les personnages est évidemment la conséquence de cette frontalité présente dans chaque plan et chaque cadre. Les personnages sont toujours centraux, se rapprochant sans cesse de l'objectif comme lors de cette première scène de vélo sur les hauteurs de la ville où le policier pousse son accélération jusqu'à remplir le cadre de son visage exsangue. Le découpage permet aussi au film de maintenir sa tension puisque les deux groupes finalement ne se rencontrent que dans un dernier regard merveilleux de désespoir.

Date de sortie en France : 28/03/2011

Un film de Navid Lapid avec Yaara Pelzig, Yiftach Klein, Michael Moshonov (Israël, 1h45, 2012)

Cyrille Falisse

Marieke *

2012-02-28T14:32:00.004+01:00

Un film de Sophie Schoukens

Ay Marieke Marieke je t'aimais tant
Entre les tours de Bruges et Gand
Ay Marieke Marieke il y a longtemps
Entre les tours de Bruges et Gand (Jacques Brel)

Marieke panse les plaies du passé dans les bras d'hommes plus âgés qu'elle. Marieke, entre son boulot de chocolatière et le bar où elle donne ses rendez-vous, couche avec ces vieux qu'elle photographie et dissèque. Morceaux de corps découpés en images figées comme pour prendre conscience, avec les plis de la peau, du temps qui passe et la transporte fatalement vers l'âge adulte. Marieke revit le deuil, inlassablement, celui qu'elle a connu enfant en découvrant son père les veines striées de sang dans la baignoire familiale où elle prenait ses bains avec sa mère. Cette mère contre qui elle s'oppose et dont pourtant elle a besoin.

Premier long métrage pour la réalisatrice belge Sophie Schoukens qui revisite le deuil familial et le complexe d'Oedipe. La mise en scène est excessivement épurée, minimaliste et presque austère dans les cadres, Marieke veut se concentrer sur le visage et les actes de sa jeune actrice Hande Kodja. On a l'impression en regardant Marieke rejouer son complexe mortifère d'observer l'intellectualisation en mouvement d'un deuil non résolu, de voir Sophie Schoukens, et sans connaître un traitre mot de sa vie, assumer une catharsis contrôlée et soignée à l'écran.

Cette proximité du sujet et de l'objet se concentrent sur le personnage joué par Hande Kodja qui est quelque part condamnée à revivre le trauma de l'enfance pour pouvoir l'évacuer et renouer enfin le dialogue avec sa mère (l'actrice flamande Barbara Sarafian également à l'affiche de Bullhead). Peut-être est-ce le défi de la langue mais l'actrice Barbara Sarafian semble quelques fois à côté du ton du film, comme en train de réciter une réplique qu'elle aurait apprise juste avant d'entrer en scène, ce qui contraste avec la qualité d'interprétation des deux autres acteurs principaux, Hande Kodja parfaite de bout en bout et surtout l'immense Jan Decleir qui compte une filmographie pléthorique depuis les années 60.

La relation qu'il entretient avec Marieke, jeune fille que tout le monde semble vouloir sauver mais que seule la mère doit sauver, fonctionne à merveille. En dépit de cette harmonie de jeu, le récit est trop ramassé sur lui-même, enfermé entre une maison à l'abandon, une salle de bain morne et une cuisine de représentation. Marieke a les tics du film d'auteur à la française, un film où on passe la chambre au salon sans cesser de sortir du lit et de parler en récitant. Dans une certaine mesure, Marieke n'est pas sans rappeler la thématique obsessionnelle à l'oeuvre dans Dernière Séance de Laurent Achard mais en moins systématique.

Marieke aurait pu être tourné partout dans le monde, on ne sent pas l'air bruxellois, ni les tours de Bruges et Gand, on ne fait que les entendre chantées merveilleusement par le grand Jacques et reprises touchantes par Jan Decleir. Le film est victime de ces métaphores appuyées, de ce travail de deuil qui survient tardivement et dont on ne comprend pas le sens, dix ans après le drame. Tout semble un peu trop cadenassé derrière la vision de la réalisatrice qui aurait dû lâcher la bride et laisser ses comédiens s'exprimer avec plus de naturel.

Date de sortie en France : 28/03/2012

Un film de Sophie Schoukens avec Hande Kodja, Jan Decleir, Barbara Sarafian (Belgique, 1h25, 2012)

Cyrille Falisse

Humeur : Bilan des cérémonies (Oscars, César, Bafta etc...)

2012-02-27T10:17:00.000+01:00

Ca y est ! C'en est terminé des soirées glamorama où le gratin du cinéma mondial s'auto-congratule dans des démonstrations publiques frôlant parfois l'onanisme. Le plus étonnant dans ces soirées de remises de prix c'est l'aspect public justement. On montre au monde entier qu'on sait se célébrer et se féliciter d'être parmi. Mais de vie publique pourtant on n'en a pas quand on appartient à ce monde traqué, la seule vie publique que l'on a c'est celle qu'on prête à ses personnages de substitution et qui s'épanouit à l'écran pendant 90 minutes en moyenne. De ces acteurs, actrices et réalisateurs dont on suit les essayages schizophrènes on ne connait presque rien mais pourtant on assiste comme si on les connaissait à leurs petites sauteries où leur besoin d'amour et de reconnaissance s'exprime avec le plus de narcissisme.

Il est curieux aussi de constater que les prix et les récompenses font partie intégrante du trajet de vie d'un film. Après avoir ramé pendant des années parfois pour trouver le financement nécessaire à la mise en chantier de son projet, après avoir passé des semaines à entraîner des équipes conséquentes dans son sillage, le réalisateur doit présenter son film, presque fini, à des dizaines de festivals espérant glaner des prix qui justifieront en quelque sorte la bonne légitimité et la bonne distribution du film. On ne s'étonne pas que le court métrage L'accordeur d'Olivier Treiner ait remporté plus d'une cinquantaine de prix depuis le début de sa carrière festivalière. La vie d'un film c'est un long temps de préparation, un temps relativement court de tournage, un temps infini de bataille administrative, un temps rachitique d'exploitation en salles et un temps annuel de récompenses et remises de prix.

Enfin tout ceci ne concerne toujours que ceux qui seront sélectionnés et force est de constater au travers des trois grandes remises de prix de la profession Bafta, César et Oscars que la diversité n'est pas vraiment au rendez-vous. En fait, ces différentes cérémonies donnent un peu la tendance d'une année, la tendance de la profession puisque pour les Bafta (Grande-Bretagne), César (France) et Oscars (USA) ce sont toujours des votants qui représentent les professionnels du cinéma, 3182 votants pour les César par exemple. Pour les Oscars ce sont les gens qui ont travaillé dans le même domaine que la catégorie en question, les ingé sons votent pour le meilleur son etc... L'Academy of Motion Picture Arts and Science compte 6000 membres. Pour voter aux Oscars, il faut être invité et adoubé par des pairs.

L'année 2012 devrait donc être représentative des milliers de membres qui votent pour chacune des cérémonies. Pas vraiment. A regarder les palmarès, on a l'impression tenace et étonnante de penser qu'il n'y avait en 2012 qu'un seul film qui traversa les frontières : The Artist de Michel Hazanavicius. 12 nominations aux Bafta, 10 nominations aux César et 10 nominations aux Oscars. C'est, avouez-le, assez surprenant ! Cette absence de diversité se retrouve également au sein de chaque académie où en général cinq ou six films trustent toutes les nominations. Aux César par exemple, les votants qui sont âgés ne vont pas toujours au cinéma pendant l'année, alors il faut leur envoyer un coffret DVD mais l'équipe de Donoma n'avait pas les moyens de faire presser ces milliers de DVD alors ils n'ont pas pu être nommés, cqfd.

Pour concourir aux Bafta, il suffit d'avoir été distribué sur le sol britannique, ce qui était donc possible pour The Artist, mais aux Oscars il faut normalement être américain, produit donc par des américains. Harvey Weinstein (le distributeur américain de The Artist) a donc masqué la nationalité du film et justifié d'un financement partiel venant des USA. Normalement, le film n'aurait pas pu concourir aux Oscars.

Le bilan 2012 est sans appel pour ne reprendre ici que les dix plus importantes catégories :

Meilleur film : The Artist - Oscars, César, Bafta

Meilleur réalisateur : Michel Hazanavicius - Oscars, César, Bafta

Meilleur scénario : The Artist - Bafta / Minuit à Paris - Oscars / L'Exercice de l'état - César

Meilleur adaptation : La Taupe - Bafta / The Descendants - Oscars / Carnage - César

Meilleur montage : Senna - Bafta / Millenium - Oscars / Polisse - César

Meilleure musique : The Artist (Ludovic Bource) - Oscars, César, Bafta

Meilleur acteur : Jean Dujardin - Bafta et Oscars / Omar Sy - César

Meilleure actrice : Mery Streep - Bafta et Oscars / Bérénice Béjo - César

Meilleure film étranger : La piel que habito - Bafta / Une séparation - Oscars et César

Le plus frappant n'est pas tant le sacre d'un film qui célèbre l'âge d'or du cinéma muet (1930) et rend hommage au cinéma hollywoodien, ce qui a dû les toucher mais c'est de voir qu'il est pour la profession le film qui représente le mieux cette année 2012, un retour aux sources teinté d'hommages et de références, un film en noir et blanc comme on en faisait des centaines naguère bien plus brillants, bien plus novateurs. Il a fallu oser pour faire ce film dont personne ne voulait, du courage pour revenir en arrière et parler de lui comme il sait si bien le faire, parce que le cinéma aime le méta-langage. Il a fallu du lobby aussi.

Qu'Hazanavicius soit célébré avec la même ferveur est aussi étonnant, battant au passage Malick, Scorsese, Allen et Payne pour ne parler que des Oscars. Plus grande diversité dans le scénario, oser le donner à Allen pour Minuit à Paris frôle la folie furieuse, cette vision de Paris avait de quoi provoquer l'hilarité. On félicite les USA vus par la France et la France vue par les USA en quelque sorte. Pour l'adaptation La taupe ne pouvait échapper à la consécration aux Bafta, The Descendants et Carnage se content des miettes du cerveau de The Artist (vu qu'il n'était pas nommé).

Jean of the Garden, a fait campagne aux states pour récolter son Oscar, mais il a négligé la France pendant ce temps-là et cet écart international lui a été fatal, parce que la France lui a préféré Omar Sy que ses deux réalisateurs Nakache et Tolédano avouent pourtant ne pas vraiment considérer comme un acteur, un show-man davantage. Meryl Streep remporte son troisième Oscar après 17 nominations !!! 17, oui. Elle est un peu toute seule en somme. Tout comme Une séparation, visiblement seul film étranger de l'année enfin sauf pour les Bafta.

En 2012, The Artist a remporté 7 Bafta, 6 César, 5 Oscars, 4 Independant Spirit Awards et 3 Golden Globe.

The Tree of Life et Melancholia, les deux plus grands films de 2012 repartaient bredouille, boudés par la profession. Signe, s'il en fallait encore un de l'aspect un peu ridicule de ces célébrations de l'égo. Et même quand des prix étaient attribués à des comédiens géniaux comme ce second rôle pour Michel Blanc, certaines imbéciles comme Mathilde Seigner voulaient inviter sur scène un autre, à savoir Joey Starr parce que selon elle, il le méritait plus. Ce ne sont finalement que des campagnes d'influence et de copinages où le jugement de valeur n'a de consistance que s'il est partagé par le plus grand nombre laissant dans l'ombre de ces films portés aux nues, des dizaines d'autres merveilleux et tout aussi importants.

Aux César, Polisse (13), l'Exercice de l'Etat (11), Intouchables (9) et The Artist (10) squattent les nominations. Deux films The Artist et L'Exercice de l'Etat se partageront les récompenses.

Aux Bafta, The Artist (12), La Taupe (11), Hugo Cabret (9), même constat.

Aux Oscars, Hugo Cabret (11), The Artist (10), Le Stratège, Cheval de Guerre (6), The Descendants (5), encore pareil.

Ces chiffres parlent d'eux-mêmes. En 2012, il n'y avait qu'un seul film: The Artist et quelques faire-valoir.

Cyrille Falisse

Sécurité rapprochée *

2012-02-26T17:48:00.000+01:00

Un film de Daniel Espinosa

Comme dans beaucoup de ses rôles, Denzel Washington est cool, il a les dents blanches, la répartie bien calibrée, sexy et menaçant à la fois. Ex-agent de la C.I.A., Tobin Frost est une légende qui a choisi de trahir l’Agence puis de disparaître. Il refera surface au Cap (des années après, mais toujours au top), pour acheter un fichier pouvant compromettre une bonne partie du renseignement mondial, plus précisément ses anciens employeurs. En le revendant judicieusement, il pourrait devenir extrêmement riche. Fatalement, à peine sorti, on lui tombe dessus, des vilains qui veulent récupérer le fichier. Bang. Tching. Paf. Tobin s’en sort mais se livre aussi sec à l’ambassade US. Mystère.

Ryan Reynolds joue une jeune recrue de la C.I.A., Matt Weston, honnête, intelligent et humain, qui, en poste au Cap, s’ennuie ferme et attend son affectation là où ça bougerait un peu plus. Pour cause il gère une planque (Safe house le titre américain du film) qui n’accueille que très rarement des criminels. A noter, Weston est bon, excellent même, et il en veut. Seulement c’est un « rookie », alors on ne lui fait pas encore confiance, trop de concurrence, pas assez d’expérience. Mais le hasard fait bien les choses, coup de fil : « Est-ce qu’il vous reste une chambre de libre ? », comprenez : enfin un peu d’action. Il fera donc l’intendance pour ses collègues qui ramènent Tobin Frost pour un interrogatoire musclé.

Mais en un éclair, les vilains de tout à l’heure débarquent à la recherche de Frost, tuent tous les agents de la C.I.A. (dont Robert « T1000 » Patrick, 1’45 de présence), tous sauf Weston. C’est à toi petit, protège coûte que coûte ton prisonnier, c’est un chien galeux, certes, impossible néanmoins de le laisser mourir ici, alors improvise ! Mais pourquoi diable Frost est si charmant ? Serait-il vraiment méchant ? Mystère.
S’engage alors une trépidante aventure où Reynolds active son mode « sécurité rapprochée » pour que son salaud de prisonnier puisse un jour nous livrer son secret.

Le tout est supervisé par des pontes de la C.I.A. interprétés par Vera Farmiga, Brendan Gleeson et Sam Shepard, tous trois dans des rôles minables, ce qui constitue le seul véritable mystère du film, surtout pour Shepard mais passons, on souffre ici de maux bien plus importants.

Le genre d’abord, on est dans l’exploitation, mais une exploit’ ++, celle qui vaut 85 millions et qui peut donc se payer des « A-list actors ». Seulement on sait que si l’on repense au film dans, disons, 18 mois, le titre manquera et il restera : Denzel, course poursuite et, euh… Et oui, on nage dans les poncifs, les invraisemblances, alors on pourrait au moins faire un peu semblant mais on a déjà tellement vu mieux. Déjà, oui… et tellement surtout.

Les dialogues alors ? Navrants ? Parfois, oui (Entre Matt et sa petite amie, la pauvre Nora Arzeneder) mais la plupart du temps simplement transparents, à l’exception de quelques fulgurances de Denzel Washington, toujours convaincant, moins dans ses derniers choix artistiques. Parfois les différences entre la version papier et finale d’un long-métrage peuvent se deviner (narration tronquée, happy end étrange…), c’est peut-être le cas ici quant à la minceur des seconds rôles et à la vraisemblance de certaines situations mais c’est peu probable tant le film n’est qu’un immense déjà-vu.

Car, problématiques mémorielles mises à part, le film de Daniel Espinosa, jeune réalisateur suédois, qui signe son premier long-métrage hollywoodien, renvoie le spectateur à la trilogie Bourne, le tout six crans en-dessous. Remises en questions d’ordre éthique, trahisons, Farmiga en Joan Allen, Gleeson en Brian Cox, la petite copine qui morfle, les gentils sont des méchants et inversement. Mais ce qui finit de nous achever, c’est la façon qu’a Espinosa de souligner l’inconsistance de l’histoire et des personnages de David Guggenheim. Son style est tellement pompé sur celui de Paul Greengrass que les bras nous en tombent. Pire, il copie son idole jusque dans ses tics les plus insupportables, incapable de se rendre compte que lorsque l’on ne raconte rien, les mouvements chaotiques de caméras et la multiplication d’angles de vues prêtent à sourire, voire à vomir. C’est triste car au final on sait qu’il se sert de cet incessant bordel pour ne pas avoir à vraiment mettre en scène ce qui est complexe (la majorité des scènes d’action) et pour détourner notre attention face au néant. Ce cinéma pop-corn traduit noirceur et violence par profondeur et audace. De l’utilisation du bagout adapté à la caméra, finalement si ça bouge autant, ça doit être palpitant. Si ça se prend tant au sérieux, ce doit être dense. La preuve, le film cartonne.

Pourquoi s’en priver, Michael Bay et Tony Scott règnent sur le box office comme ça, une certaine forme de génie et le plaisir coupable en plus.

Restera la façon dont Washington interprète la mort de son personnage, un noble effort, plutôt courageux et subtil mais qui a fait ricaner toute la salle. Je ne devrais pas mais j’ai quand même eu un peu mal.

Un film de Daniel Espinosa avec Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga (Etats-Unis, 1h56, 2012)

Jérôme Sivien

La vie d'une autre

2012-02-26T10:45:00.000+01:00

Un film de Sylvie Testud

La grosse déception de ce début d'année... Pas tant que La vie d'une autre était attendu ou promis à toutes les récompenses, mais au vu de la bande-annonce, un bon pitch de base, une actrice intelligente à la mise en scène et un casting qui ne manquait pas d'attrait, on était en droit de se dire que le moment allait être agréable... Or, que du contraire, Cette Vie d'une autre a le chic de réussir à taper à côté dans à peu près tous les domaines.

Tout d'abord, l'histoire en elle-même, pas dénuée d'intérêt et tirée d'un livre à succès sorti en 2007 par Frédérique Deghelt, avait le don de venir titiller notre curiosité. Marie (Juliette Binoche), jeune fille prometteuse vient de terminer ses études avec mention et va sous peu intégrer une grosse entreprise financière. Elle rencontre également Paul (Mathieu Kassovitz) avec qui le coup de foudre est instantané, l'amour fulgurant. Leur nuit d'amour un moment d'éternité, de douce évidence, le bonheur total. Le lendemain matin, elle se réveille le sourire aux lèvres, mais seule dans ses draps, et autour d'elle, tout a changé jusqu'à la taille de son lit. Marie vient de dormir pendant 15 ans, a un enfant et ne sait pas qu'elle est devenue une des plus influentes reine de l'économie française.

Un scénario donc assez séduisant mais dans les faits somme toute hyper mal rendu. On assiste ainsi à une succession de scènes où Juliette Binoche (césarisée et oscarisée qu'on avait surtout adoré dans le Patient Anglais ou pour ses rôles plus anciens dans -entre autres- l'Insoutenable légèreté de l'être ou le Hussard sur le toît) tente maladroitement de nous faire croire à ce personnage. Or, on ne sait pas vraiment d'où provient le malaise, mais il est constant... Est-ce elle qui a l'air gourde ou est-ce la mise en scène hyper figée (le rythme décousu donne le mal de mer) ou encore les incohérences scénaristiques ( elle ne sait plus faire un plat de pâtes, mais maîtrise un smart phone et une voiture de sport en 2 minutes...) ? On a vraiment le sentiment qu'elle court après la justesse de ton pendant une heure et demi ( qui du coup semble interminable...) et que rien ne pourra jamais vraiment sauver le naufragé de la noyade...

Même pas Mathieu Kassovitz. Bizarrement, celui que l'on préfère certes aux manettes derrière la caméra (revoir à propos sa récente sortie sur le cinéma français) mais dont on ne peut nier le talent devant (Amélie Poulain, Amen) peine lui aussi à convaincre en mari délaissé, toujours amoureux de sa femme malgré les souffrances. Son phrasé et ses intonations sont justes, mais sa gestuelle traduit là aussi un malaise, comme si il se demandait lui aussi où se placer à l'écran. Au final, seuls Aura Atika et François Berléand donnent un semblant d'impression de cohérence, mais ils sont tout de suite à créditer de 5 malheureuses phrases.

Bref. Difficile entrée en matière donc pour la première expérience de Sylvie Testud derrière la caméra. La double césarisée pour Les blessures assassines et Stupeur et tremblements (qu'on avait aussi trouvée convaincante dans Sagan en 2008) franchit ainsi le Rubicon mais a du mal à atteindre la rive sans boire la tasse à quelques reprises. Gageons que c'était une première fois et que comme souvent pour les premières fois, on peut peiner à comprendre le fonctionnement de son partenaire. La seule chose à espérer donc, c'est de nous réveiller demain matin en ne nous rappelant pas que ce film a existé...

Un film de Sylvie Testud avec Juliette Binoche, Mathieu Kassovitz, Aure Atika (France, 1h37, 2012)

Alexandre Janvier

Dossier : La schizophrénie du critique - Le guide et le juge

2012-02-25T19:34:00.000+01:00

Le guide

Ceux-là mêmes qu'on accusait d'investir les salles à la poursuite d'une vie de substitution salutaire ont démontré que la fréquentation assidue des écrans pouvait mener à une activité à vertu altruiste, l'écriture de critiques s'insérant dans un média. Le cinéphile quitte donc, pour un temps, le monde rassurant de la salle où des habitudes confortables ont été prises. Il se sert de ces centaines d'heures où il a débattu des films pour tirer une substance susceptible d'intéresser le public. Car si certains critiques vont jusqu'à dire que le public ne doit pas être pris en compte lors de l'écriture de la critique, il est évident qu'il l'est. Le journaliste l'imagine, même de manière inconsciente, lors de la phase de rédaction. Un message est par définition toujours adressé à quelqu'un, à un "Autre" réel ou virtuel.

Fort des compétences qu'il a acquises, le critique va devenir ce passeur, cet éclaireur, ce signaleur qui sortira de l'ombre les oeuvres qu'il estime dignes d'intérêt pour les offrir à un public qu'il souhaite réceptif. Il va devoir mener la foule vers des films inconnus ou difficiles pour lui apprendre à les apprécier, il va parfois tenter de décourager ce même public de retourner voir ce film récurrent de tueur en série, où le héros se retrouve à la fin du film en sang avec la victime (une proche) dans ses bras, saine et sauve mais vite confiée aux ambulanciers, pompiers et autres policiers arrivés un peu tard mais juste à temps pour le générique de fin. Il va replacer les oeuvres dans leur contexte comme un guide de musée le ferait à propos d'une peinture afin que le public ait toutes les clés en main avant de faire le choix cornélien d'un film aux dépens d'un autre.

Mais il va aussi être celui qui, riche de sa fonction, devra guider le public dans les méandres du cinéma pour éviter que ce dernier se perde au cours d'une quête qui ne l'intéresse pas. Il le fera souvent à contre coeur, forcé en quelque sorte par les contingences de son métier, de parler de ce qu'il aime mais aussi de ce qu'il n'aime pas. "Dire du bien n'est crédible que si on arrive à dire du mal" reconnaît Louis Danvers. D'un côté, le critique pourra voir dans cet exercice une manière intéressante d'approcher son sujet d'étude, en se convainquant qu'il y a parfois plus à apprendre à expliquer les raisons d'un rejet qu'à décliner une passion qui n'est que rarement basée sur le rationnel. d'un autre, il pourra se lasser de jouer ce rôle d'intermédiaire qui délivre des conseils de consommation ou des ordonnances à un public globalement réfractaire à ces conseils. Il se fatiguera alors peut-être de ne pas être entendu, de prêcher dans le vide des sermons incompris. Il achèvera alors sa mutation "schizophrénique" et deviendra l'autorité qui posera, en vertu d'une légitimité contestable, un jugement définitif et sans appel sur les films qu'il aura vus comme un spectateur privilégié.

Le juge

Quoiqu'il s'en défende parfois, le critique pose un jugement, il s'autorise à évaluer. Il décide ce qui est bon ou mauvais sur base de compétences qu'il s'est forgées en tant que cinéphile, et il estime ces compétences suffisantes pour enfermer l'oeuvre dans un discours qui la condamne ou la libère. Le "critique-juge" décide dans l'écriture de sa critique s'il tolère un espace où le spectateur pourra se glisser et se faire une opinion ou bien s'il pose une sentence fermée qui placera le lecteur devant une route sans échappatoire. Lui qui comprend qu'il est souvent vain d'essayer de former un public cinéphile, prend alors le pari de ne plus faire de compromis. Il comprend avec déception que majoritairement le public se passe de guides spécialisés. A vouloir maîtriser les goûts du public, le critique se fourvoie "... rien n'est plus fuyant que l'expérience que des spectateurs peuvent avoir d'un film". Car pour les valeurs que le critique essaie de diffuser puissent trouver un écho ou une résonance dans le public, il faut qu'une sensibilité soit prête à les recevoir. Et s'il ne trouve pas cette résonance, il va devoir s'engager et tant mieux si cela perturbe l'équilibre du marché car le critique-juge ne veut plus être le chaînon manquant de la grande farandole de la consommation.

Mais à moins que son exaspération ne le pousse à condamner sur une humeur, il continuera toujours à apporter la preuve de ce qu'il avance, comme le juge motive l'arrêt qu'il rend. Il fomente peut-être le secret espoir de convaincre celui qui n'a cessé d'être au centre de son travail : l'insondable spectateur qui ne s'est pas laissé apprivoiser. Car si le critique est devenu un juge réfractaire aux compromis, il est aussi un accusé qui doit répondre de ses choix devant un public devenu exigeant au fil de sa lecture.

Cyrille Falisse

Dossier : La schizophrénie du critique - le cinéphile

2012-02-24T18:15:00.002+01:00

La position d'équilibriste que doit maintenir le critique n'est pas évidente. Nous avons pu nous en apercevoir lors des précédents articles, le critique n'est pas cantonné dans une définition unique. Il y a des variations de possibles au métier de critique qui oscillent entre l'idée de la transmission d'information et celle du jugement de valeur. En dehors de ces deux positions qui peuvent sembler extrêmes, le critique est et reste surtout le cinéphile passionné qui l'a amené à être un jour un critique. Mais comment en est-il arrivé là ? "Eh bien, mon Dieu, en écrivant des critiques de cinéma", répondit laconiquement Georges Sadoul. Depuis le critique jongle avec les masques, il joue avec les variations. Tour à tour cinéphile, guide et juge, il s'est divisé pour mieux penser.

Le cinéphile

Avant de devenir critique professionnel, le critique est avant tout un amateur qui s'essaie à la critique, autrement dit un cinéphile accompli. A la question de savoir comment ils sont arrivés à la critique de cinéma, 80% des gens exerçant ce métier répondent : par la cinéphilie. Depuis qu'il est en âge de compter, il accumule les milliers d'heures où plongé dans le noir il se nourrit de la vie qui défile d'abord devant lui et qui bientôt s'introduit en lui. Au début, c'est une frénésie, une boulimie non sélective où tout ce qui est immortalisé sur une pellicule est digne d'être consommé : "Le cinéphile ? Celui qui écarquille en vain les yeux mais qui ne dira à personne qu'il n'a rien pu voir." La cinéphilie, c'est avant tout l'apprentissage d'une suspension du temps où l'on recrée indéfiniment l'oeuvre rencontrée dans une intimité qu'on espère exclusive.

Le cinéphile appréhende l'univers cinématographique comme il arpenterait des rues sombres à la recherche d'une vie lumineuse. On prétend souvent qu'il évolue dans un monde imaginaire et fictionnel, on l'accuse d'être en dehors du monde réel, on pense qu'il fuit la vie. Cette vision des choses n'est peut-être que partiellement vraie. Daney disait d'ailleurs que : "Le cinéphile est celui qui sait qu'entre l'espace réel de la salle de cinéma qui représente la société et l'espace imaginaire, il est faux de penser qu'il existe une ligne ou une frontière. Il n'y a que les naïfs qui croient qu'on bascule d'un coup dans un autre espace." Même si pour certains, le cinéma est une vie de substitution, "sorte de trouée dans le réel où la représentation de la vie est difficilement distincte de la vie elle-même", elle est surtout la possibilité d'un autre rapport au monde, autre mais tout de même ancré dans la réalité.

L'univers du cinéphile ne se limite pas aux salles obscures et aux aubes fraîches qui célèbrent les nuits remplies de films. Le cinéphile est aussi ce collectionneur compulsif qui rassemble tout ce qui concerne l'art qu'il affectionne : collections de revues spécialisées, photos et articles de presse. Le plaisir du lecteur se substitue en quelque sorte à celui du spectateur et il devient le prolongement de la cinéphilie. Il est le premier et le plus fidèle lecteur des critiques dont il s'inspire secrètement de la prose érudite. Le cinéphile accompli est un critique en gestation. Il lui arrive de prendre la plume pour commenter tel ou tel article, il va parfois "jusqu'à s'adresser directement au critique pour lui faire part de ses sentiments, de son désaveu ou de son soutien".

A la faveur des multiples visions de films et grâce à la lecture assidue, le cinéphile va se forger un goût qui va le couper des autres spectateurs. De ce goût que l'on associe souvent à une vision élitiste du cinéma va naître une exigence envers le 7e art. Truffaut écrira quelques lignes qui illustrent à merveille la naissance de cette exigence : "Nous aussi, comme vous, spectateurs passionnés, nous vivons dans les caves. Mais nous qui ne sommes pas des intellectuels, ni des puissants, nous qui nous précipitons dans tous les coins de Paris pour revoir et revoir ces ombres lumineuses qui furent et restent nos amours, nous qui trouvons dans les ciné-clubs nos cours du soir, nos rêves, nos références et nos livres, nous qui nous faisons les poches pour voir, voir et revoir des comtesses aux pieds nus, le dos de B.B., les bas éclatés et les cuisses pâles de Marilyn, nous devons avoir pour le cinéma les faiblesses et les exigences d'un amant pour sa plus belle maîtresse."

Non content de voir le cinéma considéré par la plupart des quidams comme l'occasion d'une détente, le cinéphile va se faire prophète et dire à qui veut l'entendre : "Il faut voir ce film toutes affaires cessantes". Mais les salles qu'il préconise restent désespérément vides et, attristé de ne pas bénéficier d'un pouvoir d'influence plus important, il imagine qu'en devenant critique tout pourra changer. Jean Douchet, critique de son état, pensaient que trois personnes vivaient en lui : le spectateur, le cinéphile et le critique. "L'étape la plus jouissive est celle du spectateur, la plus douloureuse est celle du critique, et la plus dangereuse est celle du cinéphile...". Dangereuse car c'est la période où se forment les a priori qui risquent de le hanter tout au long de sa vie. Mais l'envie de partager l'émotion et de la communiquer va se faire plus forte, il veut devenir un guide d'opinion qui fera autorité. De plus, il sera payé pour exercer une passion qui avait parfois tendance à le ruiner. Le cinéphile franchit le pas, il commence à écrire sur le cinéma et à être lu, il devient critique.

Prochain article : Le guide

Cyrille Falisse

La Dame en noir

2012-02-24T11:01:00.001+01:00

Un film de James Watkins

Il me tardait de retrouver mon acteur préféré, Daniel Radcliffe, sur grand écran. Qu'elle ne fut pas ma solitude après le dernier épisode de la saga potterienne. J'étais comme un atome perdu dans l'espace. Mais voilà que Daniel réapparaît sous les traits d'un jeune notaire du XXe siècle, Arthur Kipps, dont la femme vient de mourir en couches en donnant naissance à leur fils. Harry, pardon Arthur doit ensuite se rendre dans un petit village paumé appelé Crythin Gifford pour une succession, vous me l'accorderez ça sonne un peu comme Gryffindor (Le collège des sorciers dans Harry Potter) non ? Quand on aime, on prend toujours des coïncidences pour des signes. Et dans la vie tout est signe et tout signe est message, c'est Proust qui l'a dit.

Il suffit pour s'en rendre compte d'observer attentivement son jeu d'acteur. Il a la mine triste puisque sa femme est décédée, son fils de trois ans le lui rappelle d'ailleurs en dessinant sur son visage une bouche tirant vers le bas comme une robe longue. Arrivé dans le petit village après un trajet en train sous une brume opaque, il découvre l'endroit hostile dans lequel il devra passer les trois prochains jours et dans le village personne n'a envie de le voir traîner dans le coin. Pire quand il insiste pour aller visiter la bicoque de la défunte, véritable manoir isolé le long d'une route traversant les marées qui laisse deviner un passé terrible, on lui conseille de rebrousser chemin. Mais enfin pourquoi ? Il veut juste faire son métier pour pouvoir nourrir son rejeton.

Bruits de portes qui grincent, chaises qui bougent toutes seules, bruits de pas à l'étage... la tension propre au film d'horreur et ses archétypes sont tous utilisés les uns après les autres par le réalisateur James Watkins habitué du genre (My little eye, The Descent : Part 2) et qui adapte ici un roman à succès écrit en 1983 par Susan Hill. Vous l'aurez deviné ce n'est pas le film d'horreur ici qui intéressera le spectateur, à moins peut-être qu'il n'en ait jamais vu et qu'il se fasse surprendre une bonne demi-douzaine de fois sous l'effet, pêle-mêle, de visages qui apparaissent subrepticement dans des miroirs ou des fenêtres, de visages maquillés à outrance singeant le principe de décomposition des corps, d'une caméra grimpant lentement un escalier rempli de toiles d'araignées ou encore de formes qui ressemblent à des ombres au bout de couloirs sombres. Tout y passe avec une prévisibilité saisissante.

Evidemment ça fonctionne, qui ne sursaute pas devant l'apparition furtive d'un fantôme dans un miroir alors qu'à l'instant où il apparaît à l'écran un énorme son de cuivre nous sort de notre torpeur. Les films de fantôme finissent par se confondre dans la mémoire spectatorielle, il faut finalement faire appel au fameux twist pour proposer quelque chose de novateur et se distinguer de la masse des films qui grincent, ce fut notamment le cas pour Les Autres (The Others) d'Amenabar ou Le sixième sens de Shyamalan. Je mentirai cependant si je n'avouais pas que face à ce type de film il y a deux réactions... la première consiste à se cacher les yeux quand on devine le surgissement d'une image horrible, ici une femme en noir au visage blafard, fantôme d'une suicidée qui veut en découdre avec tous les enfants du village, la seconde consiste à rire à gorge déployée et assez fort pour que tout le monde vous trouve détendue. Mes deux voisines ont adopté ces techniques chacune à leur manière me laissant la possibilité de souffler de temps à autre pour expulser un peu de tension ou d'exaspération.

Exaspération devant le jeu de mon idole Daniel Radcliffe. Je sens que tout le monde va se moquer de lui et comparer encore son expressivité à celle d'une sole ou d'une tanche. C'est son personnage qui exigeait qu'il ait constamment le regard fuyant et cet air de chien battu, ne confondons pas tout. Déjà pourquoi lui enlève-t-on ses lunettes, il ne doit rien y voir, pendant dix ans il en a porté ! En plus, le rôle est vraiment mal choisi, ce n'est nullement de sa faute s'il donne l'impression de jouer comme un balai, il n'a que 22 ans et on lui demande d'agir comme un homme mûr. N'empêche voyez comme il assume son statut de sauveur du monde, ici aussi sans se poser de questions il investit une maison hantée par deux reprises, il essaie d'enfoncer les portes derrières lesquelles on soupçonne l'horreur rampante, il fait preuve d'un courage à l'instar de celui d'Harry Potter, mais oui parce qu'il est et sera éternellement Harry Potter, qu'on le veuille ou non, vous ne nous le prendrez pas. Alors messieurs les producteurs arrêtez-donc de lui offrir des rôles, c'est dans un musée qu'est sa place, là où où son jeu d'acteur sera en harmonie avec le champ large des expressions d'une poupée de cire.

Un film de James Watkins avec Daniel Radcliffe, Ciaran Hinds, Janet Mc Terr (Grande-Bretagne, 1h35, 2012)

Date de sortie en France et en Belgique : 14/03/2012

Cyrille Falisse

Extrêmement fort et incroyablement près **

2012-02-23T19:02:00.002+01:00

Un film de Stephan Daldry

Le traumatisme post 11 septembre devait faire peur aux producteurs, peu d’entre eux avaient osé parier sur celui-ci dans le calendrier des sorties. Dans Extrêmement fort et incroyablement près, les attentats sont traités avec pudeur et distance, jamais frontalement, manière élégante d'éviter les foudres de ceux qui aujourd'hui portent encore le deuil. La première scène est à l'image du film, le corps de Tom Hanks (qu’on devine plus qu'on ne voit, seuls ses membres se détachent dans un coin du cadre) semble flotter dans les airs, laissant tout la liberté d’une interprétation multiple au spectateur et évoquant surtout le drame à travers l'imaginaire d'un enfant. Ce n’est qu’au fur et à mesure des flash-back du petit Oskar qu’on comprend que son père (joué par Tom Hanks), alors prisonnier des flammes dans les tours jumelles, s’est vraisemblablement suicidé avant l’effondrement des tours pour s’écraser au sol comme ces dizaines de petits points noirs qu’on voyait sur les premières images télévisées retransmises en direct. Les chaînes choisiront par la suite de ne plus montrer ces images insoutenables de choix de la mort par défenestration, choix du suicide face à la mort lente et imposée.

Le réalisateur britannique Stephen Daldry (Billy Elliott, The Hours, The Reader) déjà habitué aux nominations et aux prix les plus prestigieux, vient de signer avec Extrêmement fort et incroyablement près (Extremely Loud and Incredibely Close) un film à nouveau nommé dans la catégorie Meilleur Film aux Oscars 2012. En adaptant le roman à succès éponyme de Jonathan Safran Foer qui décrivait le combat d'un enfant surdoué ou autiste (selon le point de vue où l'on se place) pour continuer à faire vivre son père défunt qui venait de mourir dans l'effondrement du Wall Trade Center, Daldry a assumé de faire un film imprégné d'un pathos de circonstance. Ce parti-pris narratif est à la fois le point faible du film et sa force principale pour qui peut passer outre.

Objectivement Extrêmement fort et incroyablement près (prix du titre le plus tiré par les cheveux de l’année) est vraiment prenant. Difficile de détacher ses yeux du jeune Thomas Horne qui incarne Oskar avec une intensité surprenante alors qu'il s'agit là de son premier rôle au cinéma (il a été découvert dans l'émission Jeopardy à laquelle il participait). Son débit, son énergie, son regard, son phrasé névrotique parfois exaspérant rappellent un des plus grands monologues du cinéma, celui d'Edward Norton dans la 25e Heure de Spike Lee où, seul face au miroir de toilettes publiques, il se mettait à insulter les habitants de la ville de New-York. Comme Norton, Horne a aussi un monologue saisissant où il évoque tous les habitants new-yorkais qu'il a croisés depuis le décès de son père et cela en plus face à un miroir mutique, le visage de Max Von Sydow, témoin symbolique de la seconde guerre mondiale, silencieux depuis que ses parents sont morts dans un bombardement à Dresde. Au flot de paroles d'Oskar s'oppose le silence de ce grand-père germanique. Sur ses paumes sont tatoués les mots YES et NO, clin d'oeil peut-être à La Nuit du Chasseur et ses fameux LOVE et HATE dessinées sur les phalanges de Robert Mitchum. Dans Extrêmement fort et incroyablement près, aucun personnage n'est aussi terrifiant que celui mis entre l'ombre et la lumière par Charles Laughton, tous sont d'une bienveillance et d'une gentillesse surréaliste. Daldry et Roth présentent une seule personne égoïste dans leur panel représentatif de la ville de New-York, mais lui pardonnent dans un final qui emprunte les codes de la série (la voix-off de l'enfant qui accompagne l'intégralité du long métrage est aussi proche d'une certaine façon de faire du cinéma comme dans les séries), repassant en revue tous les personnages croisés dans le film. On peut considérer à cet égard et à bien d'autres que Extrêmement fort et incroyablement près est l'archétype du film dégoulinant de bons sentiments.

Le scénariste Eric Roth (célèbre pour Forrest Gump, Munich ou encore L'étrange affaire de Benjamin Button) a écrit une histoire splendide, d'une densité assez rare au cinéma, aussi ambitieuse que méandreuse mais résolument naïve. Habitué dès son plus jeune âge à vaincre ses peurs en faisant fonctionner son imaginaire, Oskar n’accepte pas la mort de son père et pour faire vivre son souvenir se lance à corps perdu dans une chasse au trésor qui représente la traduction littérale de son travail de deuil. Après avoir trouvé dans les affaires paternelles une clé mystérieuse attribuée à un certain Black, il décide d’aller à la rencontre de tous les gens qui s’appellent Black et qui vivent à New-York, l’un d’entre eux devant connaître le secret de cette clé et savoir ce qu’elle peut ouvrir. Démarre alors un véritable voyage initiatique dans les rues de New-York au détour duquel il va rencontrer une foule de personnages. L'occasion pour le réalisateur d'évoquer l'après 11 septembre à travers le portrait croisé de dizaines d'américains, idéalisant une nation chaleureuse et unie, une population altruiste, prête à se mettre en quatre pour qu’un enfant conserve de l’espoir. Une seule personne refuse de lui ouvrir sa porte, une femme bourrue qui fondra en larmes plus tard sans doute rongée par la culpabilité. On peut reprocher au réalisateur et au scénariste cette volonté de ramasser l'histoire sous la forme du conte et de ne pas lui donner davantage de piquant mais ce serait cruel pour Eric Roth qui éblouit plus d'une fois le spectateur par la qualité de ses dialogues et l'enchâssement parfait de ses pistes narratives. La mise en scène de Daldry si elle reste relativement classique, photographie lumineuse et soignée, presque irréelle parfois tant elle est immaculée, est montée avec virtuosité si bien qu'on ne se rend presque pas compte de son côté poseur.

Le principal défaut du film vient du traitement du personnage principal, à savoir Oskar, limite exaspérant tant il est névrosé, peut-être porteur du syndrome d'asperger (décrit dans le magnifique film d'animation Mary and Max), mais surtout furieusement tête à claques comme la plupart des petits génies ou des premiers de classe. Son débit, ses hurlements, sa frénésie et sa faconde peuvent finir par épuiser la tolérance. Le côté presque aseptisé de l'image aussi, on respire la volonté de rassemblement derrière les intentions du film, on a presque déjà installé les mouchoirs sur les accoudoirs des sièges. Tout le monde va et doit pleurer. Quoi de plus douloureux qu'un enfant malheureux, se scarifiant pour accepter l'inacceptable, dont l'intelligence permet de saisir toute la difficulté d'être quand on est à moitié orphelin. La mise en scène est parfois appuyée, certaines scènes ressemblent à des cartes postales, mais il y a une énergie dans le texte et une finesse de l'évocation du deuil dans le scénario de Roth qui impressionne vraiment, certains scènes sont de pures joyaux, celles de l'affrontement avec Von Sydow et Bullock même si elles sont faciles (au niveau du texte, sans surprise) sont d'une efficacité redoutable. Il n'était cependant pas nécessaire de faire de la musique originale d'Alexandre Desplat la bande-son de l'ensemble du film. Entre les sirènes, le bruit de la mémoire, la musique et les envolées d'Oskar, le film regorge de sons, il aurait été délicat de ménager quelques temps morts. Mais vous me direz et vous aurez raison qu'il s'agit là d'un parti-pris assumé, le film étant à l'image du cerveau d'Oskar, en ébullition.

L'histoire de cet enfant vous touchera certainement, si vous parvenez à faire fi de la musique, des conventions du genre, du dernier plan en arrêt sur image, de l'absence de contradiction. C'est lisse mais terriblement cruel aussi, quand l'enfant entend la voix de son père disparaître du répondeur dans un bruit de saturation alors que sur l'écran du téléviseur, au même instant, les tours s'effondrent... Les acteurs qui mettent le jeune comédien en valeur sont tous excellents, Sandra Bullock, Max Von Sydow, merveilleux, Viola Davis, John Goodman... la grosse artillerie au service du travail de mémoire, à l'instar de ce coffre mystérieux dont la clé se transmet, se cède, se donne, pour libérer la mémoire collective et faire d'un enfant un homme et d'un pays une nation sur le souvenir de la douleur.

Date de sortie en France et en Belgique : 29/02/2012

Un film de Stephan Daldry avec Tom Hanks, Sandra Bullock, Max Von Sydow (Etats-Unis, 2h08, 2012)

Cyrille Falisse

La jetée *****

2012-02-23T09:33:00.004+01:00

Un film de Chris Marker

Vertigo est il une obsession cinéphilique de ma part, ou celle de nombreux grands cinéastes ? Ma conscience critique (ainsi que quelques plans citant ouvertement le film d’Hitchcock) me pousse à opter pour la seconde solution. Le fait est qu’encore une fois un immense cinéaste a plongé son film dans l’univers vertigineux du chef d’œuvre d’Hitchcock. Chris Marker a laissé son personnage s’égarer dans un cercle qui à force de caresses intellectuelles deviendra vicieux. La jetée, est en effet une énième variation autour d’un grand film sans fin qui - aujourd’hui encore - consume jusqu’aux entrailles, les corps cinéphiles. Une énième distorsion du temps, une énième spirale infernale ne laissant aucune fuite possible. On ne peut échapper au temps, si ce n’est dans la folie ou dans la mort. S’il est une fatalité, c’est bien celle-ci.

Au lendemain d’une troisième guerre mondiale, les survivants se réfugient dans les sous-terrains parisiens d’où des scientifiques aux accents germaniques envoient des hommes dans le passé pour ramener vivres et énergie. Tous échouent, sauf un. Un homme sans nom, un homme qui se souvient, un homme marqué par une image récurrente, un homme pour les représenter tous, un homme pour l’humanité.

Le zigue doit comme dans Vertigo traverser un imaginaire à travers une fissure dans le temps pour s’immiscer dans une autre réalité et ainsi réanimer la femme qui par deux fois fut sienne. Jusqu’à donner le seul plan en mouvement, le seul plan vivant du métrage. Par opposition à la fixité du reste des images, notre héros a réussi l’impossible, a dépassé l’entendement, a cassé la relative immobilité de nos vies. Il a réanimé le passé.

C’est aussi ce que nous invite à comprendre Chris Marker. Sans tomber dedans, l’humain ne doit jamais oublier son passé et le garder à l’esprit. Il permettra sinon de comprendre le futur, d’aider à son évolution. Lorsqu’il doit construire des images d’une troisième guerre mondiale, le cinéaste se plonge dans notre passé, dans notre réalité pour en sortir les tristes vestiges d’une World War II. Les images s’enchainent sans mots pour décrire l’horreur. La musique ennoblit la triste réalité d’un passé qui nous est commun avec les personnages fictifs du film. Jusqu’à ce qu’une image petit à petit révélée nous apparaisse impossible. Celle d’un arc de triomphe détruit. La victoire en ruine. Triste pessimisme d’une énième erreur politique, d’une troisième guerre mondiale. Chris Marker jongle en permanence entre réel et irréel, entre passé connu du spectateur et futur connu du cinéaste. Il nous perd donc dans un état d’irréalité pourtant très pragmatique et nous met en garde du passé contre un futur - aujourd’hui plus que jamais - sur la corde raide.

« Rien ne distingue les souvenirs des autres moments, ce n’est que plus tard qu’ils se font reconnaître à leurs cicatrices ». Cette phrase parle d’elle-même… Quant aux cicatrices, elles sont à elles seules, les présences physiques, les marques de nos erreurs, du passé à ne pas oublier.

La longue scène dans le musée positionne les deux héros face à de nombreux animaux empaillés voir disparus, privés du temps qu’il leur restait. Encore une fois la fixité de la photographie étire la temporalité et laisse les deux personnages dans leur passé/présent, aussi mort que les animaux qu’ils côtoient. Ces souvenirs d’une autre époque, d’une autre vie, appuient la mise en garde de Marker. Ces animaux n’existeront plus. Pourtant leur place dans un musée (mise en exergue du cinéma) en font des créatures éternelles.

Ceux qui ne connaitraient pas encore ce chef d’œuvre du hélas trop méconnu Chris Marker, auront tout de même déjà pu lire son nom dans le générique du digne mais non équivalent L’armée des douze singes. Ce remake de Terry Gilliam donne une agréable relecture de la jetée et permettra aux détracteurs du magnifique noir et blanc du court métrage, de se plonger dans un univers fortement inspiré du film de l’artiste français. Il est pourtant crucial de remarquer comme Chris Marker pousse sa réflexion philosophique bien plus loin en 26 minutes que Gilliam en plus de deux heures. A vous de voir.

S’il est une certitude, parmi les certitudes, c’est qu’au bout, il y a la mort. L’histoire de cet homme que nous racontons est celle d’un être humain. Seul reste d’une allégorie parfaite de l’humanité, qui essayera d’échapper au temps qui passe, qui marque, qui tient en joue, tout être humain dès son plus jeune âge. L’image de la mort imminente et omniprésente brûle nos rétines et nos systèmes nerveux à l’instar de ce jeune garçon hanté toute sa vie durant par la vision de sa propre fin.

Chris Marker nous amène au bout de la jetée ou les peurs communes se déchainent dans une mer en furie et nous laisse seul face à nos doutes, face à nos rêveries cinéphiles. Il nous intime d'errer dans la spirale du temps qui nous tire toujours vers le haut ou vers le bas, au choix. Jusqu’à une fin inévitable. Image indélébile ne laissant d’autres possibilités que la vision d’un monde fantasmé, celui de l’art, du cinéma.

En plus de tout cela, La jetée est une réflexion sur la place du spectateur au cinéma. Sa capacité à se laisser perdre dans un temps qui n’existe pas, dans la septième dimension du septième art. Le cinéma ne serait-il pas la seule réponse face à la mort ? C’est peut-être ce que Marker a voulu nous dire. C’est en tout cas ce que j’aime à croire.

Un film de Chris Marker avec Hélène Chatelain, Davos Hanich, Jean Négroni (France, 28min, 1962)

Film en version intégrale

Lucien Halflants

Interview : Carice Van Houten

2012-02-22T00:00:00.000+01:00

A l'occasion de la sortie du film Ingrid Jonker de Paula Van der Oest, nous avons eu le plaisir d'interview l'actrice principale du film, la comédienne Carice Van Houten révélée au grand public par son rôle dans Black Book de Paul Verhoeven.

Carice Van Houten nous parle de son rôle et de la manière dont elle l'a abordé avant de nous révéler quelques informations exclusives sur son personnage de la série Game of Thrones.

Ingrid Jonker était une poétesse sud-africaine, fille du Ministre de la Censure sous le régime de l'Apartheid qui chercha tout au long de sa courte existence à se faire aimer de son père, c'est en vain qu'elle s'abandonna dans les bras d'autres hommes, substituts d'un amour paternel fuyant.

Si la vidéo n'apparaît pas directement sur la page, merci de bien vouloir réactualiser cette dernière et vous pourrez visualiser la vidéo (navré de ce désagrément, la plateforme semble connaître un léger bug).

Entretien réalisé le 15 février par Cyrille Falisse

Terraferma *

2012-02-21T09:42:00.005+01:00

Un film d'Emanuele Crialese

Sur la petite île italienne de Lampedusa vivent 6000 habitants dans des traditions immuables de la pêche et de l'hospitalité. L'île n'est qu'à quelques brasses de l'Afrique et régulièrement des clandestins essaient de rallier les plages de cette ferme sur des radeaux de fortune, fuyant une vie de misère pour entrevoir un avenir meilleur. Sur l'île les principaux revenus ne proviennent cependant pas de la pêche, la Méditerranée est une mer morte depuis longtemps, ils sortent par liasses des portefeuilles des touristes venus se vider le cerveau en s'allongeant sur des plages en buvant des cocktails.

Filippo (Filippo Pucillo), sa mère (Donatella Finocchiaro) et son grand-père (Mimmo Cuttichio), une famille de pêcheurs vivant dans une précarité de plus en plus prégnante finissent par se résoudre à louer leur maison aux touristes. Pour ce faire, ils s'installent dans leur garage et laisse la maison à trois jeunes cools et sexys. Mais survient le drame, alors qu'ils sont partis en mer, Filippo et son grand-mère sauvent des flots un groupe de clandestins pendant que d'autres ont l'imagine finissent noyés ou arrêtés par les brigades maritimes. Parmi ces hommes sauvés des eaux, une femme enceinte jusqu'au cou que Filippo et son grand-père vont héberger illégalement chez eux.

Après Indignados de Tony Gatliff, un nouveau film prend comme point de départ, une immigré clandestine débarquant sur les côtes européennes. Emanuele Crialese (Respiro) choisit de traiter son sujet pourtant inspiré de faits réels (Lampedusa a été le théâtre de nombreux sauvetages de Boat People dans lesquels deux capitaines de pêche ayant secouru des gens se sont vus accusés d'aide à l'entrée irrégulière sur le territoire. La situation avait d'ailleurs sensiblement empiré avec les révolutions tunisiennes et libyennes) sous la forme du conte en y insufflant une dose de magie et d'imaginaire.

Il nous faut donc accepter de voir cette femme sublime vraisemblablement d'origine éthiopienne donner naissance à un enfant tout rond et tout formé et le voir grandir à vue d'oeil sous le prisme de la caméra. Accepter aussi d'entendre parler cette femme dans un italien confortable afin d'opposer sa légitimité face à la mère de Filippo, dans un premier temps résolument opposée à l'arrivée de cette femme sous son toit. Toujours la peur de l'illégalité traduite par la présence de carabinieri zélés et à la solde d'une politique inhumaine.

Mais c'est toujours d'intérêts financiers qu'il s'agit. Pour Crialese, outre le problème de la gestion européenne de ce flux migratoire non contrôlé, il y a le risque de voir les touristes fuir un paradis où l'on traque les bosquets à la recherche d'un immigré. C'est cette esprit de repli sur soi, symbolisé par la minuscule population de l'île sur lequel Crialese insiste et c'est souvent sans la moindre subtilité qu'il assène ses arguments.

Lors d'une balade en mer où il est censé voir les seins d'une fille (elle l'a suggéré à plusieurs reprises donc on s'y attend comme lui) Filippo entend du bruit et balade sa lampe torche à la surface de la mer, ce sont alors des centaines de bras qui tentent de s'agripper à sa barque, telle une armée de morts vivants. La liberté prise par l'intermédiaire du conte autorise Crialese à évoquer tous les sujets sous des métaphores grossières. Celle du filet de pêche présent au départ du film où le poisson pris au piège entre deux grillages rappelle évidemment celui du clandestin pris entre deux côtes et lorsque les touristes d'un bateau de plaisance se jettent à la mer comme l'effondrement d'un château de cartes, on comprend que certains échappent toujours aux mailles du filet.

Tout est appuyé, martelé, alourdissant le propos. Les clichés s'amoncellent et les lieux communs aussi. Les italiens sont racistes mais le droit de la mer supplante l'interdiction d'assistance à personne en danger. Cette éthiopienne n'est pas sauvée parce que les lois sur l'immigration sont odieuses, elle est sauvée parce que le grand-père de Filippo est pêcheur. Il n'y peut rien et s'en serait bien passé.

Après avoir été d'une médiocrité sans nom, Filippo se rachète dans un élan de rédemption très chrétienne, il offre à son réalisateur une voix de secours, un autre voyage sur l'eau avec au loin une tâche d'espoir qui se réduit comme le bateau sous l'effet de la prise aérienne.

Impossible donc de pénétrer donc l'hermétisme formel du film, son jeu d'acteurs approximatif, sa plasticité léchée, ses actrices qui rivalisent de beauté et cette présence presque irréelle du conte pour raconter une réalité de rejet et de mort comme s'il avait fallu aseptiser le tout pour lui donner une valeur artistique.

Date de sortie en France : 14/03/2012
Date de sortie en Belgique : 25/04/2012

Un film d'Emanuele Crialese avec Filippo Pucillo, Donatella Finocchiaro, Mimmo Cuttichio (Italie, 1h24, 2012)

Cyrille Falisse

Bellflower **

2012-02-19T16:13:00.002+01:00

Un film d'Evan Glodell

Bellflower, le premier film Instagram

Tous les premiers films sont à saluer. Certains font cependant preuve d'un plus grand courage que d'autres, d'une prise de risque proche de la survie. Bellflower d'Evan Glodell fait partie de ceux-là, en l'occurrence le film est certainement l'aboutissement d'un travail de catharsis tant l'histoire personnelle du réalisateur irradie l'ensemble de la pellicule. Comme pour Donoma de Djinn Carrénard, Bellflower a été réalisé à coup de conviction. Evan Glodell a bouclé son film pour 17.000$ et quand on voit le résultat, on ne peut être qu'admiratif.

Puisant son inspiration dans une rupture amoureuse qui a vraisemblablement tourné à l'obsession, le réalisateur s'est plongé dans l'écriture d'un scénario censé le délivrer de son cyclone de pensées incontrôlables. Mis de côté pendant quelques années, le script ne doit sa renaissance qu'à une rechute sentimentale. C'est la douleur amoureuse encore prégnante qui vaut à Bellflower sa plus belle intensité. Long métrage inclassable, il rejoint la grande lignée des films barrés illustrant la rupture, on pense notamment à Reconstruction de Boe ou Eternal Sunshine of The Spotless Mind de Gondry. On y retrouve ce même montage éclaté, ce même découpage de la rencontre, de l'alchimie et de la fêlure progressive de l'amour qui fait imploser la bulle factice de l'osmose.

Woodrow (Evan Glodell) et Aiden (Tyler Dawson) sont deux potes proches de la trentaine paumés dans une Amérique qui a depuis longtemps laissés sur les bas-côtés de l'existence tous ceux qui ne s'étaient pas pliés à ses rêves d'ambition et de carrière. Traînant la plupart de leur temps, ils se sont mis en tête de construire un lance-flamme, dont ils testeront l'efficacité sur des mannequins avant de l'installer sur leur vieille Buick Skylark de 1972 porté par le souvenir apocalyptique de Mad Max (la voiture nommée Medusa étant en quelque sorte le substitut amoureux de Woodrow). L'infantilisation de l'entreprise est soudainement mise à mal lorsque Woodrow rencontre Milly (Jessie Wiseman) dont il tombe rapidement amoureux lors d'un road trip boosté aux shots de whisky.

Personne n'est dupe ! Les premières images du long métrage nous ont montré avec une grâce folle et des ralentis enveloppés de la très belle musique de John Kevill que la romance allait finir dans le sang et les larmes. Bellflower s'envisage comme une expérience et non comme un instantané de relation amoureuse. En ce sens, l'apocalypse envisagée par les deux amis est salutaire, elle est ce qui met fin à la douleur. Glodell qui a passé près de trois ans penché sur sa table de montage emmène au fil des minutes le spectateur vers l'effroyable travail destructeur de l'obsession amoureuse. Prisonnier du souvenir heureux de sa relation avec Milly, il ne parvient à effacer les images contemporaines de sa solitude (qu'il partage toutefois avec la meilleure amie de son ex, Courtney (Rebekah Brandes)) qu'en immolant la caisse d'affaires laissées par son ex, cette même caisse qui provoquait les hurlements de Naomi Watts dans Mulholland Drive.

Le film s'achève dans un chaos de flammes et de sang, installant l'horreur sur la trajectoire d'un montage baladé entre ellipses et flash-backs. Abandonnés par leur pays, les loosers de l'Amérique explorent leurs limites pour dire qu'ils existent, le visage tatoué, les tempes suintant le sang. Le film s'achève sur quelques longueurs et approximations, la deuxième partie plus violente exacerbant aussi les limites du jeu des acteurs, tous bénévoles, rappelons-le. Reste inscrit dans la pupille, cette photographie aux reflets d'application Instagram résultat du bricolage de caméras au mécanisme de mise au point déréglé sur lequel Glodell a installé différents types de lentille, lui permettant ainsi de donner une texture à l'image proche d'un flou maîtrisé.

Bellflower raconte avec les tripes mises à vif la déliquescence du sentiment amoureux avec un panache créatif presque brouillon mais résolument en phase avec cette période de l'histoire où encore plus qu'avant il n'y a plus d'espace tangible pour ceux qui n'épousent pas les sentiers tous tracés de la modernité. Expérience parfois trop centrée sur l'aspect formel et la qualité purement visuelle de l'oeuvre, Bellflower reste la catharsis sincère d'un réalisateur qui aura réussi son premier film sans faire de compromis, sacrifiant ses effets personnels, mettant sa vie en jachère et squattant l'aile abandonnée d'un immeuble pendant plus de deux ans. La notion de combat du cinéma, de révolte et de posture aussi, il les incarne à merveille.

Date de sortie en France : 21/03/2012

Un film d'Evan Glodell avec Eva Glodell, Tyler Dawson et Jessie Wiseman (Etats-Unis, 1h46, 2012)

Cyrille Falisse

I Wish (nos voeux secrets) ***

2012-02-18T18:30:00.001+01:00

Un film de Kore-Eda Hirokazu

I wish est une caresse sur la joue…

Rassurante, apaisante, qui fleure bon la douce mélancolie comme (presque) seul le cinéma asiatique peut nous en procurer. Un film poétique basé sur une légende urbaine et emmené par des enfants qui croient avec une naïveté touchante que les miracles peuvent se réaliser. L’île japonaise de Kyushu est le théâtre de cette fable qui voit une famille séparée par le divorce : la mère et le fils ainé (Koichi) au Sud, le père et le fils cadet (Ryunosuke) au Nord. Les parents sont perdus, faibles et bohèmes, les enfants sont eux disciplinés, matures, emplis de certitudes et chercheurs de solutions. Avides de recouvrer leur vie d’avant, quand la famille était unie, ils vont échafauder un stratagème pour forcer le destin. L’un d’eux a entendu qu’un phénomène étrange – crier très fort ce que l’on désire secrètement quand 2 trains à grande vitesse se croisent – permettait au vœu de s’accomplir. Ils se rejoignent ainsi au point de croisement ferroviaire et emmènent avec eux leurs amis dans ce voyage initiatique.

Comme dans nombre de films japonais, la nature devient elle aussi un personnage en soi du récit. Il pleut ainsi des cendres en permanence, comme une métaphore de la tristesse ambiante, comme une pluie de larmes grises qui collent à la peau des habitants de l’île. Et pourtant, le volcan a beau être une menace de chaque instant, tout le monde est étrangement d’un calme olympien s’étonne Koichi. Certains plans sont filmés comme des fresques surréalistes où on assiste à une chasse à la libellule ou à un déjeuner sur l’herbe dans un endroit hyper futuriste. Les décors naturels mêlés à la société nippone ultra-moderne représentent là aussi un contraste intéressant. Le réalisateur Kore-Eda Hirokazu (Nobody Knows, Still Walking) nous montre donc à l’aide d’une alternance entre plans larges et gros plans les multiples facettes de cette ambivalence.

On notera aussi ça et là des touches d’humour surprenantes donc efficaces, et également une musique à contre-emploi (de la country…) au départ très étonnante puis qui petit à petit se fraye un chemin dans la justesse. Mais la force du film réside vraiment dans ses personnages, hyper attachants. L’aîné des garçons, Koki Maeda est touchant à souhait et a ce regard triste mais déterminé qui vous transperce d’empathie. Quant au plus jeune, Ohshirô Maeda, il a en permanence un sourire collé aux lèvres hyper communicatif, même quand la situation se fait critique. Les 2 garçons se complètent à la perfection, l’alchimie fonctionnant notamment parce que comme leur nom l’indique, ils sont vraiment frères dans la vie. Les personnages secondaires apportent tous un petit plus à l’histoire centrale : les parents chacun à leur niveau paumés dans leur vie, le grand-père qui foire constamment ses gâteaux ou encore la bibliothécaire, jolie à souhait, dont les garçons sont secrètement tous amoureux,…

On en ressort tout simplement avec un petit soleil doux et une envie de croire aux miracles. Ce qui, en ces jours maussades et polaires est un luxe non négligeable…

Un film de Kore-Eda Hirokazu avec Hiroshi Abe, Jô Odagiri, Yoshio Harada (Japon, 2h06, 2012)

Date de sortie en France : 11/04/2012
Date de sortie en Belgique : 25/04/2012

Alexandre Janvier

Chronicle *

2012-02-17T16:35:00.001+01:00

Un film de Josh Trank

Le film de super-héros qui cite Jung, Platon et Schopenhauer.

Les supers-héros fascinent l'Amérique, ils font en quelque sorte partie de sa culture. Il fallait bien qu'un jour la contre-culture explosive détourne le phénomène geek pour le triturer et le désacraliser. Josh Trank, jeune réalisateur de 27 ans, est l'homme du changement (depuis il a déjà été récupéré par la Fox qui lui a confié le reboot des Quatre Fantastiques). Dans Chronicle, il raconte l'histoire de supers-héros ordinaires qui ne parviennent ni à sauver le monde, ils n'en ont d'ailleurs nullement l'ambition et c'est une première originalité pour le film, ni à se sauver eux-mêmes. Mais dès lors de quoi Chronicle peut-il bien parler ? De flottement...

Chronicle est l'exemple type du faux film concept qui faut-il le rappeler cartonne aux US et en GB ! Le film repose sur une idée formelle puissante qui n'en est pas une : Le found footage. Le quoi ? Le found footage, c'est cette vidéo que l'on retrouve et qu'on exploite alors que tous les personnages du film ont disparu. C'est en quelque sorte un documentaire filmé caméra à l'épaule où les chefs opérateurs doivent désapprendre tout ce qu'ils savent pour faire semblant de filmer comme des savates. Le principe fortement éculé depuis Le projet Blairwitch avait été repris récemment dans The Troll Hunter et avait d'ailleurs valu quelques critiques au film sur ce point précis. "Encore ! Y en a marre du faux docu qui donne la gerboulade" crachaient certains.

Mon petit doigt me dit que la réception critique sera beaucoup plus bienveillante dans ce cas de figure. Vu que les trois copains de Chronicle possèdent des pouvoirs dont ils ne font rien pour le bien commun et qu'ils ont acquis en descendant dans un couloir sous-terrain qui ressemble à un utérus, il faut bien qu'ils l'utilisent à des fins personnelles. L'un d'entre eux, Andrew Detmer (Dane deHaan), a décidé de filmer sa vie, et cela avant d'avoir des pouvoirs. Son père, personnage abjecte et furieusement cliché, lui donne la motivation nécessaire pour mettre sa vie en scène, la créativité est ici réponse à la violence familiale. Chronicle s'appuie sur le mythe du Narcisse qui se noie dans son propre reflet. Deux autres personnages hantent ce récit d'une jeunesse américaine désoeuvrée au point de se prendre comme principal sujet d'étude. Il y a Steve Montgomery (Michael B. Jordan), le faux mec populaire du lycée et Matt Garretty (Alex Russel), le faux intello de la bande qui cite des auteurs comme on brasserait du vent. Qui abuse-t-il vraiment ?

Les trois copains vont donc apprendre à tester leur résistance à la douleur, s'essayer à la télékinésie et découvrir qu'ils sont capables de voler. La phase d'apprentissage, meilleur moment du film, est toujours captée par la caméra d'Andrew. Pour qu'on le voit à l'écran ses camarades le filment de temps à autre, d'autres fois en bon égocentrique dépressif qu'il est, il pose la caméra sur un pied et se filme dormir. On est déboussolé devant le génie de cette métaphore de la jeunesse américaine prisonnière de l'image qu'elle se donne d'elle-même. Mais là où le concept fait semblant de dépasser son point de départ, c'est quand Andrew ne tient plus la caméra à la main et soulage nos nausées... grâce à la télékinésie qu'il maîtrise à la perfection, la caméra vole en apesanteur au-dessus et tout autour de lui pour donner une forme de hauteur et de légèreté à sa mise en scène et surtout un peu de liberté esthétique au réalisateur et aux cadreurs.

Miracle formel crieront les fans déjà acquis à la cause du film. Miracle fumiste rétorquerai-je tant le principe est mis à mal à de nombreuses reprises, on passe du rendu de sa caméra à celle d'une nerd du collège qui filme pour son blog, à celles des caméras de surveillance de Seattle, on jongle entre les bandes vidéos mais parfois la continuité oserai-je dire pelliculaire est brisée, un plan surgit qui est celui d'un technicien du film et non celui d'un personnage. L'intrusion revient aussi dans un plan dédoublé.

Il y avait une certaine poésie à voir ces trois types découvrir leurs pouvoirs comme s'il s'agissait de leur sexualité, une sincère admiration pour le défi technique et la qualité des effets spéciaux qui ne faisaient pas appel à l'artillerie numérique puis subitement tout se délite, le film intimiste devient la grosse machine qu'il avait soigneusement évité d'être. Le dépressif de la bande ne peut pas se sortir de sa condition de looser et il est très énervé, il ne parvient plus à canaliser ses pouvoirs parce que son papa lui dit que si sa maman qui avait un cancer est morte c'est de sa faute. Seattle (filmée à Cape-Town) explose alors de tous côtés, les immeubles fument, les ados volent comme superman et se lancent des camions au visage. Ca redevient de la poudre aux yeux incapable pourtant de masquer la pauvreté des dialogues...

Evidemment dans la plupart des films de super-héros, les dialogues sont le dernier des soucis du producteur, mais là quand on se permet de citer des philosophes autant le faire avec sérieux et pas pour se donner de faux-airs de... Chronicle fait semblant d'être ce qu'il n'est pas, un film différent sur les supers-héros, il est comme les autres. La série Misfits avait elle dépassé le sujet, contourné la philosophie du genre, réinventé des personnages ordinaires drôles, merveilleusement écrits, attachés à des dialogues immenses, drôles et pathétiques, révélateurs d'une société qui met au ban ceux qui sont différents. Car il s'agit toujours de ça dans la mythologie du supers-héros, c'est l'histoire de paumés qui deviennent des héros. Dans Misfits, les paumés restaient des paumés, dans Chronicle, chacun des trois personnages reste aussi celui qu'il est mais en s'enfonçant irrémédiablement dans une version exagérée de lui-même, dans un déterminisme déprimant.

Chronicle ou le film qui se regarde filmer.

Date de sortie en France : 22/02/2012

Un film de Josh Trank avec Andrew Detmer, Matt Garretty, Michael B. Jordan (Etats-Unis, 1h24, 2012)

Cyrille Falisse

Il était une fois, une fois *

2012-02-16T17:18:00.001+01:00

Un film de Christian Merret-Palmer

Chez nous, on ne rigole pas avec l’humour

Demander au belge que je suis de critiquer un film belgo-belge qui tente d’expliquer la belgitude à des français, c’est un peu comme si on demandait à un néozélandais d’analyser le jeu des All Blacks et de l’encenser auprès des voisins australiens. Forcément, y aura un moment où l’objectivité se sera perdue quelque part entre Blankenberge et La Panne… Mais bon, particularité belge s’il en est, je vais rester humble et sous-estimer plus que de raison (sans vraiment me forcer d’ailleurs…) les qualités de ce film aux couleurs de mon pays, bien que produit par Dominique Farrugia. Surtout, pour commencer, en vous disant que les vingt premières minutes sont justes insupportables pour tout citoyen du royaume… Un cliché en chasse un autre et les accents forcés des 3 acteurs sont crispants tellement ils sonnent faux (Et c’est un spécialiste qui parle).

Passée cette mise en situation douloureuse, on rentre enfin dans le vif du sujet : Une française (Anne Marivin aperçue dans les Petits Mouchoirs et révélée par l’imposture Bienvenue chez les Chtis), charmante mais roublarde, constamment en train de chercher une magouille, croise le chemin d’une bande de fous furieux dans un hôtel luxueux de Paris. Parmi ceux-ci, un faux prince royal (l’humoriste François-Xavier Demaison qu’on a surtout retenu pour son rôle de Coluche) un patron de bistrot transformé en assistant royal (Charlie Dupont (auteur en son temps de la série culte Faux Contact et récemment aperçu dans Les Mythos) et un pseudo-garde du corps gringalet pourfendeur des terroristes flamands (Jean-Luc Couchard vu dans Rien à Déclarer, les Barons et surtout Dikkenek). Ils envisagent de faire un casse lors d’une cérémonie, mais pour cela, ils doivent faire de la belle une vraie princesse royale, culture et parler belge compris ! Et c’est là, durant ces cours intensifs d’Assimil de la langue du plat pays que l’on rit vraiment de bon cœur et que le film prend une réelle dimension comique après laquelle on court (titube ?) durant les premières minutes. La fin (et le scénario en soi) n’étant plus qu’anecdotique et prétexte au placement ça et là d’expressions qui sentent la moule et de blagues qui hument la frite…

Donc, en GROS, une bonne petite comédie sympathique, sans prise de tête, bon enfant, légère. MAIS, comme pour tous les films à caractère didactiquement identitaire (Regarde comment qu’on cause chez moi…) il y aura forcément différentes façons de l’apprécier, que l’on soit belge, bruxellois, wallon, parisien ou marseillais. J’ai ri à l’écoute des chansons du Grand Jojo, mais cela va-t-il parler à un mec du Bassin d’Arcachon? A contrario, les feintes potaches sur ma culture m’horripileront quand elles feront éclater de rire une nana de Moselle… C’est le jeu. C’est pas pour ça (justement) que ça ne peut pas fonctionner à grande échelle. Mon bémol, c’est donc qu’on sent un rien trop que tout a été mis en place (promo comprise) pour en faire soit un Dikkenek qui passe la frontière soit un mini-Bienvenue chez les Chtis (au niveau des entrées).

Le Belge que je suis a donc ri de sa belgitude, mais n’a pu s’empêcher de la prendre avec du recul et au final, de râler à l’idée que l’on s’en moque, surtout pour faire du chiffre…

Un film de Christiant Merret-Palmer avec François-Xavier Demaison, Anne Marivin, Charlie Dupont (France, 1h35, 2012)

Alexandre Janvier

Série : Flight of The Conchords

2012-02-16T10:41:00.000+01:00

Une série de James Bobins, Jemaine Clement, Bret McKenzie

Lorsque je parle de Flight of the Conchords autour de moi, on me donne toujours les deux mêmes réponses : « Ah oui, c’est pas les mecs qui font une chanson avec des robots ? » et « J’ai un pote qui est fan, mais j’ai jamais vu ». Bon, c’est vrai, on me dit plus généralement qu’on ne connaît pas, ce qui me fait croire qu’il était donc presque nécessaire de déterrer cette petite merveille d’humour et de chanson qui s’est éteinte après deux saisons.

FOTC est d’abord un vrai duo folk/rap/soul composé de Jemaine Clement et de Bret McKenzie, deux musiciens néo-zélandais talentueux, drôles et à la bouille irrésistible, qui décident, autour de leur chansons, et fort du succès de leurs improvisations pour la BBC Radio, d’écrire une série. A six mains (James Bobin en sus), ils racontent la vie de deux amis musiciens qui partent tenter leur chance à New-York, épaulés sur place par leur manager inefficace, Murray (Rhys Darby), leur unique groupie, l’inénarrable Mel (Kristen Schaal) et leur pote Dave « Je vais vous apprendre la vie » Mohumbhai (Arj Barker).

On le saisit en quelques scènes, Bret et Jemaine interprètent une version alternative et (dé)sublimée d’eux-mêmes: les personnages gardent les mêmes prénoms, les chansons sont celles qu’ils défendent depuis des années, les vêtements, l’accent, tout est d’origine. A peu près tout. En effet, les deux compères mettent en scène leurs vies comme s’ils avaient été deux gros losers de premier choix. Une vie redoutée sans doute, celle de deux « mou-du-genou » , co- dépendants, incapables d’aboutir à un projet de vie sensé ni même à une conversation digne de ce nom. Seulement voilà, lorsque les émotions débordent, la musique et les rimes prennent le relais et métamorphosent ses interprètes, qui tout en continuant de raconter de poétiques et imparables inepties, se révèlent, presque malgré eux, être des mélodistes innés et des conteurs sans pareil.

Seulement, dans FOTC, les chansons sont la plupart du temps des rêveries : les trois minutes d’imagination débridée de Jemaine et son « Most beautiful girl (in the room) », ne sont que quelques secondes d’inattention dans la réalité. Idem pour Bret, qui tombant amoureux de Coco, se découvre un flow Dancehall délicat aux tendances sexistes (« boom ») et raccroche les wagons, hagard au milieu de la rue. Et il n’y a finalement rien de plus émouvant que de voir ces deux empotés du rapport humain se mettre à exprimer leurs questionnements, coups de cœur ou révoltes les plus insignifiants et donc les plus cruciaux aux travers de ces mises à nu inspirées.

Les thèmes de la série et des chansons sont finalement ceux que l’on retrouve assez fréquemment dans les comédies douces-amères : L’amour, l’amitié, le sexe, l’acceptation de soi, la perte de l’innocence, etc… Seuls vont changer les outils. Et c’est justement ça qui est remarquable chez Bret et Jemaine : leur vision du monde et comment il nous la raconte.

On est rapidement séduit par le regard tendre et naïf qu’ils posent sur ce qui les entourent ; leurs fantasmes sur les femmes et l’effet qu’ils pourraient avoir sur elles, sont déclinés d’un bout à l’autre des deux saisons. Tantôt hypnotisées par leurs corps, tantôt sirènes ou encore amantes imaginaires, les portraits qu’ils dressent sont ceux d’un pré-ado. Ils ne pensent alors qu’à fréquenter les femmes, qu’à les séduire, qu’elles soient amoureuses, chimériques ou qu’elles ne les aient même pas remarqués. Ils sont évidemment toujours à côté de la plaque, tombent amoureux en un instant, se voient mariés avec un coup d’un soir ou encore, refusent une nuit de plaisir pour montrer qu’ils ne sont pas des hommes faciles. Indeed.

L’amour (platonique) entre potes n’est pas en reste, pudique certes mais sous-jacent, lors des triangles amoureux (« if you’re into it », « we’re both in love with a sexy lady ») ou carrément central avec les sublimes « Friends », « Cheer up Murray » et « Bret you got it going on » qui commence comme un « Cheer up song » et dégénère en aveu de Bromance peu racontable.

Mais là où les boys sont au dessus de tout c’est dans leurs propres projections. Comment ils s’imaginent en secret, majestueux et pathétiques, extraordinaires et minables. De « Bowie » où Jemaine se prend pour son idole à « Prince of parties» en passant par « I told you I was freaky », les deux mettent en scène des personnages drôles certes mais surtout touchants par leur lâcher prise, laissant apparaître bien plus que voulu sous la carapace du burlesque. Ils se voient grands mais ne peuvent s’empêcher de désamorcer leur entreprise par maladresse ou simple honnêteté.

A ce titre, il faut quand même citer leurs alter égos rappeurs, Hiphopotamus et Rhymenoceros (parfait - comment ne pas y avoir pensé avant !), bouc émissaires exaspérés mais trop inoffensifs face à des adversaires qui ne les considèrent même pas (« Hurt feelings ») ; ainsi que la propension de Jemaine à s’imaginer en gigolo (parodie de Roxanne exquise) lorsque les finances vont mal et que la société les écrabouille, que la ville les désoriente de trop, eux, les gars de la campagne.

Des anciens fermiers donc mais surtout des fermiers étrangers et ils ne manquent pas d’exposer les tendances gentiment xénophobes de certaines de leurs hôtes ainsi que la querelle ancestrale qui les opposent aux Australiens. Là encore, c’est tellement drôle et fin que l’on voudrait présenter certains épisodes dans un programme d’éducation civique.

21 épisodes donc et une quarantaine de chansons, un duo impeccable, une réalisation vraiment plaisante, des seconds rôles épatants (ah Mel !), New-York telle qu’on la voit de moins en moins, un épisode réalisé par Gondry, une parodie du « Seigneur des anneaux ». Franchement…

Une série de James Bobins, Jemaine Clement, Bret McKenzie avec Jemaine Clement, Bret McKenzie, Rhys Darby (1ère diffusion en juin 2007, arrêtée en 2009, 22 épisodes, 26min)

Jérôme Sivien

Ghost-Rider : L'esprit de Vengeance

2012-02-15T20:08:00.003+01:00

Un film de Mark Neveldine et Brian Taylor

La première mouture noyait le fun du comic book bad ass dans une flopée de défauts techniques. Ce deuxième opus peut se laisser regarder pour peu que l’on ne cherche… pas grand chose de plus que dans le premier : de l’action gratuite et des très méchants en pâte à modeler. Bref, pas d’étincelle pour mettre le feu aux poudres.

Changement de réalisateur pour ce nouveau volet. Exit le metteur en scène de Daredevil, c’est au tour des réalisateurs de Ultimate Game de nous conter le retour de l’ami John Blaze et sa malédiction nommée Ghost Rider qui - en échange d’une libération de son alter ego maléfique - se verra obligé de prendre les flammes contre Roarke (troisième écart cinématographique de Ciaran Hinds) lui même à la poursuite d’une prophétie tombée entre les mains d’un jeune garçon (Fergus Riordan).

Ghost Rider numéro deux rappelle avec nostalgie qu’il fut une époque ou Nicolas « Cage » Coppola était un bon acteur et tournait des films pas toujours grandioses mais portant au moins un désir de création. Ce désir peut être remis en cause par les ex-fans de cet ex-acteur qualitatif (devenu quantitatif) dont la carrière s’enfonce petit à petit dans des profondeurs abyssales ou règne un climat ardent, comme le laisse deviner sa passion pour les héros fondus de vitesse, en proie aux possessions diaboliques. Malgré son charisme – il faut l’admettre – toujours débordant et sa qualité à encaisser les scènes ridicules au premier degré, Nicolas Cage n’est plus capable d’enchainer deux répliques convenables sans pouffer ou dézinguer la moitié d’une autoroute à coup de rockets. A noter l’apparition de Christophe Lambert, autre roi du nanar depuis quelques décennies déjà, dont certains, plus radicaux, avaient au moins l’ambition de divertir dignement.

La qualité médiocre du film est d’autant plus étonnante que l’on aurait pu croire qu’à deux, les cinéastes auraient l’intelligence de se modérer l’un l’autre. Il n’en est rien. On imagine déjà les deux acolytes en pré-production imaginant un plan en saut à l’élastique ayant pour unique but d’épater les cascadeurs sur le tournage. De son propre aveu, Mark Neveldine se dit adorer cadrer lui-même et dans des conditions particulières (chute libre, roller, etc.). Peut-être aurait-il mieux fait de s’en tenir à sa fonction de base…
On sort de ce film aux mouvements de caméra tout aussi perpétuels qu’inutiles, la tête entre les mains et l’espoir en le cinéma six pieds sous terre.

Le film accumule les explosions. Les morts inexpressives s’enchainent. Les destructions de voitures, par dizaines. Mais une goutte de sang, jamais ! Il ne faudrait tout de même pas freiner la rentrée d’argent par un « interdit aux moins de 12 ou 16 ans ». Le film manque donc atrocement de radicalité et reste un navet contrôlé, là où il aurait pu apporter un plaisir décomplexé, en roue libre.

Un petit mot sur la 3D qui comme trop souvent est injustifiée et n’apporte ni profondeur au récit ni – et c’est un comble – à l’image. Quelques coups de fouet brûlants pourraient surprendre certains d’entre nous. Mais jamais aucune perspective qui pourtant, pourrait donner ses lettres de noblesse au cinéma en relief dont le seul intérêt actuel (mis à part dans quelques scènes de Pina et Hugo) est la lingette nettoyante gratuite à l’entre de la salle.

Ce film pyromane, donne à voir un enchainement enflammé de scènes d’action aux effets numériques déjà dépassés et perd son héros comme son spectateur au milieu des flammes de l’enfer, dans lesquelles pourrait bruler la pellicule, ce n’en serait pas bien grave. Une chose est sûre, ce blockbuster en carton ne jouit pas du feu de Dieu mais du niveau du premier. C’est dire…

Un film de Mark Neveldine et Briand Taylor avec Nicolas Cage, Ciaran Hinds, Violente Placido (Etats-Unis, 1h45, 2012)

Lucien Halflants

Dos au mur *

2012-02-15T17:29:00.000+01:00

Un film d'Asger Leth

Après des films comme 127 heures de Danny Boyle, Buried de Rodrigo Cortes ou encore plus loin Phone Game de Joel Schumacher, revoici dans une moindre mesure, Dos au mur (Man on a Ledge) un film dont le héros est cloitré en un lieu unique et où tout se construit autour. Car Il s’agit en fait d’un prétexte pour lancer l’histoire qui use en quelque sorte d'une construction en tiroirs. Nick Cassidy (interprété par l’australien Sam Worthington surtout connu pour ses rôles dans les derniers films de James Cameron : Terminator Renaissance, Avatar - même si on le préfère largement dans Last Night de Michael Reed) est un repris de justice qui réussit à s’évader et qui décide, dès le lendemain, de grimper sur la corniche de sa chambre d’hôtel en plein Manhattan. Vues aériennes de New-York à couper le souffle, impression de vertige, caméras tournoyantes, sensibles s’abstenir…

Le film est lancé. Le héros est repéré par une dame et la cohue gagne rapidement le quartier. La police boucle le périmètre et les télés à sensation, même pas encore installées, relayent les faits et gestes de cet homme qui menace de sauter du 21ème étage. Les inspecteurs tentent de parlementer avec lui, mais rien n’y fait, il veut choisir son négociateur et réclame l’agent Lydia Mercer (Elizabeth Banks habituée aux seconds rôles, notamment dans la série des Spiderman) déstabilisée par une récente affaire qui s’est mal finie et surtout détestée de ses collègues masculins. « Je mourrai comme je suis né, innocent » lui crie Cassidy. Les tiroirs s’ouvrent. On plonge ainsi dans son passé récent pour comprendre ce qui l’a poussé à en arriver là et surtout on nous présente de fil en aiguille une histoire parallèle où tant ses proches que ses anciens collègues pourraient être impliqués… Sautera, sautera pas ? Tombera, tombera pas ? (C’est pas une pub pour Lotto…) Finira bien ? Ou pas ?

Ne révélons rien et surtout ne gâchons pas le suspense, seul véritable intérêt et fil rouge de ce thriller d'Asger Leth (qui a travaillé comme scénariste et 1er assistant-réal sur le documentaire Five Obstuctions de Lars Von Trier et qui a sorti de manière assez anonyme Waterbug en tant que réalisateur en 2010). L’autre qualité du film, c’est son rythme, effréné, qui tient le spectateur en haleine. Mais comme souvent dans ce genre d’opus de marathon en sprint, cela s’essouffle au fil des minutes et les derniers kilomètres se font en tirant la langue et en crachant ses poumons… On retiendra cependant des effets de caméras voltigeuses, plongeantes et traversant les murs assez intéressants et quelques bons seconds rôles comme celui du frère (Jamie Bell aka Billy Elliott, Tintin et Jane Eyre) ou celui de son ami et ex-partenaire (Anthony Mackie qui commence petit à petit à avoir une jolie filmo). Par contre, l’acteur principal est un rien transparent, Ed Harris (Truman Show, The Rock, La Firme, Nixon, The Hours…) n’est pour une fois pas crédible en méchant homme d’affaire et on a du mal à comprendre l’utilité scénaristique de nous montrer les formes (certes plutôt agréables) de la guapita Genesis Rodriguez. Mais malgré ces faiblesses et quelques clichés US un peu lourds, on se laisse quand même facilement emporter donc à vous le vertige pour vous faire votre opinion…

Un film d'Asger Leth avec Sam Worthington, Elizabeth Banks, Jamie Bell (Etats-Unis, 1h42, 2012)

Alexandre Janvier

Macadam à deux voies ****

2012-02-14T20:28:00.001+01:00

Les trésors du Nouvel Hollywood

Un film de Monte Hellman

Dans Macadam à deux voies (Two-lane Blacktop), il y a le conducteur (The Driver, James Taylor) et son mécanicien (The Mechanic, Dennis Wilson). Le conducteur et son mécano traversent l’Amérique dans ce qui restera la quintessence du road movie du Nouvel Hollywood. Ils roulent, toujours vers l’Est, et, pour se payer leur essence, participent à des courses à bord de leur Chevy de 1955… Le mythe de Sisyphe révisité dans le Nouveau Monde ! Au détour d’une station-service, la fille (Laurie Bird) s’installe dans la bagnole… Dans un resto paumé, ils croisent G.T.O (Warren Oates) et se lancent dans une course inutile. Le premier arrivé à Washington remporte la voiture de son concurrent.

Et c’est à peu près tout. Peu importe qui gagne la course. Hellman s’amuse à démonter le moindre enjeu dramatique. Les courses sur les routes perdues de l’Americana n’ont pas de vainqueur. L’amour débutant entre le conducteur et la fille est à peine esquissé. On évite les éventuels conflits entre les flics et nos héros hippies. Aucun mot n’est prononcé plus fort qu’un autre. Aucune bagarre à se mettre sous les yeux… Les conversations laconiques n’évoquent que des compresseurs, des moteurs… G.T.O., lui, embarque des auto-stoppeurs et leur sert un baratin logorrhéique et dispensable qui ne dit rien de lui.

Il y a une réelle jouissance à suivre les pérégrinations de ces deux péquenots. Que de films ficelés d’enjeux téléphonés, que de héros dont le moindre geste n’est exposé à l’écran que s’il a un intérêt pour l’histoire… Macadam nous invite à une expérience extatique durant laquelle on suit des personnages dans le hasard de leur existence. On suit un auto-stoppeur, puis il nous file entre les doigts. Les échanges sont rares, perdus. Le scénario n'évite ni faux-fuyant, ni culs-de-sac. Les ellipses sont hasardeuses et ne servent pas l’intrigue… D’ailleurs, d’intrigue, il n’y en a guère...

Ô temps ! suspends ton vol, et vous, heures propices !
Suspendez votre cours :
Laissez-nous savourer les rapides délices
Des plus beaux de nos jours !

Ces vers de Lamartine me reviennent en mémoire quand je regarde Macadam. Le but d'une œuvre d'art est de suspendre le temps. Le temps s’arrête dans l’épure cinéphilique de Monte Hellman. James Taylor et Dennis Wilson, rock stars de leur état, perdus dans leur unique rôle dramatique, nous tendent le miroir de nos vies routinières et agréables. L'embrasement final de la pellicule (scène à découvrir en urgence!) nous incite à profiter du bien-être issu de la construction besogneuse de notre existence.

Un film de Monte Hellman avec James Taylor, Dennis Wilson, Laurie Bird (Etats-Unis, 1h42, 1972)

Rendons grâce à Carlotta qui a édité une version restaurée de "Macadam à deux voies" (2008). Cette édition reprend une partie des bonus présents sur la version d'origine Criterion. On peut également profiter des lumières de J-B Thoret, volubile et passionnant, dont on sait qu'il tient le présent film comme son road movie préféré.

Pierre Oswald

La Dame de fer

2012-02-14T15:18:00.000+01:00

Un film de Phyllida Lloyd

Intéressant de regarder à quoi ressemble cette Dame de Fer (The Iron Lady) quelque semaines après la sortie de J.Edgar. Car en fin de compte, même si la comparaison n’est même pas envisageable, il s’agit de deux personnalités fortes et complexes, aussi anti communistes l’une que l’autre, aussi discutées, disputées par l’opinion. Eastwood comme Phyllida Lloyd (Mama Mia) ont choisi de réaliser un portrait en ouvrant sur le crépuscule de la vie et par l’intrusion ultra classique de flashbacks censées à la fois revenir sur certains événements politiques marquants l’ascension et réussir quelques tours de passe-passe psychologiques pour éclairer une individualité pour le moins ambiguë. Dans le cas de la Dame de fer, il s’agirait presque, par quelques simplifications psychologiques jamais totalement assumées, de justifier telle ou telle action.

Mais alors qu’un excès de pudeur chez Eastwood, associé à un systématisme du clair obscur faisait de son biopic une réflexion fantomatique et crépusculaire sur les vrais et faux mythes américains, la réalisatrice tente, quant à elle, de donner du punch à son script conventionnel par le biais d’une mise en scène académique, pompière et surtout totalement incohérente. Ce qui fait de cette Dame De fer un film mal fichu, assez hideux, partagé entre ce qu’il voudrait dire et ce qu’il se doit d’énoncer.

Là où Eastwood révélait des prétentions humanistes, cherchant (peut être en vain) à retrouver l’homme derrière les actes, la cinéaste se montre presque obscène, incapable d’empathie pour l’individu. Seule l’animal médiatique l’intéresse. Seule la personnalité sur laquelle on tente de concentrer un discours politique la passionne. Il n’est qu’à voir la manière dont elle dirige Meryl Streep dans la vieillesse, la façon dont elle la montre cernée par ses démons et ses erreurs passées. Incapable d’aborder le grand âge avec sensibilité et douceur, la cinéaste isole la vieillesse et la sénilité qui rôdent comme dans un pure thriller spectaculaire et gesticulant, avec plans tabulés et utilisation peu parcimonieuse du son. On a l’impression que comme il devait être écrit sur le script « Thatcher est cernée par ses démons », elle l’a prit au pied de la lettre et a décidé de le filmer comme un film d’horreur.

Si la grande comédienne n’est pas toujours d’une subtilité à toute épreuve quand elle déambule frénétiquement dans sa grande maison, elle réussit parfois à donner chair, consistance et surtout profondeur à son personnage de papier sur laquelle il s’agit de projeter une forme de propagande idéologique qui prône une politique réformiste et libérale. Si Meryl Streep compose par ailleurs une partition spectaculaire et digne d’admiration, elle reste tout de même cantonnée à un pure numéro de music hall parfois risible. Cela tient sans doute au fait les anglo-saxons pensent qu’en tentant d’imiter au plus près une personnalité vivante, on réussit à lui rendre une certaine vérité. Mais on peut également penser qu’à force de vouloir coller au vrai, faire du jeu purement réaliste, on ne fait qu’exposer à l’écran les différences entre le modèle et l’acteur qui le joue.

Sur le plan historique, La Dame de fer n’est pas totalement dénué d’intérêts. Ainsi, on voit émerger avec Thatcher un nouveau règne fondé sur la communication. L’ambitieuse politicienne apprend à se vêtir, à faire connaître son caractère inflexible au point même de rester prisonnière de son personnage médiatique. Le film évoque, par aléas de séquences malheureusement mal montées entre elles, les heurts entre travaillistes et conservateurs, l’IRA, l’épisode des Malouines, des différentes réformes jusqu’à la chute du rideau de fer.

L’évocation de quelques défauts, quelques tares tient de la pure hypocrisie. Car, comme si elle est, comme le pense son époux, aussi ambitieuse que n’importe lequel de ses ennemis, ce carriérisme ne fait que justifier sa politique inflexible. De la même manière, ce qu’elle perd dans sa vie privée ne fait en fin de compte que servir le Royaume. Les erreurs personnelles de Thatcher ne trahissent pas, comme chez Eastwood, un regard compatissant sur les souffrances d’un homme parvenu au bout de son règne. Elles sont assujetties à un discours politique.

A coup de flashbacks formellement incohérents, aux allures de spots horrifiques parfois à la limite du ridicule, la vie défile au service d’un programme où sont évacués certains événements plutôt que d’autres. La misère anglaise est ainsi totalement hors champs. L’impopularité de la politicienne est presque ignorée ou alors suggérée au détour de très courtes séquences ambivalentes. On y voit des ouvriers l’insulter dans sa voiture. Mais la violence dont ils font preuve est si outrancière, filmée avec tant de grandiloquence, qu’elle effraye et rend le monde d’en face malfaisant et inquiétant.

Le film ne réussit donc jamais à se défaire de ce qu’il doit démontrer : l’histoire extraordinaire d’une brave fille du peuple qui, à force d’enthousiasme, de conviction et de panache, a réussi à se hisser aux plus hautes strates d’une société phallocratique. Une femme qui a tellement dû se battre pour réussir à aller au bout de ses réformes qu’elle est restée enfermée dans ses certitudes, étanche aux autres, perdant même peu à peu l’amitié de ses proches. Une femme qui, parvenue au bout de son existence, reste hantée par ses échecs personnels mais dont les sacrifices ont servi le Royaume Uni.

Ce scénario de biopic conventionnel, La Dame de fer ne s’en défait jamais. Si bien que la cinéaste cherche par tous les moyens à lui donner une forme de cinéma halluciné comme pour lui justifier une place sur grand écran plutôt que dans la petite lucarne. Comme si la réalisation, sans harmonie, sans réflexion, sans cohérence de style, cherchait à ne pas faire voir ce que le film ne fait que dérouler : un soutien inflexible dans une politique particulière, la croyance en une idéologie précise. Et surtout faire de Thatcher, ce personnage il est vrai fascinant, un modèle d’action et de pugnacité.

En restant volontairement prisonnier du strict point de vue de son personnage, le film ne propose aucune alternative à ce qu’il montre. Quand survient la fin où, en quelques phrases, on nous rappelle la grandeur absolue du règne de Thatcher, on se dit que finalement les producteurs ont réussi leur mystification : faire une œuvre autocentrée, faisant fi des avis extérieurs, pétrie de certitudes et incapable d’écouter ses critiques. Les auteurs ont bel et bien engendré un film qui ressemble à son personnage titre.

Date de sortie en France et en Belgique : 15/02/2012

Un film de Phyllida Lloyd avec Meryl Streep, Jim Broadbent, Susan Brown (Grande-Bretagne, 1h44, 2012)

Frédéric Mercier

Culte : Les Prédateurs

2012-02-13T17:35:00.000+01:00

Un film de Tony Scott

C'est avec Les Prédateurs (The Hunger - 1983) de Tony Scott (premier film du petit frère de Ridley) qu'on entame notre nouvelle rubrique des films cultes. Qu'est-ce qu'un film culte me direz-vous ? Je le définirai par un film pour lequel on a une affection débordante et subjective dont les racines sont souvent psychologiques.

Me prêtant à un petit exercice assez facile à faire, je me suis demandé quel était le film que j'avais vu le plus souvent et qui ne m'avait jamais lassé, vers lequel je pouvais toujours revenir, nanti d'une extrême complaisance et d'une tolérance presque naïve. Ce film c'est Les Prédateurs de Tony Scott. Raillé à sa sortie par la critique et boudé par le public, le conte funèbre narrant la déliquescence du sentiment amoureux dans un couple de vampires a été à l'époque un flop commercial singulier. Ce n'est qu'avec le temps qu'on a bien voulu reconnaître à son esthétique léchée, sa musique hétérogène et son casting incroyable, les qualités qu'ils méritaient.

Voilà une quinzaine d'années que je me demande ce qui me fascine dans ce film. C'est presque le seul film que j'ai aimé de Tony Scott et c'est d'après moi son meilleur jusqu'à aujourd'hui. Le long métrage est découpé en deux parties. La première plante le décor, Miriam Blaylock (Catherine Deneuve) et John Blaylock (David Bowie) sont deux vampires vivant à New-York. Elle l'a transformé il y a plus de 300 ans, elle en a plus de 4000. La scène d'introduction nous plonge dans une boîte de nuit à la décharge sonore et visuelle bleu électrique. Dans un cage, le groupe de rock Bauhaus entonne un air, Bela Lugosi's dead ! Le montage épileptique chavire le spectateur entre plusieurs réalités, celle du concert dans la boîte de nuit gothique où le couple Blaylock est allé chercher des proies pour se sustenter, celle quelques heures plus tard où ils saignent leurs victimes dans des simulations d'actes érotiques et enfin celle d'une analogie entre le chanteur enfermé dans une cage de représentation scénique et celle d'un singe dans un laboratoire qui se met à dévorer son congénère. La musique battant le rythme entre les cris, les hurlements, les sons amplifiés du concert et les orgasmes meurtriers du couple Blaylock. Un sommet du genre !

On s'aperçoit tout de suite que Tony Scott emprunte à son frère les codes visuels d'un formalisme poussé à l'extrême où l'image dépasse par son symbolisme la fonction de narration initialement déchue au scénario (ici assez mince il faut bien le reconnaître).

Tout est question de mouvements, travellings lents, zooms sensibles, montage déchaîné, pour associer deux rythmes en un seul et même film. Aux explosions visuelles se substituent de délicats morceaux de musique classique où l'harmonie du couple fait encore illusion. Les rideaux blancs volent dans les pièces animés par un faible courant d'air, reliquat d'espérance, ces rideaux qui entoureront le lit à baldaquin de la célèbre scène saphique entre Catherine Deneuve et Susan Sarandon.

Tony Scott continue de mêler ces deux atmosphères pour diffuser un mélange des genres. Seul point commun entre toutes les scènes, ces lignes dans le décor, grilles de la cage du concert, barreaux des fenêtres, lignes horizontales des stores dans de nombreuses pièces, carreaux de la cabine téléphonique, lignes de la captation de la caméra de vidéo-surveillance. Fil rouge quelque peu indéchiffrable mais qui souligne une identité visuelle constante et obsessionnelle. Je vous laisse le soin de la métaphore de la cage. Vian n'écrit-il pas dans son poème la vie en rouge : On est élevé dans des cages, on vit en mâchant des morceaux, des seins arrachés en saignant, qu’on accroche au bord des berceaux, on a du sang sur tout le corps, et comme on n’aime pas le voir, on fait couler celui des autres..."

Les Prédateurs n'est pas qu'un film de vampires. C'est un conte sur l'amour multipliant les pistes d'interprétation. A chaque scène, chaque plan, se substitue une interprétation plus ou moins évidente. Le couple de vampire interprété par Catherine Deneuve, sublime de froideur, et David Bowie, condamné à dépérir par manque d'amour, peut évidemment être vu comme la traduction de la fin du couple mais également comme l'apparition du virus du sida. Cette dégénérescence foudroyante à laquelle est confrontée le personnage de Bowie est en effet très proche de la vision qu'on pouvait, aux débuts du virus, se faire de la maladie essentiellement transmise par le sang et le sexe. Le meurtre de la jeune étudiante a des allures de pulsion pédophile, celle de Bowie vieillard dans les bras de Deneuve de délire gérontophile. Scott ne se pose de brides et de règles que formelles, la teneur narrative du film et ses pistes d'interprétation sont libres et libérées. Au point évidemment de choquer.

La deuxième partie du film voit Miriam Blaylock se rapprocher du médecin spécialiste du vieillissement joué par Susan Sarandon. Miriam, personnage calculateur, veut retrouver une partenaire et après l'avoir attirée dans son lit où Scott nous filme une scène de sexe comme si c'était un film érotique des années 90, elle la transforme en buvant son sang. Petite junkie perdue dans les rues de Manhattan, Sarandon revient chez son dealer pour boire et apaiser son manque. La drogue complète dès lors le tableau noir des analogies dépressives de l'époque.

Le final proche d'un film d'horreur série B voit Miriam prisonnière d'un passé qui ressurgit et la condamne à une mort éternelle. Cette fin se distingue nettement de la nouvelle dont le film est adapté, Les Prédateurs de Whitley Strieber. Les producteurs estimaient que le personnage joué par Deneuve devait être puni. Tony Scott n'a pu prétendre au Final Cut, il n'avait déjà été qu'un substitut, les studios ayant cherché à s'attacher d'abord les services d'Alan Parker qui venait de réaliser The Wall. Ils se sont rabattus sur ce petit réal venu du monde de la pub. Trois ans après il signait Top Gun.

Pardonnez-moi de ne point noter ce film, j'en serais bien incapable. Les films cultes par définition parlent à l'âme plus qu'à la raison. Je reste profondément attiré par ce mélange des genres, ces métaphores grossières, ces tics esthétiques, ces musiques anachroniques, cet érotisme léger, cette rencontre presque sacrée entre Bowie et Deneuve, ces dialogues pauvres portés par les visages angéliques de Sarandon, Dafoe, ce talent de mise en scène déjà clipesque où la musique s'accouple dans un bain de sang à la froideur de la photographie avant que celle-ci plus chaude n'autorise les corps nus de Deneuve et Sarandon à échanger leurs sangs idéalisant comme deux adolescentes les chimères d'un amour éternel. Je viens de le revoir pour la quinzième fois et je ne m'en lasse pas.

Un film de Tony Scott avec Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon (Etats-Unis, 1h40, 1983)

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Cyrille Falisse

Go Go Tales **

2012-02-13T13:29:00.002+01:00

Un film d'Abel Ferrara

Est-ce parce qu'il est anecdotique ou carrément trop personnel que Go Go Tales d'Abel Ferrara est resté cinq ans dans les tiroirs avant d'être enfin distribué ? Il y a en effet de fortes chances que le film ne trouve pas son public, adepte des ambiances sombres à la Bad lieutenant, The King of New-York ou Nos funérailles. Première comédie burlesque pour Ferrara qui à travers une nuit dans un club de gogo danseuses parvient à parler de son rapport au cinéma teinté de souvenirs et de formes du passé.

Le Paradise est un club chicos où des filles sublimes venues des quatre coins du monde dansent devant des clients en quête de rêve et de fantasme. Comment ne pas voir là la métaphore cabaret de notre rapport au cinéma, les foules assises dans la salle de cinéma se déplacent également pour une dose de rêve qu'ils ne peuvent pas toucher. L'ordre est clair et limpide dans le Paradise, on ne touche pas les filles, on regarde mais on ne touche pas. Ce sera toujours la même chose pour le cinéma, une forme de réalité qu'on ne peut appréhender, promise à nous mais qui continue immanquablement de nous échapper. Et pourtant c'est cette promesse que l'on paie.

Abel Ferrara se moque-t-il du cinéma et des spectateurs ? Pas vraiment, c'est de l'art du spectacle qu'il parle aussi plus généralement, du point de vue des artistes. Dans ce microcosme du club de strip-tease où la caméra se faufile dans les couloirs, dans les bureaux, dans les coulisses et jusqu'à l'entrée extérieure masquée derrière une porte austère, on découvre une foule de personnalités et de figures du cinéma new-yorkais qui se frottent à l'émergence d'une nouvelle réalité. A côté des vieux parrains et de leurs sbires, des patrons de bar, des videurs italiens et des propriétaires octogénaires véritables lampadaires de maquillage et de bijoux, débarquent des cars de chinois, assurant un tour de la ville et terminant assis dans des fauteuils les yeux rivés sur des paires de fesses rondes.

Formellement c'est une mise en scène réjouissante parce que tenue par une unité de lieu assez fascinante. La caméra si elle descend les quelques marches qui séparent la porte d'entrée du trottoir, ne s'en écarte jamais de plus d'un mètre et rentre sagement à l'intérieur de la machine artistique.

Go Go Tales c'est l'histoire d'un monde fermé sur lui-même, criblé de dettes, qui ne s'ouvre au regard que par le prisme d'un trou de serrure. Un monde presque condamné maintenu par la passion d'un homme, le patron des lieux interprété par William Dafoe. Véritable présentateur du spectacle, il nie la vérité, celle qui voit son club au bord de l'écroulement. Et s'il n'y avait pas la chance pour lui sourire et lui redonner de l'énergie, il serait jeté aux orties alors qu'il est finalement porté aux nues. Parce que comme partout, la seule chose qui anime cette industrie du rêve c'est le profit, l'argent est sur toutes les lèvres. Sur celles du comptable et du patron, sur celles de la propriétaire, sur celles du frère mécène qui menace de couper les valves, sur celles enfin de ces danseuses qui rêvent d'autres carrières, faites de doux songes cinématographiques.

Les analogies et les métaphores sont légions comme cet élan de retour aux valeurs du passé, quand le jeudi soir, le club aux formes nues se mue en cabaret de représentations old school où les talents espèrent susciter la curiosité d'éventuels agents. Les hommes et les femmes vivant des vies pour en désirer d'autres.

Si les clins d'yeux multiples, les références et le méta-langage cinématographique de Go Go Tales peuvent amuser certains, il en laissera pas mal sur le perron du club. Atterrés sans doute de voir que l'on fait un film aussi creux, n'achevant pas la trajectoire d'un point à un autre mais se perdant au milieu même de l'idée qu'il essayait de dégager. Baladant sa caméra tous azimuts, Ferrara a sans doute confié les clés des dialogues à l'improvisation de ses acteurs. C'est parfois douloureux, théâtral, exagéré, faux. Tout est en réalité dans la perte de contrôle, dans cette façon de lâcher la bride. Bob Hoskins hantant le bar, Matthew Modine les coulisses, William Dafoe le bureau et la scène, tout autour interchangeables et flanquées de noms d'emprunts les danseuses passent et repassent devant la caméra, fesses, hanches, seins, jambes, l'art de la fumée, oripeaux séducteurs, tous s'agitant dans un seul but, faire cracher ses billets paradise au car de touristes chinois.

Critique acerbe et caustique du monde du cinéma, Go Go Tales ne parvient toutefois pas à dépasser son sujet, restant enfermé sur son propre délire narcissique presque ennuyeux, perdant parfois le fil de son sujet, débobiné aux quatre coins du club, caché comme ce ticket gagnant qui échappe aux décideurs, ce ticket ou cette clé des recettes, la définition de l'alchimie qui fait d'un film une rencontre et pas une réalité transformée par la caméra.

Un film d'Abel Ferrara avec William Dafoe, Bob Hoskins, Matthew Modine (Etats-Unis, 1h45, 2008)

Cyrille Falisse

Le Mépris *****

2012-02-12T09:51:00.000+01:00

Cycle années 60

Un film de Jean-Luc Godard

Le film filme le film. Une voix entonne d’un air mélancolique, la distribution du métrage. La musique de Georges Delerue – certainement l’une des plus belles partitions écrites pour le cinéma – sublime la passivité de cette scène d’ouverture. Dès lors, l’émotion est palpable. En quelques mètres de pellicule, Godard nous a plongé dans son univers duquel on ne peut que sortir l’intellect pétillant et les larmes aux yeux. En effet, Godard fait partie de ces trop rares cinéastes qui arrivent à amener une émotion purement cinématographique tout en gardant le recul nécessaire à la compréhension de son matériau qu’il triture avec tant de génie.

La scène suivante, tout le monde la connaît, tout le monde l’a vue ou entendue. Brigitte Bardot nue, allongée dans un lit nappé de bleu, de blanc, de rouge, de sentiments, demande à son mari s’il l’aime. Question à laquelle Piccoli répond avec les mots et la poésie de Godard : « Je t’aime totalement, tendrement, tragiquement ».
Alors Le mépris, c’est quoi ? C’est un monument du cinéma. Un chef d’œuvre impérissable. C’est un régal de cinéphile. Un poème presque rimbaldien. Une réflexion sur le cinéma, sur la vie, la mort, l’amour. C’est l’histoire de Paul Javal (Michel Piccoli) scénariste, dont le couple va être mis à mal par la vie, par un incident anodin, par le monde du cinéma qui pourrit jusqu’aux hommes les plus intègres.

Michel Piccoli a le don de bouleverser d’un regard, d’une parole. Tandis que l’image de sa compagne aux initiales B.B. est magnifiquement utilisée par J-L G pour sa mine boudeuse et ses chevilles, ses jambes, ses cheveux, ses fesses, ses seins, que l’on aime… ou qui énervent. Elle est statufiée au même titre que les déesses de l’olympe filmées avec tant de grandiloquence à travers les yeux du cinéaste suisse. Dans cette idée Godard associe chacun des ses personnages aux dieux grecques tissant ainsi un lien entre son film et l’odyssée que Lang met en scène. Sublime mise en abîme du 7ème art.

Le film est aussi une satire du cinéma et des concessions artistiques qu’il comporte. Cinéma qui selon l’optimisme légendaire du cinéaste court droit à sa chute. L’histoire prouvera qu’il jouira d’encore quelques années de répit. En effet, Godard, par ses cadrages, insère une réflexion sur la télévision et se moque ouvertement des producteurs et de leurs lubies financières. Il se met dans la peau du personnage de Fritz Lang, cinéaste, capable de tous les sacrifices pour sauver l’intégrité artistique de son œuvre. Le réalisateur intègre aussi dans son film une réflexion sur les fantaisies imposées par la production. On se souvient de la colère des producteurs américains à la vue du final cut de Godard ne contenant aucune scène de nu, malgré la présence de Bardot au casting. En réponse à cela, le metteur en scène tournera de nouvelles scènes qu’il glissera au début, au milieu et à la fin du métrage, comme un doigt tendu à tous les financiers de cet art des plus contradictoires. On peut y voir une déclaration d’amour aux cinéastes qui ont influencés la carrière du « jeune turc » suisse : Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Nicholas Ray… Ces grands noms qui ont su concilier leur intégrité artistique et les demandes des studios.

Certaines scènes - à l’esthétique renversante par leur géométrie et le travail sur les couleurs de Raoul Coutard – ont marqué le cinéma à jamais. On pense entre autre à un véritable ballet de sentiments dans un appartement à la déco minimaliste. Les acteurs y dansent avec leur corps comme avec les mots de Godard. Par impossibilité d’habiter le même cadre, ils se fuient à travers les pièces et traversent les portes sans fenêtres. Le réalisateur brille par son utilisation de l’espace et de la géométrie du plan. Les lignes tracées ne sont jamais droites. Comme si les chemins amoureux ne pouvaient que se croiser puis se séparer. Etre ascendants ou descendants mais jamais constants. Jusqu’à une dernière descente interminable, chute du couple, puis plongeon métaphorique dans la mer immense et ses infinies possibilités.

Alors Le mépris, c’est quoi ? C’est un film sur le désir amoureux qui s’efface avec le temps. Sur le besoin qu’à l’artiste de créer et ce sans concession. Mais c’est surtout une fuite en avant d’un couple qui court à l’oubli. C’est le mépris d’un homme et d’une femme en proie aux doutes de la vie… puis aux changements. Le mépris c’est l’état d’instabilité permanent des sentiments.

Un film de Jean-Luc Godard avec Brigitte Bardot, Michel Piccoli, Fritz Lang (France, 1h43, 1963)

Scène d'ouverture du Mépris

Lucien Halflants

Devil Inside

2012-02-11T16:57:00.000+01:00

Un film de William Brent Bell

Dire que je n’allais pas voir ce film avec enthousiasme eut été un euphémisme. Certes il existe des films dit d’épouvante qui m’ont amené au frisson. Ceux dont l’horreur vous retourne de l’intérieur comme par un acte de révolte philosophique voir politique. Mais je ne suis généralement pas très client de ce cinéma dont la démarche m’est toujours incomprise. Devil Inside n’a fait que confirmer mon horreur du genre. Alors, amateur du frisson gratuit (une gratuité à près de 10 euros tout de même), veuillez d'emblée me pardonner mon intolérance pour le genre et précipitez-vous dans la salle la plus proche. Peut-être y trouverez vous l’angoisse attendue. Ce ne fut pas mon cas.

Je n’ai hélas pu trouver dans ce film qu’un enchainement de tableaux superflus annonçant un avancement dans le temps. Avancement dans une histoire boiteuse contant la quête de vérité d’une jeune femme à propos de l’éventuelle possession diabolique de sa mère. Pour ce faire elle partira - armée d’une caméra - avec deux exorcistes aux méthodes expéditives dans un asile romain, au Vatican plus précisément.

Filmé et monté façon amateur – comme avait pu le faire imparfaitement mais avec brio des films comme Cloverfield ou The Blair Witch Project – le film se perd dans une pâle imitation de ses pairs et prouve encore une fois, si besoin était, que ce sous-genre cinématographique hurle son chant de cygne depuis quelques années déjà. Si les innombrables sauts d’axe et les cadrages maladroits se justifiaient dans les films mettant en scène des étudiants ou des amateurs de l’image, dans Devil Inside le cadreur (possédant une carte presse) se devrait tout de même de connaître les bases du montage et savoir un minimum placer sa caméra. Les défauts formels du film se barricadent sans cesse derrière un style usé jusqu’à la corde qui ne le justifie en rien.

Après plusieurs minutes de projection, il est normal de se trouver face à une image sombre de laquelle on ne distingue que vaguement les silhouettes. Evitez-vous bien des encombrements en ne vous plaignant pas au projectionniste au sortir de la salle. Le pauvre bougre n’y est pour rien.

L’atout principal du cinéma d’horreur est souvent de pousser le spectateur à pénétrer dans un univers fantastique malsain et dérangeant où les surprises fantasmagoriques ont pour but de le faire trembler. Mais l’aspect « Emission de télé » mal géré du film ronge de l’intérieur l’éventuelle substance de ce dernier et laisse le spectateur en dehors d’un univers ne proposant ni l’ambiance, ni le fond nécessaire au propos.

Une question idéologique s’est posée à moi (comme quoi … ) Pourquoi sont-ce toujours les femmes qui accueillent le diable en elles ? On peut y voir un message misogyne certainement (je l’espère) incontrôlé. Enfin, l’éventuelle malaise qui pourrait s’immiscer chez les spectateurs les plus sensibles est constamment cassé dans l’œuf par les panneaux d’une inutilité absolue ainsi que par les scènes horrifiques trop courtes pour gêner et trop longues pour amener un quelconque suspense.

Aujourd’hui, j’ose encore croire que le cinéma donne plus à voir et à penser que ces satanés films à l’imagerie poisseuse où la vision du monde s’est effacée aux profits de quelques sursauts horrifiques. Bref, ce Rec du pauvre s‘étouffe avec sa propre queue fourchue au bout de quelques minutes seulement. Alors, si le diable est quelque part à l’intérieur de ce film, ce n’est sûrement pas en ses qualités de fauteur de trouble.

Date de sortie en France : 22/02/2012

Un film de William Brent Bell avec Fernanda Andrade, Simon Quaterman, Evan Helmuth (Etats-Unis, 1h23, 2012)

Lucien Halflants

Jeu Concours : Real Steel et Fright Night

2012-02-11T09:42:00.000+01:00

A l'occasion de la sortie en DVD/Blu-ray des films Real Steel et Fright Night, Le passeur critique est heureux de vous offrir des goodies des films. Real Steel et Fright Night seront disponibles en DVD/Blu-Ray dès le 22 février.

En participant à ce concours, vous pourrez remporter : 10 kits dents de vampires Fright Night ou 2 planches collector de stickers Real Steel !

Pour participer et avoir une chance de remporter l'un de ses prix rien de plus simple, il vous suffit de nous envoyer un email à l'adresse suivante passeur critique (il vous faut cliquer sur les deux mots passeur critique pour être redirigé) en mentionnant dans l'objet du mail CONCOURS REAL STEEL-FRIGHT NIGHT ainsi que vos NOM, PRENOM et ADRESSE POSTALE afin que l'on puisse vous envoyer vos lots. Vous avez jusqu'au 25 février minuit pour participer. Les gagnants seront désignés par tirage au sort !

Le concours n'est ouvert qu'aux personnes résidant en France métropolitaine.

Pitch Real Steel : Dans un futur proche, la boxe a évolué pour devenir un sport high-tech. Charlie Kenton, un ancien boxeur, a perdu toute chance de remporter le championnat depuis que les humains ont été remplacés sur le ring par des robots d’acier de 900 kilos et de 2,40 m de haut. A présent, il n’est plus qu’un manager minable qui utilise des robots bas de gamme fabriqués à partir de pièces de récupération. Il gagne juste assez pour survivre d’un combat à l’autre. Lorsque Charlie touche le fond, il accepte à contrecœur de faire équipe avec son fils Max, qu’il a perdu de vue depuis des années, pour construire et entraîner un champion. Dans l’arène où tous les coups sont permis, les enjeux sont plus élevés qu’ils ne l’ont jamais été. Contre toute attente, Charlie et Max ont une chance, une seule, de faire leur grand retour…

Pitch Fright Night : Charlie Brewster est au top : élève de terminale parmi les plus populaires, il sort en plus avec la plus jolie fille du lycée. Il est tellement cool qu’il méprise même son meilleur pote, Ed. Mais les problèmes vont arriver avec son nouveau voisin, Jerry. Sous les dehors d’un homme charmant, il y a chez lui quelque chose qui cloche. À part Charlie, personne ne s’en rend compte, et surtout pas sa mère. Après l’avoir observé, Charlie en vient à l’inévitable conclusion que son voisin est un vampire qui s’attaque à leur quartier… Bien sûr, personne ne croit le jeune homme, qui se retrouve seul pour découvrir d’urgence un moyen de se débarrasser du monstre…

Bonne chance à tous

Target *

2012-02-10T17:30:00.000+01:00

Un film de McG

McG, réalisateur à succès (commercial) de We are Marshall et de Terminator Renaissance se fit surtout connaître via les 2 volets de Charlie’s angels flanqué du trio de charme Lucy Liu, Drew Barrymore et Cameron Diaz. Avec Target (This Means War), il nous revient avec un opus de la même veine, sauf que cette fois, les bombasses sont des bombards. Et surtout ils ne sont plus que 2 (problème de budget ??? C’est la crise pour tout le monde, ma petite dame)… Non ne soyons pas mauvaise langue, le scénario nous montrera qu’il fallait une dualité). Bref, on est dès la première scène plongés dans le milieu des agents secrets et nos 2 héros Tuck (Tom Hardy) et Frank (Chris Pine) rivalisent de brio quand il s’agit de tuer du mauvais bougre. Comble de chance, ils sont copains comme cochons et sont même syncros jusque dans leurs déboires amoureux…

Entre alors en scène une autre désespérée de l’amour (Lauren interprétée par Reese Witherspoon dont la filmographie a surtout été relevée grâce à Walk the line sur la vie de Johnny Cash et à l'affiche aussi du récent De l'eau pour les éléphants) qui tente de se remettre de sa récente rupture en suivant les conseils de sa meilleure amie, c'est-à-dire : chercher le prince charmant certes, mais en profitant des joies du batifolage. Par un concours de circonstance plutôt heureux, elle qui avait du mal à trouver un seul mec bien va à 10 minutes d’intervalle en alpaguer 2. Et vous l’aurez compris, ce sont nos 2 apollons. Commence alors une compétition entre d’une part, le colosse anglais aux tatouages bâti comme un ours mais romantique comme pas 2 (Tom Hardy, plutôt chouquinou, qu’on avait aperçu dans un des seconds rôles d’Inception et dans Warrior ou encore le récent La Taupe) et d’autre part le playboy US, mâchoire carrée (Chris Pine récemment vu dans Unstoppable de Tony Scott) roi de la night californienne aux yeux bleus immenses (mais bovins…). On assiste dès lors à un duel à distance entre les 2 agents secrets qui usent et abusent de tous les gadgets de l’observation clandestine pour séduire la blondinette. L’enjeu étant jusqu’à la fin de savoir qui utilisera au mieux le Patriot Act pour arriver à ses fins et remporter les lauriers.

Autant dire d’emblée que cette histoire de triangle amoureux m’a assez peu convaincu, tant pour l’enfonçage quasi permanent de portes ouvertes que pour les tentatives d’humour à la limite de la surcharge pondérale pour ne pas dire lourdes (le seul moment où j’ai failli rire, c’est quand ma charmante voisine s'est étalée dans le noir en revenant des WC…). C’est entre la parodie d’un James Bond par les scènes de baston ou de poursuite et la comédie romantique, sorte de Jules et Jim du pauvre avec des clichés sur l’amour assez surprenants (On peut par exemple s’étonner que l’Anglais emmène la donzelle faire du trapèze au premier rendez-vous…). Les amateurs du genre (?) apprécieront quant à eux le rythme certes soutenu des mauvais coups que les protagonistes se font et les quelques jolis plans architecturo-design de Los Angeles la solaire. Mais hormis ça, franchement pas de quoi révolutionner le rock n roll. McG fera sûrement ses entrées parce que, malgré tout y a un public pour, mais j’avoue qu’on peut aisément s’en passer…

Date de sortie en France : 14/03/2012

Un film de McG avec Reese Witherspoon, Chris Pine, Tom Hardy (Etats-Unis, 1h40, 2012)

Alexandre Janvier

Pink Floyd live at Pompeii ****

2012-02-10T13:57:00.001+01:00

Un film d'Adrian Maben

Le Live at Pompeii est bien plus qu‘une simple captation d’un concert du Floyd. Maden, futur réalisateur de documentaires consacrés à, entre autres, Magritte et Mao, adopte un vrai point de vue de cinéaste pour mettre en images la musique psychédélique et planante du mythique quatuor.

Le film démarre sur fond noir. La musique lancinante et métronomique remplit l’espace pour laisser la place à des vues bancales en contre plongé des vestiges de Pompéi. Puis, plan fixe sur l’amphithéâtre. La majesté des lieux est impressionnante. Décor lunaire et antique… Petit à petit la scène se construit. Le gong s’avance, les techniciens, plus acteurs que roadies, montent le décor. Puis le miracle commence. Quelques notes de pianos, annonçant le sublime « Echoes », jouées par Waters et amplifiées par Wright, permettent à la caméra de s’approcher. Le zoom, long et patient, décrit une scène fascinante. L’amphithéâtre est complètement vide. L’espace est seulement occupé par l’équipe de tournage, assise calmement sur des chaises pliantes, au milieu de l’immense arène, assistant à un concert d’un des plus grands groupes du monde. L’osmose est totale entre le cinéaste, ses acteurs-musiciens et son équipe. Les techniciens, les cameramen, les preneurs de son sont dans le cadre et sont à la fois faiseurs et acteurs du spectacle. Pas question ici de cacher les caméras, les rails de travelling… Tout participe, au même titre que la musique, aux émotions ressenties par le spectateur.

On n’a jamais insisté sur le montage exceptionnel du Live at Pompeii. Après 6 minutes, lorsque Mason commence à labourer ses fûts, des statues antiques se dessinent. Puis ce sont les visages de Gilmour et Wright qui apparaissent à l’abordage de leur micro Sennheiser. On les aperçoit ensuite tous les quatre arpentant l’Etna dans une obscurité angoissante et fumeuse. Lors du premier solo de Gilmour, un split-screen dévoile son jeu ensorcelant. Et lorsque c’est au tour de Waters de malmener sa basse, un magnifique et lent mouvement de travelling s’amorce non pas devant le groupe, mais derrière. Se dévoilent alors les amplis sobrement siglés « PINK FLOYD LONDON » et la caméra imposante braquée sur Waters. Moment extraordinaire, lorsqu'elle arrive au bout du rail, une autre nous fait découvrir les trois hommes responsables de ce voyage…

« A saucerful of secrets » est un autre moment d’anthologie. Waters est au centre de la première partie, dissonante et agressive. Les gros plans se succèdent. On le suit maltraitant les percussions pour se diriger ensuite vers le gong qu’il frappe en contre-jour. C’est Gilmour qui prend les rênes de la deuxième partie dans ce qui reste un des moments musicaux les plus épiques et divins de la carrière du groupe. Tout en zoom, en plans larges et en travelling, la complainte du guitariste n’en est que plus poignante…

On le sait, seuls trois morceaux ont été captés à Pompéi. Manque de temps et d’électricité… Les morceaux restants furent filmés en studio à Paris quelques mois plus tard et pâtissent malheureusement d’un montage un peu maladroit. En 2003, un « Director’s Cut » est sorti et comprend des interviews et des (fausses) séances d’enregistrement de « Dark Side of the Moon » (l’album était déjà enregistré et nos quatre compères ont dû rejouer certaines parties).

Exemple inégalé de communion entre musique et image, entre musiciens et techniciens, le « Live at Pompeii » a posé les bases du spectacle total. La même année, la collaboration avec le ballet Roland Petit enfoncera le clou. Mais les barrières entre les arts se sont relevées et aujourd’hui, des expériences similaires sont malheureusement trop rares…

Un film d'Adrian Maben avec Roger Waters, Richard Wright, David Gilmour et Nick Mason (1973, 1h32)

Director's cut

Pierre Oswald

Martha Marcy May Marlene **

2012-02-09T16:20:00.001+01:00

Un film de Sean Durkin

De Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin, on retiendra surtout le sublime visage mélancolique d'Elizabteh Olsen, petite soeur d'Ashley et Mary Kate Olsen les jumelles. Cherchant à comprendre le retour à la vie après un passage dans un secte, le réalisateur a su imprimer à son récit la gravité et l'atmosphère vaporeuse de la paranoïa qui frappe les rescapés de l'emprisonnement mental. Petit film indépendant monté et mis en scène avec raffinement, il s'attache davantage à relater le trouble psychologique de Martha (Elizabeth Olsen) que les circonstances qui peuvent amener une personne à entrer dans une secte.

C'est quand elle se libère de sa bulle démagogique qu'on rencontre Martha, suspendue au cornet d'une cabine téléphonique implorant, sans parvenir à le formuler, un appel à l'aide. Sa soeur la ramène à la maison ignorant tout de ce qu'elle a vécu pendant les deux années qui ont précédé. Martha qui développe une forme avancée de délire schizophrénique n'est pas capable de revenir sur son passé récent à l'aide de la parole. Le réalisateur découpe alors son film de manière assez subtile pour faire rebondir une image du présent avec sa continuité physique ou filmique dans le passé. On passe donc d'une conversation dans la villa cossue en bord de lac chez la soeur de Martha à une autre plus ancienne dans la ferme où elle vivait avec d'autres jeunes sous la coupole malveillante du gourou local interprété par le toujours charismatique John Hawkes (Winter's Bone) et cela sans aucun plan de coupe. John Hawkes qui nous gratifie d'ailleurs d'une chanson frappée à la gratte de toute beauté.

Cette maîtrise de la fausse linéarité du récit est d'un point de vue formel assez réussi. Au rang des réussites visuelles, on peut ajouter la photographie qui par manque de moyens sans doute n'a pas toujours bénéficié d'un éclairage académique et qui a finalement accouché d'une image au grain imposant et à la couleur désaturée. Durkin construit son histoire autant sur les souvenirs de Martha (qui prouvent que les jeunes embrigadés dans des sectes finissent par devenir eux-mêmes vecteurs de la parole du gourou et rabatteur pour d'autres âmes perdues) que sur l'opposition de celle-ci avec la vie bourgeoise, matérialiste et guidée par l'argent de sa soeur et son beau-frère.

S'il excelle à capter la détresse d'Elizabeth Olsen, il use et abuse de fascination pour le visage de la jeune fille qui constitue à lui seul près de la moitié de la pellicule finale. On imagine aisément qu'il fait partie de ces réalisateurs amoureux de leurs actrices, communiquant aux spectateurs ce voyeurisme plastique. Si le séjour en secte se conclut brutalement par l'intrusion de la violence dans le quotidien, il y est surtout question de prédation et règne sexuel où les corps s'échangent dans une harmonie superficielle. Martha n'est pas vraiment résolue à fuir ce monde, elle agit par pulsion, tiraillée par l'absence de futur et la perspective d'une autre prison mentale, l'asile.

On regrette toutefois que le réalisateur n'ait pas consacré davantage de temps d'image au reptilien Hawkes, à son influence, à sa manipulation. Du passé de Martha, on sait simplement qu'elle est orpheline, susceptible donc d'être en quête d'une seconde famille. La fragilité mentale ici présentée n'est pas définie comme antérieure ou postérieure au séjour. Les faits livrés sont sans notice. On finit par se demander ce que le film véhicule vraiment comme impression si ce n'est une passion presque fusionnelle pour les grands yeux bleus et tristes d'Elizabeth Olsen. Son interprétation reste saisissante, perdu entre deux mondes et doutant de la réalité de chacun d'entre eux mais quelque peu vaine étant donné qu'on ne parvient jamais à pénétrer sa confusion mentale.

Date de sortie en France : 29/02/2012

Un film de Sean Durkin avec Elizabeth Olsen, Christopher Abbott, Brady Corbet (Etats-Unis, 1h41, 2011)

Martha Marcy May Marlene

Cyrille Falisse

Ingrid Jonker **

2012-02-09T11:38:00.002+01:00

Un film de Paula Van der Oest

"Elle était à la fois poète et sud-africaine. Alors que le désespoir régnait, elle a célébré l'espérance face à la mort. Elle a clamé la beauté de la vie. Son nom est Ingrid Jonker". Ces mots sont extraits du discours de Nelson Mandela au parlement sud-africain en 1994 lors de son investiture. Parler d'Ingrid Jonker, la fille de l'ancien Ministre de la Censure Abraham Jonker, politiquement opposée à son père, en ces termes, à ce moment précis de l'histoire, est la preuve, s'il en fallait une, que la poésie portée par l'illusion de l'amour peut réunir les hommes, preuve aussi pour le producteur Arry Voorsmit qu'il fallait consacrer un biopic à cette jeune femme morte en se jetant dans des flots déchaînés à l'âge de 32 ans.

C'est en lisant les carnets de son amant Jack Cope (Liam Cunnigham) que le scénariste sud-africain Greg Latter a trouvé suffisamment de matière pour construire le récit sur Ingrid Jonker (Carice Van Houten). Cette jeune femme guidée par le besoin de reconnaissance de la figure tutélaire du père ne cessa de cumuler les aventures amoureuses avant de sombrer dans la folie. La folie étant naturellement cette espace délimité par une frontière fragile qu'on franchit parfois un peu par hasard. Elle maintenait pourtant une lucidité extrême mais se laissait par moments dépasser par l'intrusion de la cruauté du réel dans son existence. La scène la plus marquante de sa vie, aussi point de basculement, a donné naissance à son plus beau poème, L'enfant abattu par des soldats à Nyanga. Il raconte le meurtre d'un enfant à Nyanga par la police Afrikaners dont elle aurait été le témoin en 1960. La scène filmée par Paula Van der Oest rappelle pourtant à l'image près la mort d'Hector Pieterson en 1976, dont la photographie a fait le tour du monde, et qui serait à l'origine des émeutes de Soweto. Paula Van der Oest s'est autorisée cette ellipse temporelle pour mieux signifier qu'entre 1960 date du meurtre auquel Ingrid Jonker a assisté à Nyanga et celui d'Hector Pieterson, le régime de l'Apartheid a continué d'imposer son ignoble ségrégation raciale.

En ce début d'année 2012, j'ai l'impression que le cinéma remplit merveilleusement son rôle de témoin, de dénonciation et le plus étonnant c'est encore qu'il parvienne à anticiper l'actualité avec ce don de prédiction qui lui est propre. Comme si la stupidité des mots de Claude Guéant sur la supériorité de certaines civilisations par rapport à d'autres étaient invalidés par l'histoire contenue dans ce film. Ne sommes-nous pas sortis de l'Apartheid semble murmurer la mémoire d'Ingrid Jonker ? N'en a-t-on pas encore fini avec ces phrases qui divisent, catégorisent, isolent, enferment ? La force de ce biopic tient en cela, rappeler encore et encore que déjà en 1960 des hommes et des femmes se battaient pour qu'on cesse de parquer les gens dans des townships, pour qu'on puisse vivre en harmonie sans avoir besoin d'affirmer une quelconque supériorité de race ou de civilisation. Dans le film, Ingrid Jonker présente son nouvel ami Jack Cope (lui-même écrivain) à son père, s'en suit une conversation sur la position des noirs dans la société. Cope demande au père joué par Rutger Hauer s'il estime que les Afrikaners sont supérieurs aux noirs, ce à quoi il répond oui. Cope lui rappelle alors que la dernière race européenne qui avait affirmé une supériorité sur une autre n'avait pas gagné la bataille. Le père réagit alors comme Guéant en disant que cette comparaison est injurieuse et n'a pas lieu d'être, que c'est un amalgame que de comparer le régime de l'Apartheid au régime Nazi.

Si le biopic a ce mérite historique, on regrette qu'il ne consacre pas davantage d'espace à cette dimension politique murmurée en filigranes derrière le portrait de femme amoureuse à la santé mentale fêlée. Carice Van Houten qu'on connait surtout pour son rôle de Rachel Steinn dans Black Book de Paul Verhoeven est merveilleuse d'équilibre entre l'enthousiasme communicatif qui caractérisait Ingrid Jonker dans son pôle lumineux et le désespoir progressif qui l'amena à se suicider le 19 juillet 1965 de Three Anchor Bay, elle se décompose progressivement à l'écran. Ironie sombre de l'histoire, Jack Cope l'avait justement sauvée de la noyade lors de leur première rencontre. Là, il ne pouvait plus rien pour elle, ayant démissionné face à ses incartades multiples.

D'un classicisme formel choisi, le film de Paula Van der Oest s'est attaché à la personnalité d'Ingrid Jonker, replaçant son combat mortifère au coeur d'une politique haineuse, soulignant l'incommunicabilité du père et de sa fille, sous-entendant aussi qu'il y avait là le substrat d'un déséquilibre amoureux, d'une recherche toujours plus douloureuse de la beauté dans l'obscurité mentale. Si le film se veut davantage être le portrait psychologique d'une femme interprétée avec force par Carice Van Houten dont le première rôle est parfaitement soutenu par Liam Cunningham, il est aussi la démonstration parfaite que la division des sociétés, des civilisations, ne provoque que la haine et la barbarie. L'histoire nous prouve une nouvelle fois que si on a de la mémoire, on ne peut décemment affirmer ce genre de choses en y croyant vraiment. Et les mots d'Ingrid Jonker résonnent encore en nous!

L'enfant n'est pas mort
l'enfant lève les poings contre sa mère
qui crie Afrika ! crie l'odeur
de la liberté et du veld
dans les ghettos du coeur cerné

L'enfant lève les poings contre son père
dans la marche des générations
qui crie Afrika ! crie l'odeur
de la justice et du sang
dans les rues de sa fierté armée

L'enfant n'est pas mort ni à Langa ni à Nyanga
ni à Orlando ni à Shaperville
ni au commissariat de Philippi
où il gît une balle dans la tête

L'enfant est l'ombre noire des soldats
en faction avec des fusils blindés et des matraques
l'enfant est de toutes les assemblées de toutes les lois
l'enfant regarde par les fenêtres des maisons et dans le coeur des mères
l'enfant qui voulait simplement jouer au soleil à Nyanga est partout
l'enfant devenu homme arpente toute l'Afrique
l'enfant devenu géant voyage dans le monde entier

Sans laissez-passer

Date de sortie en France : 22/02/2012

Un film de Paula Van der Oest avec Carice Van Houten, Liam Cunnigham, Rutger Hauer (Afrique du Sud, 1h40, 2012)

Cyrille Falisse

Café de Flore ***

2012-02-08T15:32:00.000+01:00

Un film de Jean-Marc Vallée

Le consensus critique m'est toujours apparu suspect. Quand je survole la critique française sur Café de Flore elle semble parler d'une seule et même voix, ce qui est d'emblée regrettable. Preuve, s'il en fallait une, que je suis encore soumis aux influences, j'ai retardé mon rendez-vous avec Jean-Marc Vallée, ce réalisateur québécois qui m'avait ébloui avec la grâce folle de C.R.A.Z.Y. Il m'aura fallu deux semaines pour vaincre mes préjugés. Pendant le film, le générique et à la sortie de la salle, je ne m'explique toujours pas cet hermétisme critique qui prononce une sentence arbitraire et systématique contre les récits initiatiques spatio temporels romanesques comme si la métempsycose et la réincarnation devaient être l'apanage de la science-fiction. Faut-il rappeler aux critiques occidentaux qu'il y a près de la moitié de la population mondiale qui croit qu'on renaît dans un autre corps après la mort ?

Jean-Marc Vallée ne se limite fort heureusement pas à un exposé philosophique. Ce qui l'intéresse c'est d'examiner la possibilité de se guérir de la culpabilité dans une autre vie. Jacqueline (Vanessa Paradis) est la mère célibataire d'un petit enfant trisomique dans le Paris des années 60. Assurant seule la charge de cet "extraordinaire", elle développe un amour fusionnel difficilement conciliable avec les nouveaux élans amoureux de son enfant de six ans. Parallèlement à cette première histoire, le récit se dédouble avec une captation contemporaine. A Montréal, Antoine (Kévin Parent) vit, lui aussi, une passion amoureuse, avec Rose (Evelyne Brochu). Passion presque effacée par le souvenir encore vivace de son premier mariage. Son ex-femme Carole (Hélène Florent), mère de ses deux filles, est aussi son amour d'enfance, celle qu'il avait, vingt ans plus tôt, reconnue comme son âme soeur.

Un peu à la manière de Jaco Van Dormal avec Mr. Nobody, Jean-Marc Vallée balade le spectateur entre ces temporalités différentes. L'accusation facile de l'ésotérisme ne tient évidemment pas la route tant il n'est pas exigé de croire pour comprendre l'enchâssement de deux récits unis par le même et identique nerf de la passion amoureuse. Passion de la mère pour son enfant, d'Antoine pour Rose, souvenir de la passion et sa nostalgie dévorante pour Antoine et Carole. L'idée finale qui tend à les voir se rejoindre par le souvenir d'une vie antérieure peut être pris soit au sens littéral et il n'a rien de farfelu, soit sous un angle beaucoup plus poétique et métaphorique, celui du désir fou de tous ceux qui n'ont pas pu demander pardon de pouvoir le faire en un autre lieu et sous une autre forme, mais pouvoir le faire quand même, et c'est très beau.

Le point d'ancrage des deux histoires est contenu dans le titre Café de Flore, musique composée par Matthew Herbert pour le mythique café de Saint-Germain. Cette musique unit l'enfant à Antoine, l'un prédestiné à une mort précoce en raison de son handicap, l'autre persuadé qu'il vit le bonheur sans être capable de le ressentir. Pour parvenir à ressentir, Antoine a besoin d'un déclencheur, d'un pardon. Ce pardon aboutit à l'écran au bout des deux heures. Carole (convaincante Hélène Florent en femme brisée par la rupture) parvient à la perfection du sentiment amoureux, celui de la libération par le renoncement à son propre désir. Parvenir à renoncer à l'autre, est dans ce cas de figure la plus belle preuve d'amour.

On peut reprocher à Jean-Marc Vallée sa tendance à la posture formelle, à son utilisation massive du ralenti, mouvements de caméra léchés, mise en scène labyrinthique mais ce serait aussi stérile qu'une aigreur de la laideur face à la beauté. Le film est fluide, dynamique, merveilleusement monté. Il y a dans le flou des images des années 60 un certain effet d'optique qui n'est pas des plus réussi certes...

Lui reprocher de faire dire à un de ses personnages, Carole en l'occurrence, lors d'une confession à sa meilleure amie qu'elle voit en rêve un monstre et qu'on le signifie à l'écran par un gros plan sur l'enfant trisomique est aussi furieusement partisan d'une étroitesse réceptive. Comment peut-on décemment faire le reproche à un réalisateur des mots employés par ses personnages, ceux-ci comme dans un roman n'appartiennent pas tous à leur auteur, certains sont même à l'extrême opposé de sa propre vision des choses. Le monstre que désigne Carole et qui est tapi derrière son siège quand elle conduit, hurlant sur la banquette arrière, c'est avant tout son démon intérieur, celui de son passé idéalisé dont elle ne parvient pas à faire le deuil, le fait qu'il soit symbolisé par un enfant trisomique n'est qu'à mettre en parallèle de l'autre histoire où Jacqueline, la mère de l'enfant, ressent évidemment une culpabilité à avoir aimé avec une trop grande violence ce qu'elle prenait pour une différence, celle-là même par laquelle Carole va se libérer.

Café de Flore dérange ? Je me demande encore pourquoi... Comment expliquer que tous les critiques censés juger avec une certaine distance et intégrité puissent démolir à ce point un film qui par bien des aspects est brillant. Esotérique oui mais sensible, construit, bien mis en image et délicieusement rétro dans sa façon d'habiller la bande-son d'une pellicule honnête et nullement évasive. Il faut arrêter une fois pour tout d'user des termes prétentieux, fumiste, fallacieux, mystique, putassier pour parler d'une oeuvre qui ne nous a pas touché ou que l'on a pas comprise. On gagnerait en modestie et en sens critique.

Un film de Jean-Marc Vallée avec Vanessa Paradis, Kévin Parent, Hélène Froment (Canada, 2h00, 2012)

Cyrille Falisse

{Humeur} L'étrange réception critique des nouveaux chiens de garde

2012-02-08T09:33:00.000+01:00

Paradoxalement, le film de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat Les nouveaux chiens de garde fait jaser sans que l'on en parle. Bénéficiant d'une bonne réception de la part du public, il est décrié par les journalistes qui n'y voient que la vision frustrée de deux des leurs sur leur profession. Cependant, il est intéressant de constater la différence qu'il existe entre la critique "classique" d'un film et celle d'un documentaire. Le Passeur Critique revient donc sur ce phénomène particulier qui traduit un certain malaise chez nos vecteurs d'opinions. Une parabole moderne de “il n’y a que la vérité qui blesse ?”

Nous ne reviendrons pas ici sur notre propre vision de l'œuvre, Cyrille s'y étant déjà attelé (cfr les nouveaux chiens de garde). Il s'agit ici de se concentrer sur la réception du film. Auprès du grand public, les notes délivrées sur AlloCiné (qui sert d’étalon en termes de réception par le public) sont relativement élevées. À l'inverse, la presse n'y est pas allée de main morte. Aux chiffres s'appuient de nombreuses critiques argumentées. Les plus courantes lui attribuant les griefs suivants :
un parti-pris politique (et donc un manque d'objectivité), les informations avancées sont incomplètes, une vision acerbe qui dessert le message.

Il est déjà intéressant de constater que les journalistes qui ont commenté Les nouveaux chiens de garde ont relevé son manque d'objectivité ou le parti pris idéologique de ses auteurs. De plus - et c’est peut être une première - ce ne sont pas les critiques ciné qui se sont emparés de cet exercice mais bien les “grands journalistes” incriminés. Du côté des nouveaux médias indépendants, tels que Médiapart ou Arrêt sur Images créés à l'origine en réaction du manque d'indépendance des grands quotidiens, les critiques saluent l’arrivée d’un documentaire qui bouscule la profession mais rejoint au final Libération, le Figaro ou le Monde, particulièrement visés dans le film (le fameux “oui mais” qui illustre chez l’auteur un certain sens critique).

Mais quid de la critique de l'œuvre ?

Chaque réalisation filmique fait l'objet d'une critique sur la forme ainsi que sur le fond, sommes-nous alors encore dans la critique cinématographique si l'on se cantonne à regretter le point de vue de son auteur ? Peut-on par exemple reprocher le pessimisme d'un Lars Van Trier et en déduire que les dénouements de ses films sont trop tristes et que cela altèrent la qualité de ses œuvres ?

Ou alors, le documentaire relève-t-il d'une autre forme de jugement ? D’ailleurs, peut-on traiter le documentaire à portée politique de la même manière qu'un documentaire apolitique ?

Prenons l'exemple de Michael Moore. Le procédé utilisé par l'équipe de Balbastre et Kergoat est sensiblement le même que celui de Fahrenheit 911 ou tout autre de ses documentaires : nombreuses utilisations d'extraits d'époque, montage tournant à la dérision le message des personnes incriminées, apport d’experts “hétérodoxes” et “ascenseurs émotionnels” provoqués par des témoignages plus dramatiques (tel que celui du prêtre d’Outreau accusé de pédophilie). Ainsi, Les nouveaux chiens de garde ne se démarquent pas “techniquement” d’un documentaire de Michaël Moore, à mi-chemin entre le témoignage et la satire politique.

C’est d’ailleurs l’une des critiques principales que l’on formule à l’encontre des Nouveaux chiens de garde : une caricature qui nuit à l’objectivité et au sérieux du message que les auteurs tentent de faire passer. Ils reconnaîtront eux-mêmes que certains traits de personnages exprimés sont caricaturaux. Mais, là aussi, les journalistes qui crient au haro se trompent d’arguments : le pacte narratif est de démontrer que les personnes incriminées ne sont que des pantins du système et qu’ils ne servent que de “garde-fous” au débordement de ceux qui iraient à l’encontre de la pensée dominante. La technique employée consistant à les tourner en dérision sert donc l’argument du film qui veut que ces individus n’ont pas totalement conscience des idées qu’ils véhiculent. Henri Maler (ACRIMED) résumera d’ailleurs la situation de la profession par un “un journaliste, c’est un mec de science po qui n’a pas réussi son concours d’entrée à l’ENA”. Lapidaire ? Certainement. Mais Moore, Balbastre ou Kergoat savent bien que l’on n’attire pas des gens dans les salles obscures en présentant un documentaire de 1h40 objectif, chiant et laborieux.

Le renouveau citoyen des salles obscures

Diffusé d’abord dans de petites salles, Les nouveaux chiens de garde a permis à ses auteurs et ses acteurs de faire déborder le débat en dehors de l’écran. Henri Maler, sociologue présent vendredi dernier au cinéma Bastille (Paris XIe), s’est engagé dans la démarche d’ouvrir la diffusion du film à la discussion. Refusant sa promotion par les médias dominants car ne souhaitant pas débattre avec les individus qu’ils accusent, la réalisation a donc pris son bâton de pèlerin pour convaincre et expliquer la démarche de leur documentaire. Une stratégie qui compte sur le bouche à oreille pour convaincre d’autres spectateurs.
Une démarche commercialement risquée et un travail qui relève plus de la pratique du militantisme que de l’avant-première mais qui a le mérite d’étendre le débat en dehors du film. Cependant, l’échange avec les spectateurs est souvent condescendant puisque les individus présents sont en général acquis à la cause de l’orateur, mais cela permet également aux acteurs du documentaire de s’affranchir de l’aspect “diagnostic” des Nouveaux Chiens de Garde pour s’attarder sur les réformes à mettre en place au sein de cette corporation.

Un documentaire où ses auteurs prennent la peine de se déplacer physiquement au quatre coins de l’hexagone pour ouvrir le débat mérite-t-il autant de critiques acerbes ? Pire, en protestant d’une voix aussi harmonieuse et véhémente, la presse incriminée ne fait-elle pas le lit des thèses du documentaire ?

Au final, la force des Nouveaux Chiens de Garde n’est-il pas de replacer la question du journalisme au sein du débat ? L’indépendance médiatique est une question politique, il s’agit donc pour chaque citoyen de s’interroger et de débattre, comme il peut le faire lorsqu’il s’agit d’acquis sociaux ou d’éducation.

Un documentaire de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat (France, 1h44, 2011)

Michael Bastien